BLACK STAR RIDERS

Ya lleva un tiempo circulando por la red el tema que ha aparecido como adelanto de lo que será el trabajo de Black Star Riders, de inminente aparición, y qué quieren que les diga. Pues que en primer lugar, me parece loable que se hayan cambiado el nombre, porque una cosa es girar bajo el apelativo de Thin Lizzy, conservando el legado de Lynott en directo, y otra, grabar y editar nuevo material bajo ese nombre, algo que, lógicamente, no aceptaríamos muchos fans de la banda irlandesa. En segundo lugar, es comprensible que como músicos, y en especial Scott Gorham, tuvieran ganas de componer nuevo material. Es de ingénuos pensarse que no iba a pasar tarde o temprano, y no creo que sea por ansias desmedidas de vender discos, porque eso ya no está al alcance de mucha gente. En tercer lugar, que me encanta el tema, con ese riff inicial tan parecido al de "Guilty Of Love" de Whitesnake, y ese sonido tan Thin Lizzy (como era de esperar), que, aunque no aporte grandes sorpresas, siempre es agradable de escuchar, y da una idea de por dónde van a tirar. Me da que será un disco, cuanto menos, digno y correcto, apto para completistas de la obra de Thin Lizzy, y fans del rock clásico, sin aportar nada más en especial, y con temas que podrían haber sido sin problemas, temas de carasB de discos como "Black Rose", como el que nos ocupa. Y en cuarto lugar, pues eso, que esta gente es incapaz de hacer algo malo.

CLIVE BURR

Supongo que a estas alturas, todos sabéis ya el fatal desenlace que ha tenido la esclerosis múltiple que venía padeciendo desde hace años, Clive Burr. Con él, se va un trozo de la adolescencia de todos los que crecimos con los tres primeros discos de la Doncella, como banda sonora. Siempre que alguien como él, acaba de manera tan injusta, me viene a la cabeza unas palabras que dijo una fan a un anciano Groucho Marx en una ocasión: "La gente como usted, nunca debería morirse". Y así es. Con la de escoria que hay por el mundo, siempre se van los mejores, y entre ellos, gente que ha dedicado su vida, a hacérsela más feliz a los demás. Descansa en paz, Clive.

¡ESOS VÍDEOS OCHENTEROS!

THE GREAT KAT

¿Saben ustedes de esas cosas que, de tan sumamente horrendas que son, terminan siendo hasta buenas? En este tipo de cosas podríamos meter el disco conceptual de Styx, la discografía y los clips de Thor, las pelis de Ed Wood...ya saben, ese tipo de chorongos tan demencialmente insoportables, que acaban hasta teniendo su gracia. Pues la superguitarrista megavirtuosa de la que voy a hablarles, entraría en esa categoría. Y es que, la violinista clásica llamada Katherine Thomas, cuando decidió a mediados de los 80, en plena moda de los corrededos que empezaron a aparecer hasta debajo de las piedras, dejarles a todos ellos a la altura del betún, con su mezcla de música clásica y speed metal (¡Toooma ya!), efectivamente, les dejó a todos a la altura del betún, en un más difícil todavía, haciendo que todos esos plastas que imitaban a cierto sueco, quedasen como unos amantes de las melodías de fácil escucha, comparados con las tonadillas de la tipa ésta, con ese sonido de guitarra, similar al de un cerdo cortándose los huevos con un ventilador, y esa ausencia total de melodías y canciones, haciendo de cada pieza un megasolo contínuo. Y con títulos tan prometedores como los que les pone a sus discos, del estilo de "Beethoven on Speed", "Digital Beethoven on Cyberspeed", "Bloody Vivaldi", "Rossini's Rape" o "Wagner's War", no me digan que la cosa no promete. ¿Quién quiere escuchar después a un Blackmore, un Malmsteen, o un McAlpine, después de escuchar a esta fiera del pentagrama y los solos masturbatorios a toda leche? Ni Vinnie Vincent puesto de ácido. Los corrededos esos de powimetal nintendo de Dragonforce, son unos aficionados al lado de esta fiera. Y como no podía ser de otra manera, en los ochenta, tuvo sus correspondientes clips como este "Metal Messiah", en el que los más cazurros heavies de Winsconsin o así, le hacen el gesto de "no somos dignos" que popularizaron en "Wayne's World", mientras nos deleita con una letra, a cuyo lado, las de los Ramones parecen de los Rush. Al lorito con el vídeo y con el sonido de la guitarra, y su ausencia total de riffs, o cualquier otra cosa que se le parezca: Guapo ¿eh? Pues no se pierdan el destrozo que hace aquí con la 5ª Sinfonía de Beethoven. De antología. Salen de público, los mismos tarugos del otro vídeo. Pues eso, es tan excesiva y cutre, que es hasta grande en su cutrez y exceso. Creo que si te compras uno de sus discazos, te regalan un bote de aspirinas.

BARK AT THE MOON

El 10 de diciembre del 83, Ozzy publicaba la continuación a los magistrales "Blizzard Of Oz" y "Diary Of A Madman", superando la enorme pérdida de Randy Rhoads, y presentando al mundo a su nuevo guitarrista, procedente de unos primerizos Rought Cutt y Ratt, Jake E. Lee, tras haber sustituído a Rhoads en las giras de rigor por Bernie Tormé, o Brad Gillis, con quien grabó el directo "Speak Of The Devil", repleto de temas de la antigua banda de sus excompis sabáticos, y que llegó a superar en ventas al también en directo "Live Evil", que publicaron los Sabbath con Dio. Todos los criajos metalheads de la época alucinábamos con la portada licántropa del disco, y con el correspondiente clip del tema que daba título al mismo, que venía a ser el "Crazy Train" de este trabajo. Tema con riff potente y rápido, y estribillo que se te graba en el coco a la primera escucha. El trabajo de Jake era sobresaliente, al igual que el de Bob Daisley al bajo y Tommy Albrigde a la batería. Este último, en la gira sería sustituído por Carmine Appice, que aparece en el videoclip antes citado. "You're Not Different" era un tema melódico en el que se parecian esas influencias beatlelianas que nunca ha ocultado el Madman, en el que resaltaban los teclados de Don Airey. "Now You See It (Now You Don't)", no sé por qué, me recuerda a "Suicide Solution", y tiene uno de los riffs más sabáticos del disco, "Rock'N'Roll Rebel" era otro de los trallazos de la obra destinados a hacerse populares entre la audiencia, con su riff pegadizo y su rollo festivo, y atentos al solo del amigo Lee. "Center Of Eternity" utiliza el habitual recurso de comenzar un tema con campanas fúnebres, aunque añade además intro de coros fúnebres, y un solemne teclado, que da paso a otro de los temas más cañeros del disco, y de los más conocidos del mismo. Gran tema, y uno de las canciones más heavieras que jamás haya compuesto Ozzy, y uno de los riffs más matadores. Luego vuelven las influencias de los Beatles, en la bonita balada "So Tired", que Ozzy borda supliendo sus carencias vocales con sentimiento y alma a chorretones. Una maravilla de canción, se lo aseguro, y los teclados de Airey aquí suenan a gloria. Por compararla con otra canción de corte similar, vendría a ser a este disco, lo que fue "Goodbye To Romance" al primero. Luego volvía la caña con el potente y muy a lo Black Sabbath riff de "Slow Down", con ese estribillo comercial que contrasta de maravilla con el ritmo de la canción. Una de esas joyas escondidas en la discografía de este hombre, de las que nadie habla, pero que suenan de lujo. Y el disco cerraba con "Waiting For Darkness", otro tema con unas guitarras matadoras, y una base más pesada en plan medio tiempo. En fin, el disco con el que se cierra el periodo más clásico de la carrera de Ozzy en solitario, con nota de sobresaliente. Luego vendría "The Ultimate Sin", pero éste ya era más comercial, intentando rivalizar con el metal más pop que se puso tan de moda, y ya no es para mí. No sería hasta "No Rest For The Wicked" y sobre todo "No More Tears", que Ozzy no volvería a hacer algo que me impactase tanto como sus tres primeros discos.

COVERS

"TOBACCO ROAD" Uno de esos temas que ha versioneado hasta el tato, y que más de uno de ustedes se preguntará de dónde salió. Pues bien, a pesar de lo americanazo que suena este standard, su origen es británico. Concretamente, este tema de 1960, compuesto por John D. Loudermilk, fue el éxito de una de esas "one hit wonders", que llaman los guiris, salida del Reino Unido, que era The Nashville Teens. Si bien, la original, era en formato folk, tuvo un pequeño éxito en Australia, pero poco más. La que ha versioneado todo cristo, es la de los Nashville Teens, y más tarde, la de Edgar Winter. Vamos con unas cuantas versiones de la pieza. La versión que en su día hiciera Eric Burdon & The Animals, es bastante original y difiere notablemente de la de los Teens, como pueden ver: Lou Rawls llevó el tema a su terreno de blues-soul, con notables resultados: Los hippies de Jefferson Airplane, también hicieron su versión del tema, y también está curiosa: Así como los otros hippies británicos de Sppoky Tooth hicieron la suya: Pero las más populares, que seguramente serán las que ustedes más hayan escuchado, son las que hiciero, por una parte Edgar Winter, y por la otra David Lee Roth: Hay muchísimas covers más de este clásico, en manos de artistas como Rare Earth, Status Quo, Blues Magoos, Mud, y un largo etcétera.

ALVIN LEE

Hoy nos ha dejado uno de los grandes del blues rock británico. Su aparición en la película del festival de Woodstock es todo un icono de esta música. D.E.P.

¡QUE NO, COÑO! ¡QUE ESO NO GUSTABA A NADIE!

Quería comentarles algo que últimamente percibo escuchando las radios españolas, que no es otra cosa, que esa manía de volver a sobrevalorar la puta movida madrileña de los cojones y a petardos como HombresG o Mecano cada dos por tres, con musicales que se les dedican en los teatros, como si fueran los putos Led Zeppelin. Dios, da la impresión de que los periodistas de estas emisoras son un atajo de pijos y maricones que crecieron con esas putas bazofias. Y encima, a las generaciones más jóvenes, les hacen creer que las mierdas que cantaban Aviador Dro, Alaska o los Zombies, eran himnos que cantaban toda la chavalada en los 80. Pues niños, sabed que no, la movida madrileña, en los barrios de Madrid (no sé en la zona pijeras del barrio de Salamanca), no gustaba absolutamente a nadie ¡Joder, que yo recuerdo en mi barrio, típico barrio obrero de Madrid, que ni dios escuchaba esa mierda! Sólo el más tonto de cada instituto, y las tías, y, desde luego, les iba más la tontería esa de los nuevos románticos, la música disco, y los cantantes mojabragas tipo Pecos, antes que la puta movida. El resto, escuchaban heavy metal, hard rock, rock urbano o las putas rumbas, debido a la vecindad caló, y así en plan más mainstream, unos Dire Straits, Supertramp, Roxy Music, Police, etc. Y luego, los cuatro rockers, los cinco punks y poco más. Pues parece que el rock de aquella época, no ha existido nunca para estos petardos. Da la impresión que, como dice un conocido mío, no quieren que un "Resistiré" de Barón Rojo quede para las nuevas generaciones como un himno generacional de aquella época, sino "Bailando" de los Pegamocos, que es más inofensivo. Nunca me gustaron bandas del calibre de Bella Bestia, Júpiter, etc. pero antes que la mierda de la movida y el pop que ahora quieren poner como que era lo más escuchado en los barrios por aquel entonces, prefiero a las bandas más cutrongas del heavy de por entonces. Al menos, se tomaban la molestia de aprender a tocar, joder. Me cago en la puta, si mientras todos estos moñas apenas llenaban un Rockola, Miguel Ríos, Obús o Barón Rojo arrasaban en campos de fútbol. Pues no, para la radio y demás, parece que en los 80 en Spain, sólo existió la mierda sobrevalorada de la movida. Que lo sé, porque yo vivía al lado del campo de futbol del Román Valero. Me tragué todos los conciertos grandes de la época. Los putos Dire Straits (que también abarrotaban estadios), UFO, Def Leppard y Rainbow, Whitesnake y Meat Loaf, Accept y Iron Maiden, Black Sabbath con Girschool y Diamond Head, Miguel Rios, Leño y Luz Casal...hasta Ramoncín llenó ese estadio. No conozco absolutamente a nadie, que tenga un solo disco de grupos de la movida, o de HombresG. De Mecano sí, porque la tontería congénita con este grupo de inútiles desde mediados de los 80 aproximadamente, es digna de estudio, pero con los otros, nada de nada.

ADRIAN SMITH

Hoy felicitamos, en su 56 cumpleaños, a Adrian Smith, componente de ese dúo único de guitarras que forma con Dave Murray (bueno, desde hace ya muchos años, trío, con Janick Gers) en Iron Maiden, y para ello, vamos a hacerlo recordando sus inicios con la banda Urchin, que formó al salir del cole junto a Murray, con el que en su época escolar ya había formado Stone Free. Gracias a Youtube, la música que hacía con Urchin, en donde ya apuntaba maneras su faceta compositiva, ha sido recuperada, y es cuanto menos, interesante.





Máxime, cuando fue en Urchin, donde este hombre compuso uno de los clásicos de su futura banda. Eso sí, en una versión bastante cambiada de la que harían Maiden.

Y, HACE VEINTICINCO AÑOS...

ZODIAC MINDWARP AND THE LOVE REACTION
"TATTOOED BEAT MESIAH"

Si a partir del 87, el sleazy sería lo que arrasaría en la MTV de la época, y éste estaba capitaneado por los Guns y toda la avalancha de bandas inspiradas en el legado de Hanoi Rocks, Aerosmith, Faces,AC/DC y Stones, también surgiría el lado más motero del asunto, con bandas como los reconvertidos a hardrockeros Cult del "Electric", Circus Of Power, y la banda liderada por Mark Mannig, y llamada con el nombre de su alter ego, Zodiac Mindwarp And The Love Reaction. Además de publicar un fenomenal debut, al señor Mannig se le puede atribuir ser la fuente de inspiración de tipos como Rob Zombie, Al Jourgensen o Ginger, el de los Wildhearts, y componer uno de los hits ochenteros de Alice Cooper, como fue "Feed My Frankenstein".

¿Y qué tenía "Tattooed Beat Mesiah"? Pues crudo y sucio hard rock&roll que bebía de Motorhead, Alice Cooper y Stooges en cantidubi, y daba pildorazos como "Prime Mover" (versioneada años más tarde por los Gluecifer), temas de temática cerda de la que nos gusta como "Back Seat Education", macarradas como "Skulls Spark Jocker", "Holy Gasoline", "Let's Break The Law", rock&roll cañero del estilo de "Untamed Stare" y una potente versión de "Born To Be Wild" para, como ponía en la carpeta del single, "demostrar que la de los Cult es una pila de mierda". Sin desmerecer de la versión que hacían los de Ian Atsbury, la verdad es que a estos moterazos irredentos que presumían de lavarse el pelo con cerveza, les quedaba más propia, y era más cañera la suya. Todos los temas, por supuesto, con guitarrazos la mar de guapos y resultones.  Si a esto le sumamos sus videoclips, que eran la mar de bizarros, frikis y cachondos, es lógico que a algunos de nosotros nos flipasen ya del todo y nos ganasen para siempre.
Si todavía no tienes este disco, no sé a qué coño estás esperando.

KILL 'EM ALL

Si bien en el 83 consolidaban sus carreras Motley y Twisted Sister, ese mismo año, dos bandas publicarían sendos debuts que servirían para etiquetar a otra de las dos escenas que reinarían en los 80, conservando la esencia más pura del heavy metal, cuando éste empezó a aorizarse en años siguientes, bajo la denominación de Thrash Metal. Unos serían Slayer con su "Show No Mercy", y los otros, Metallica, con el disco que nos ocupa bajo el brazo. Uno de esos debuts de banda que irrumpe cual elefante en cacharrería, con unas arrolladoras ganas de comerse el mundo, y ya desde el principio demostrando tener un sonido propio, aunque se notasen sus evidentes influencias del punk de segunda generación de unos Exploited o GBH y las bandas de la NWOBHM, con Diamond Head a la cabeza. Ese princio con "Hit The Lights", vuela la cabeza al más pintado, con esos riffs cortantes como cuchillas y Hetfield desgañitándose con ganas. Sorprendentemente parecido a lo que grabaron Anvil en ese mismo año, bajo el título de "Forged On Fire", y con la misma actitud, sólo que en unos tipos jovenzuelos con acné. Y lo mismo se puede decir de "The Four Horsemen", que les emparentaba con las bandas británicas de primeros de década, al igual que "Jump In The Fire" o "Seek And Destroy", y pepinazos más speedicos, con una clara influencia de Motorhead y casi punkarras en momentos como "Motorbreath", "Whiplash" (curiosamente, Motorhead versionearían años después este tema, ganando además un Grammy con ello), "Phantom Lord", "No Remorse" o "Metal Militia". Llamaba la atención el largo minutaje de la mayoría de los temas, huyendo del single facilón, y destacaba el personal sonido de bajo del carismático Cliff Burton, que se lucía en "(Anesthesia) Pulling Teeth". Si bien la cosa se pulía y mejoraba (especialmente en las letras) en su continuación en forma de segundo trabajo, "Ride The Lightning", desde luego, el debut de los de San Francisco, fue uno de los más brillantes de la década por toda la rabia y mala hostia que destilaba.

Y SEGUIMOS CON LA RESACA POST GOYAS, Y CON LA DEMAGOGIA

Seguramente, ya les habrá llegado vía mail, o vía Facebook este ladrillo difamatorio tan bonito, que, gente bieninencionada de izquierdas, o cerca de la izquierda, acoge sin contrastar, y la gentuza pepera aprovecha para lo suyo. La demagogia y el arte de ver la paja en el ojo ajeno, además de fomentar el odio y la sospecha hacia colectivos díscolos con sus cosas. Analicémoslo:

"Hola, me llamo Maribel Verdú y trabajo en el cine español, estoy casada con un empresario que tiene siete teatros, SIETE,"

Esta señora, se puede casar con quien le salga del coño. Eso en primer lugar. Segundo, los actores, como no tienen lo que se dice un trabajo estable, y siempre pueden tener temporadas de vacas flacas, es inevitable que inviertan en negocios para tener las espaldas cubiertas. Es algo que también hacen muchos músicos. Y qué mejor que un teatro, o dos o los que sean. Por cierto, que no es un negocio rentable de la hostia tener teatros a día de hoy. Ha habido actores que se han arruinado tras encargarse de un teatro. Pero vamos, si el marido de esta señora tiene siete teatros (cosa que es mentira. El marido de Verdú, el hijo del actor Carlos Larrañaga, se llama Pedro Larrañaga, es productor teatral y el cerebro de la familia para los negocios. Pero es que, además, sólo tienen un teatro y lo compraron entre toda la familia, con bastante esfuerzo, por lo visto), y vive de programar funciones en ellos, dando trabajo a gente, no sé dónde está el problema, ya que, por mucho que alzen la voz en un acto público, contra las injusticias que se están cometiendo para beneficiar a empresarios mucho más delincuentes que él, vive en una sociedad capitalista. No los va a regalar por casarse con Maribel Verdú.

 "mis amigos y yo nos dedicamos a hacer películas con el dinero de los impuestos de los ciudadanos, luego, si esos ciudadanos quieren verlas tienen que pasar por taquilla, abonarse a una tele de pago o comprar una copia original en su soporte favorito, porque las descargas son un crimen, ya sabéis."


Aquí está la madre del cordero de muchas críticas idiotas de la gente. El puto egoísmo, en un país de ladrones y gitanos, y el no querer que la gente que vive del cine o de la música, viva de verder discos, o películas. Las películas se hacen para ganar dinero. Cuestan dinero, y se tiene que obtener un beneficio. No se hacen por amor a vivir del aire. Así que, es lógico que no les haga ni puta gracia que ustedes, gorrones de mierda (y me incluyo ahí, porque pocos están libres de culpa culpita), quieran verlas por la jeta. Si ustedes fabrican botijos, querrán que se vendan. Y, respecto al dinero de los impuestos y demás pamplinas, decir que en muchos países el cine recibe subvenciones, por ser un patrimonio cultural, por ser una industria que da dinero al país, y porque da trabajo. En Suecia, el Estado hasta patrocina la música, ya ven ustedes. Y ningún sueco se cabrea por ello con los músicos, sino todo lo contrario. Más ayudas reciben fundaciones dedicadas a dictadores genocidas, a fomentar el modelo neoliberal, la iglesia católica, y el sindicato de empresarios conocido como CEOE, y no veo a ninguno de los que critican las subvenciones del cine, ponerse con la vena hinchada por ello.¿Que hay chanchullos con las subvenciones? Pues lo que hay que hacer es controlar bien a quién se les da, qué hace con ellas, y demás.


 "También hago anuncios, de hipotecas del Banco Santander, por ejemplo, esta es una entidad líder en muchas cosas, desahucios sin ir mas lejos. Y fui imagen de el Corte Inglés, que es una empresa donde ni siquiera se permiten los sindicatos."

Bueno, si el teatro y el cine llenasen, y no estuviese la cosa tan jodida, quizás los artistas no harían anuncios. Ahora bien, volvemos a lo de antes. Esta señora vive en un país capitalista, y para pagar sus facturas, tiene en ocasiones que hacer anuncios. Quizás ella, como muchos tontos que se hipotecaron en tres pisos a la vez, porque el banco les engañó y se creían marqueses, no era consciente de lo que estaba publicitando. Pero vamos, si todos ustedes fueran el sumun de la integridad y tan escrupulosos, no trabajarían ni la mitad, porque todas las empresas para las que ustedes trabajan, fijo que están de mierda hasta arriba. ¿También castigamos a los curritos del Corte Inglés, por currar ahí? Y también es posible, porque ustedes no la conocen como persona, ni yo tampoco, que su conciencia, viendo la que está cayendo, le haya hecho decir lo que dijo. Todos podemos cagarla en la vida y hacemos cosas que no nos gustan ¿verdad, señor que se compró esas deportivas que fabrican los niños en Taiwan, y va con ellas a una manifestación contra los recortes?


 "Ayer me dieron un premio Goya, por una película en la que matamos varios toros, mira que yo hice campaña para promover la adopción de galgos y eso...."

Ahí les llevo la razón. Eso es una cagada como la copa de un pino, que el autor de esta diatriba ha metido a propósito, para hacerse con el sector ecologista en el bolsillo.


bueno, a lo que iba, que en los agradecimientos, enfundada en un modelito de Raf Simmons para Dior y con joyas de Bulgari, denuncié este injusto sistema que roba a los pobres para dárselo a los ricos. Molo un montón."

Más demagogia, esta vez para fomentar la envidia en la gente mal informada. Los modelos que llevan las actrices a esta gala, son prestados por firmas, bajo seguro, y devueltos al día siguiente, como bien saben los libelos fascistas en forma de periódicos, que bien se encargaron de poner esto, muy al final de sus articulitos. Y sí, hizo bien en denunciar este sistema que roba a los pobres para dárselo a los ricos, aunque, como ninguno de ustedes, no sea el marxismo en persona. Es más, a diferencia de otros ilustres con trajes como Camps, esta señora, todo lo que gana, no es robado.

UNA DE DEMAGOGIA, ESTUPIDEZ Y TALIBANISMO

Parece ser que ayer, todo el mundo se tragó la gala de los premios Goya, por el morbo de ver si al impresentable ministro, el gremio del cine le daba su merecido, en forma de varapalos verbales para ponerle colorado, pero eso sí, con la envidia y el paletismo que caracteriza al populacho español, una vez colmado el morbo, correspondía poner verdes a los actores, con los cuatro topicazos de turno, y alguno más, y, en según qué sitios, con una ignorancia a la altura de este país de pandereta.

Vaya por delante, que a un servidor nunca le ha gustado esta gala, y opina que los actores de este país son criticables por muchas cosas. Además, de que nunca veré algo como "Blancanieves", aparte de por el maltrato a animales que se ha dado en dicha producción, porque odio las putas corridas de toros y la españolización cutre y rancia que han hecho con el cuento de Grim. Vale que Maribel Verdú, ha hecho anuncios del Corte Inglés y de empresas hipotecarias.  Todos alguna vez, curramos en cosas que no nos gustan y eso, pero parece ser que ahora todo dios es muy íntegro con estas cosas.

Pero, con todo, me pareció perfecto todo lo que dijo. Esta mujer, antes que actriz, imagino que es una ciudadana como todos ustedes, y tiene derecho a indignarse con lo que está pasando, como muchísimas personas. Como seguramente,  muchos amigos, vecinos o familiares de ella. Pero parece ser que debe pedir perdón por ejercer su derecho a la libertad de expresión siendo actriz, porque, por una regla no escrita, todos los actores son ricos, y hay que machacarles por ello.

Caso similar con Candela Peña. Parece ser, según todos estos revolucionarios de nuevo cuño, que la chica no puede decir que ha estado tres años sin trabajar, que su padre murió en un hospital público en el que faltaban mantas y agua, ni que le den trabajo. Debe ser también rica, la muchacha. Lo más gracioso es ver a hipócritas derechistas, que han votado para que se privatice la sanidad, ahora, yendo de adalides de la misma, acusando a Candela de despotricar contra lo público, justo cuando lo que está criticando es el deterioro de ello. El cinismo no tiene límites. También he leído a gente echar en cara que esta actriz no ha sido vista en ninguna manifestación. Bueno, parece que hay quien conoce toda la vida y milagros de esta chica. Yo no sé si va o deja de ir, pero desde luego, cuando ven cómo se trató a Guillermo Toledo (y éste si que no se le puede reprochar que no sea de izquierdas), cuando fue a apoyar lo de Sol, no creo que se vean muy animados.

Por supuesto, no faltan las críticas a que toda esta gente dice esto, mientras van con vestidos de Armani, y demás. Se olvidan todos estos comunistas de nueva crianza, que estos vestidos, son prestados a las actrices, firmando un seguro, y los tienen que devolver al día siguiente. Pero vamos, seguro que cuando todos estos criticones van de boda, visten como mendigos. Lo de las subvenciones también es un recurso al que echar mano, para criticar a la industria cinematográfica, claro. Aun siendo cierto que habría que vigilar la picaresca y los chanchullos que habitualmente haya con este tema, países como Francia o Alemania, también aportan dinero público al cine, porque es un bien cultural, y es una industria que aporta pasta, trabajo y divisas. Pero vamos, que aquí queremos que sólo los ricachones hagan cine.

Se olvidan también, que los actores son la cara visible en esta gala, pero detrás de ellos, en esta industria, hay TRABAJADORES como puedan ser maquilladores, peluqueros, iluminadores, técnicos de sonido, guionistas, encargados de vestuario, músicos, etc. Gente jodida por este gobierno, como el resto del pueblo. Y encima, que cuentan con el odio vengativo de un gobierno que les ha jodido a base de bien con la ley nueva del cine y la subida del IVA.

En fin, que la tirria a los supuestos ricos, el pensarse que hacer una película no es un trabajo y cuesta dos duros, la ignorancia en general, y el desprecio hacia la cultura que es tradición en este país, tiene lo que tiene. Además, criticando a esta gente desde ese ordenador fabricado con tántalo sacado a base de mano de obra esclava en Africa, mientras se toma uno una Cocacola, sin importar que esta empresa mataba sindicalistas en Colombia, y estando cómodo con esa camisa de marca fabricada por niños chinos, se siente uno coherente y obrero que te cagas.

EL DIA EN QUE LEMMY, SALVÓ EL CULO A LOS TWISTED

En su primera toma en directo con las audiencias británicas, a principios de los 80, los de New York tuvieron la difícil papeleta de abrir para Motorhead, y estaban acojonados de cuál podría ser la reacción de los cafres fans de la banda de Lemmy, al ver a unos tipos vestidos de dragqueens carcelarias. Pero dejemos que lo cuente Dee Snider:

“Fuimos advertidos acerca de la potencial reacción, y nos estábamos cagando. Una vez vistiéndonos en el camarín, entró Lemmy con una proposición no solicitada que nos voló la cabeza. Quería introducirnos.

“Hasta el día de hoy, no estoy seguro porque Lemmy fue tan amable. Quizás haya sido por su atípica forma de ser, una de las razones por la que es tan querido”.
Cuando Twisted Sister, subió al escenario, los fans de Motörhead tuvieron una reacción negativa, arrojando todo tipo de “misiles” al escenario, hasta que apareció el héroe.
“El público se paralizó”, dice Snider. “Lemmy dijo: ‘Estos son mis amigos de Estados Unidos. Escúchenlos’. Eso fue suficiente”.

TWISTED SISTER & MOTLEY CRÜE

1983 Fue un año crucial para dos bandas que a partir de entonces serían enormes en la escena hard & heavy norteamericana, y mundial. los neoyorkinos Twisted Sister y los angelinos Motley Crüe publicarían sendos segundos trabajos que, en el caso de los primeros, les subía más un peldaño a la fama de proporciones descomunales que obtendrían con el siguiente disco, y en el caso de los segundos, volaron las cabezas de montones de teenagers headbangers de entonces, y se convirtió en uno de sus clásicos fundamentales.

Y es que, con "You Can't Stop Rock&Roll", la banda de Dee Snider (que no fue su fundador, pero que hasta su llegada al grupo, éste no despegó en condiciones), que tras llevar diez años ya en esto pateándose todos los clubs habidos y por haber, y realizar para su primer disco, el abrasivo "Under The Blade", la maniobra que otros ya hicieron con anterioridad, como Hendrix o Stray Cats, de trasladarse a Londres, alcanzar allí el éxito y volver a los States como campeones, ya empezaban a sentar las bases de lo que les haría famosos hasta las trancas en no poco tiempo. Estaban consiguiéndolo en un tiempo récord, todo lo que les había costado tanto desde el 73.También ayudó a ello, desembarcar en un Londres, en el que la NWOBHM estaba en plena ebullición, claro. Sin abandonar esa rabia punk y callejera que les emparentaba con bandas amigas como Motorhead, y formaciones de su ciudad como los Dictators (no en vano, su bajista, Mark "The Animal" Mendoza, puso las cuatro cuerdas al servicio de la enorme banda de Dick Manitoba en su "Manifiest Destiny"), como se puede apreciar en odas al macarrismo elevado al cubo como son "The Kids Are Back", "Like A Knife In The Back", o "Ride To Live, Live To Ride", ya empezaban a componer temas comerciales con gancho para canturrear puño en alto en los conciertos como "I Am (I'n Me)", claro antecedente de temas del estilo de "We're Not Gonna Take It" , predominando el canto a la rebeldía juvenil como en "We're Gonna Make It", y temas con una raíz mucho más metálica que otras bandas de estética glammy, como la potente "The Power And The Glory", el tema más rápido del disco, "I've Had Enough", "I'll Take You Alive", cuyo riff les emparenta más con Saxon y similares, que con Slade, o la canción que da título al disco, que es todo un himno y en la que Snider adelanta su idea de aprovechar al máximo el impacto de la MTV, y ruedan con este tema, el primer videoclip con toques de humor, todo idea de nuestro cantante favorito, aunque todavía rezumando macarrismo callejero, que se puliría más tarde, en los siguientes clips de "Stay Hungry". También tienen una balada que ya anticipa lo que harían poco después con "The Price". En este caso es "You're Not Alone (Suzette's Song) No es tan rotunda como la antes mencionada, pero a quién le importa cuando el disco contiene todo lo que hemos comentado antes. "Under The Blade" y "You Can't Stop Rock&Roll" nos presentaban a los TS más macarras y punks. En el disco siguiente, "Stay Hungry", pulirían más esas aristas (aunque esa base siguió estando ahí), y la jugada les salió redonda, porque reinaron por un buen tiempo en los 80.

Motley Crüe, la otra banda que lideraría el glam metal en los 80, publicaban la continuación a su "Too Fast For Love", en la que ahondarían en su vena más heaviera, jugueteando con el satanismo de broma, desde la portada, hasta la misma canción que daba título a su obra, y arrasarían del todo en los USA, dejando a montones de chavales boquiabiertos, con su actuación en el US Festival de ese mismo año, además. Este disco significó para esa generación, lo que una década antes podría haber significado el "Rocks" de Aerosmith para la anterior, y creo no exagerar. Y también les sirvió para triunfar al otro lado del charco, por supuesto. Ya se sabe lo que atrae el lado oscuro a los chavales, con lo cual, qué teenager de Arkansas no iba a resistirse a esa introducción de "In The Beginning", seguida del primer pildorazo, "Shout At The Devil", con ese riff heavy y esa batería machacona, o temas con títulos como "God Bless The Children Of The Beast", y versiones de temazos con toda una leyenda negra rodeándoles como "Helter Skelter". Si a esto le sumamos los temas en los que la banda es especialista, por conocerlo de primera mano, de fornicación a todo lo que tenga faldas, como "Ten Seconds To Love", que también son muy atractivos para los teenagers vírgenes de una Minesota cualquiera, el éxito estaba garantizado. Era imposible resistirse a la fuerza de sus singles "Looks That Kill" o "Too Young  To Fall In Love", con sus respectivos clips apareciendo en la MTV a todas horas, y que en países como Spain, se podían ver en todo garito metalero que se preciara de serlo, y la tralla de canciones del tipo de "Bastard", "Red Hot" (Tommy Lee no sería Dave Lombardo, pero aquí le da al doble bombo como un campeón), o "Knock'Em Dead" cuyo riff me recuerda a un "Grinder" de Judas Priest. Uno de sus mejores trabajos, y el que puso a la banda en lo más alto, con sus ventajas e inconvenientes, como se puede leer en la biografía del grupo.

CAMBIOS QUE SENTABAN COMO A UN SANTO DOS PISTOLAS

MICHAEL SCHENKER (¡PERDÓN!) McAULEY SCHENKER GROUP

Corría el año 87, cuando el guitarrista teutón, decidió que tenía que vender en los USA a lo grande, y que debía cortar con el hard rock melódico tocado por tíos feos (pero con carisma a borbotones, maestría y un currículum que tiraba de espaldas, como Cozzy Powell, Ted McKenna, Chris Glen, Paul Raymond, Graham Bonnet, o Derek St. Holmes), para acercarse peligrosamente al AOR en su peor acepción, rodeado de músicos más monos (es un decir),  pero conocidos en su casa y a la hora de comer, para arrasar entre las fans de Bon Jovi.

Así que, dejando con el culo torcido a la mayoría de sus fans y consiguiento nuevos seguidores, que le darían la espalda en cuanto saliera the next big thing, se me junta con Luis XVI...digo, el exGrand Prix Robin McAuley (es que, ese historiado pelucón despista a cualquiera), el bajista Rocky Newton, el guitarrista Steve Mann y el batería Bodo Schopf, se me pone unas extensiones, se compran las ropas más horteras y chillonas que hubiera por Los Angeles, y me graban su primera obra, en la que se aprecia un sonido comercial más oportunista que hecho de encargo, en el que brilla por su ausencia todo aquello que hacía que me gustase el MSG de antaño.

Vale, tecnicamente, tiene una calidad fuera de toda duda. Este tipo sabe reunirse de buenos músicos y tal. Pero coño ¡Esto no es MSG! Es otra cosa muy moñas. Ya sólo con el tema que abre el disco, del que salió su video pintón de turno para la MTV, el "Give Me Your Love", la cosa no promete una mierda. Eso sí, los fans de Bon Jovi y Europe están encantados con estos casi cuarentones que quieren ir de mozuelos majos. La voz de Luis XVI carece del feeling de Graham Bonnett o el macarrismo de Gary Barden,  no es que cante mal, pero es eso, un cantante de rock más comercial. Cosas que suenan algo al pasado de guitarrista alemán, pues sería el riff inicial de "Here Today-Gone Tomorrow", que también recuerda a Scorpions. Pero eso, sólo el riff. El resto del tema suena a AOR del montón, "No Time For Losers" aumentaría en fuerza, cantada por un Gary Barden, porque es cañerilla (no mucho, no sea que se les despeinase el cardado a sus nuevos fans, claro)  como "Get Out" que tiene otro riff aprovechable, "Love Is Not A Game" es para matarles a guantazos, "Time" es un intento de balada a lo Scorpions, que éstos hacen con más gracia, como "I Don't Wanna Lose", que es de vergüenza ajena, y "Rock 'Till You're Crazy" es de lo poco que salva los muebles de este disco, y ahí sí que viene un solo que es reconocible como 100% Schenker.

Dos años después, publicarían su continuación, en la forma de "Save Yourself". Disco algo más decente que su predecesor, como bien anuncia ya el tema que le da título, con ese punteazo neoclásico de Schenker al comienzo. Además, el tema más cañero del disco,  Sólo la escucha de este tema, ya albergaba esperanzas. Aquí sí está lo que un servidor espera escuchar en un disco del MSG, aunque el tema suene más a Scorpions que a ellos. El riff de la siguiente, "Bad Boys" sonaba más al Schenker clásico, pero cuando entra la voz del McAuley, le falta ese punch que tenían los temas clásicos. Por supuesto, tenía que venir la baladita para el correspondiente clip de la MTV, y ésta es "Anytime", que me parece un pastiche de balada al uso del montón, que podría haberla sacado cualquier banda de figurines de la época. "What We Need" es otra cacota de cuidado, pero la pachangada de "I'm Your Radio" es ya indigna de este tío. Querer sonar a estas alturas como los Def Leppard del "Hysteria", como que es algo putapénico, teniendo ya un estilo propio bien definido. En "This Is My Heart", parece que quieran sonar como Foreigner o Journey, y para eso, me quedo con los originales. "Destiny" se libra de la quema, como "Get Down To Bizness" o "Shadow Of The Night", y "Take Me Back" no suena mal del todo. Disco algo mejor que el anterior, pero flojísimo comparado con los discos clásicos, y con algunas cosas vergonzantes, como ya he señalado.

Con la llegada de los 90, el rock pintón tenía sus días contados, porque la gente se hartó de tanta idiotez, y, conscientes de ello imagino, El McAuley Schenker Group normalizó sus pintas. El cantante dejó de llevar el megapelucón rococó, y se bajó el volumen peluconístico, y Schenker se olvidó de las extensiones y se dejó el típico bigote tan del gusto de los futbolistas alemanes y su hermano. En lo musical, también se notó el cambio en su tercera obra, titulada como la banda, en la que se aprecia el endurecimiento de su sonido ya desde el primer tema "Eve", comercialote, pero más durillo que en discos anteriores, por el riff de guitarra, más que nada. al igual que "Paradise", con un ritmo pesado en plan medio tiempo. Los coros y las melodías moñas de voz siguen ahí, pero se aprecia algo más de dureza. "Invicible" es de lo mejorcito de la obra. Y la guitarra acústica de "Nightmare" también mola bastante. En definitiva, es el disco más audible y redondo que grabaron, aunque siguiera sonando comercial, pero claro, ocurrió que este estilo sería desbancado por la escena alternativa y grunge, con lo que, las ventas fueron un fracaso y provocó la separación de la banda. Encima, muchos de sus fans veteranos, les habían dado la espalda hace tiempo, y ni prestaron atención al disco. Si Schenker nunca se hubiera metido en estos terrenos, quién sabe si hubiera mantenido una base de fans en condiciones, aunque no hubiera arrasado, y hubiera sido respetado, y hasta reivindicado en esa década. De hecho, en bandas como Pearl Jam, entre sus músicos había fans de MSG.

"PYROMANIA"

El 83 fue el año en el que estos británicos triunfarían a lo grande en los USA. Surgidos en toda la maraña de lo que se dio en llamar la NWOBHM, de siempre estuvo claro que Def Leppard poco tenían que ver en cuanto a influencias y sonido (quizás sí en la actitud y la energía) con sus compañeros de escena, Maiden, Saxon o Tygers Of Pan Tang. Su hard rock influenciado por el glam de los setenta y AC/DC tenía desde el principio, las miras muy puestas en América, y, siguiendo la evolución lógica, desde aquel rabioso y lleno de juventud "On Trought The Night", el totalmente hard rockero "High & Dry", llegaron a la culminación y el equilibrio perfecto entre fuerza y comercialidad, de la mano de todo un Mutt Lange, con su tercer disco, que fue el pelotazo definitivo, al otro lado del charco. Primero, porque estaba repleto de temazos, segundo, por la producción, y tercero, porque no sonaba a cambio forzado y oportunista, sino que era una evolución natural del sonido de la banda. Estrenaban disco, y nuevo guitarrista, en la persona del exGirl (otra muy recomendable banda de la NWOBHM, que tampoco tenía mucho que ver con el heavy metal, propiamente dicho, y en la que cantaba el futuro frontman de L.A. Guns, Phill Lewis), sustituyendo a Pete Willis, que fue expulsado por sus problemas con el alcohol, aunque se incluyeron las rítmicas que éste había grabado para el álbum, lo que quizás influyó en que trallazos como "Rock Rock (Till You Drop), "Stategright",  o "Action! Not Words" conservasen la fuerza de su anterior disco, aunque eso sí, con una producción más pulida.

Willis también llegó a componer junto a la banda, algunos de los hit singles en potencia de "Pyromania", como eran "Photograph", "Too Late For Love", "Billy's Got A Gun" o "Comin' Under Fire". Y es que, el tercer disco de esta gente, estaba repleto de singles hechos para reventar las listas, con una clase y una fuerza arrolladoras, y además consolidaba el sonido de la banda. A pesar de notarse la mano de Robert John "Mutt" Lange (de hecho, compuso junto a la banda algunos de los temas), que apartir de aquí, sus producciones con otros artistas llevarían mucho del sonido que sacó con Leppard, eso no perjudicó en absoluto el resultado de este trabajo.  Fue tal el impacto que tuvo esta obra en Norteamérica, que desde entonces, hasta el día de hoy, ha vendido allí 10 millones de copias. Rara es la peli yankee de típica comedia de cuarentones yankees, o sobre rockeros en la que no aparece algún tema de este disco en la banda sonora. El éxito continuó en años posteriores, a pesar de pasar por la desgracia del accidente de su batería Rick Allen, con el también exitoso "Hysteria", pero a partir de ahí, aun comprendiendo que era la senda lógica por la que tirarían, para un servidor, tanta sobreproducción, y la pérdida progresiva de garra en las guitarras y los temas, ya no es para mí. Para mí, "Pyromania" cierra con broche de oro una trilogía, y es EL DISCO, así con mayúsculas, de esta gente.

"LICK IT UP"

Seguimos repasando los lanzamientos discográficos que nos impactaron a algunos, hace treinta años, y ahora, le corresponde al primer disco en el que se veía a los neoyorkinos sin sus pinturas de guerra. Porque, una de las novedades que traía "Lick Ut Up", era esa, Kiss dejaron de ir pintados, para, en futuros discos, ir maquillados como puertas, y, de paso, demostrarnos por qué Gene Simmons decidió meterse en el rock&roll, además de su pasión por los Beatles. Su vida sexual hubiera sido mucho más dura, sin duda.

Pero no era esa la única sorpresa. Incorporaban de manera oficial a Vinnie Vincent, que ya había prestado sus servicios en el "Creatures Of The Night". si en este último, ya apuntaban  ligeros cambios de orientación en su sonido hacia territorios más heavieros, en "Lick It Up", ya entran de lleno en el heavy metal ochentero, encajando a la perfección en el estilo que se pondría en boga en este terreno en los USA a lo largo de la década. Así "Exciter" habría el disco, recordando en el riff a la canción que titulaba su anterior trabajo, y la cosa seguía con la más pesada de ritmo "Not For The Innocent", con un magnífico trabajo de Vincent en el solo, para continuar con el primer single del álbum, que era la canción de título homónimo al mismo. Todo un trallazo lleno de fuerza y comercialidad, que se pegaba como el chicle, y cuyo clip fue la tarjeta de presentación a todos los chavales que esperábamos expectantes a ver en la tele los jetos de nuestros superhéroes favoritos. Los jetos, y el mal gusto vistiendo (Simmons, esa camiseta rosa...). Si en los 80 no escuchaste esta canción, o no habías nacido, o eras un moña que se corría con Mecano, o vivías en una jodida cueva.



 La caña volvía con "Young  And Wasted", con otro potente riff de guitarra inicial, y la excelente batería de Eric Carr mostrándonos su poderío a los tambores. "Gimme More" es uno de los temas más rápidos que jamás hayan compuesto. Puro heavy metal inspirado por las bandas británicas de entonces, con un excelente doble bombo y Stanley desgañitándose a placer, por no hablar del solo de Vincent, que se luce en todo el disco agusto. Luego venía el segundo single que publicaron, que no era otro que "All Hell's Breakin' Loose" tema con un groove bastante funkie, al estilo de los Aerosmith setenteros, que le daba una variedad muy saludable a la historia, eso sí, sonando en las guitarras, más heavy que una lluvia de hachas, como todo el disco.





 Después estaba el medio tiempo que rozaba el AOR, y se llamaba "A Million To One", uno de esos temas comercialotes que se le da tan bien cantar a Paul Stanley, y que adelantaba el rollo que llevarían muchos temas en posteriores entregas de la banda. Muy buenos coros y melodía, y extraordinario solo. Tras la calma, volvía la tempestad, con la obscena "Fits Like A Glove", cantada, como los temas más cerdos por lo general de la banda, por Simmons. Rock&roll cañero para patear culos con ganas, con riff zeppeliniano, pero tocado a hipervelocidad. Seguía  otro rock&roll muy majo que era "Dance All Over Your Face", también cantado por Simmons, y se cerraba el disco con toda una loa al rock&roll que llevaba por nombre "And On The 8th Day", cuyo concepto y título, copió cierto grupo español, para una canción de temática obviamente similar.



Y con este pedazo de disco, Kiss visitaban por primera vez tierras hispanas ese año, teloneados por los barceloneses Tigres y los canadienses Helix, en conciertos inolvidables por lo que cuentan los allí presentes. Yo no tuve la suerte de presenciarlos, pero tuvo que ser épico.

"BORN IN AMERICA"

En el 83, los neoyorkinos Riot publicaban su continuación al extraordinario Restless Breed, en el que debutara Reth Forrester a las voces, siendo por lo demás, el último gran disco de los Riot clásicos. El disco, ahondaba en terrenos más comerciales, que ya se adivinaban en su antecesor, y así teníamos temas con un enorme gancho, como era el que daba título al disco, que es todo un himno a su país, nombrando iconos de la cultura pop del mismo, como a Allan Freed o Las Vegas, la melódica y contagiosa "You Burn In Me", con un bonito riff inicial cortesía de Mark Reale, la sorprendente adaptación al hard rock de "Devil Woman", tema de Cliff Richard, o "Promised Land", tema con reminiscencias zeppelinianas, que cerraba el disco. Pero no dejaban de lado el heavy metal marca de la casa, que aquí era representado con trallazos del calibre de "Wings Of Fire", "Running From The Law", "Vigilante Killer", las muy Judas Priest "Heavy Metal Machine" y "Where Soldiers Rule", ésta última, con un comienzo que recuerda a la versión que hacían los británicos del "Diamonds And Rust" de Joan Baez, y la soberbia "Gunfighter". Por supuesto, tanto Mark Reale, como Rick Ventura, Kip Leming y Sandy Slavin demuestran lo grandes músicos que son, a lo largo de todo el disco, al igual que Reth Forrester (a quien va dedicado este artículo, en el aniversario de su fallecimiento) a las voces.

"TEXAS FLOOD"

En el 83, además de que en Europa, y más en Spain, los teenagers de la época estábamos inmersos en las tribus urbanas, y dentro del rock, daba la impresión de que el heavy metal y el hard rock eran lo único que lo mantenía a flote entre tanta new wave, tecno y demás, no existía algo como internet, y muchas cosas que arrasaban en los USA, aquí llegaban a un público muy reducido, y tardaban mil años en llegar.

Y Stevie Ray Vaughan y sus Double Trouble, fueron una de esas cosas que los críos que estábamos alucinando con Maiden, Saxon, Scorpions o Schenker, tardamos en descubrir hasta una década más tarde, cuando Gary Moore popularizó el blues entre el público metalero. Hasta entonces, sólo excepciones como ZZTop, Rory Gallagher o Johnny Winter, eran lo más popular entre la chavalería rockera de por entonces, en España.

El caso es que, el debut de STRV  And Double Trouble, en América fue un hito para el blues rock, comparable a la aparición de Jimi Hendrix, y puso patas arriba el bluesrock, revitalizándolo y volviendo a hacer que dicho estilo estuviera en la boca de todo cristo. "Texas Flood" no sólo era un brillante comienzo de una (por desgracia) carrera corta, que de no truncarse por su fallecimiento a comienzos de los 90, hubiera llegado a enormes cotas, sino la culminación de muchos años de trabajo de Stevie Ray Vaughan, que empezaron en el 69, con su primera banda, The Blackbirds, siguieron en los 70, con su paso por formaciones como The Nightcrawlers, Paul Ray & the Cobras o Triple Treat Revue, hasta que a comienzos de los 80, da con Tommy Shannon al bajo y Chris Layton a la batería, formando su banda definitiva, los Double Trouble. Gracias a tocar para los Stones, a petición de ellos, que quedaron impresionados por una cinta que les mandó su mánager, fueron haciéndose con un nombre en la escena, que les sirvió para tocar en el festival de Montreaux y conocer a David Bowie, que fichó a Vaughan para tocar en "Let's Dance", y a Jackson Browne, que les invitó a grabar por la jeta este discazo que nos ocupa.

En "Texas Flood" nos encontramos la influencia de Hendrix flotando en el ambiente, pero no sólo la de él, sino también la de colosos del blues tejano como T Bone Walker o Albert Collins, pero con una personalidad y una energía como pocas veces se han visto.

La cosa arranca con el rock&roll de "Love Struck Baby", siguiendo con uno de los que serían sus clásicos imprescindibles en sus directos, como era "Pride And Joy", en el que exhibe todo su poder guitarrero, el bluesazo lento que da título al disco, seguido de otra maravilla  de boogie tejano como es "Tell Me", las incendiarias instrumentales "Testify" y "Rude Mood", de las que sale fuego de las cuerdas, la buenísima versión de "Mary Had A Little Lamb" de Buddy Guy, que Vaughan la hace suya desde la primera nota, volviendo a la calma con otro pedazo de blues como es "Dirty Pool", en el que el tejano canta con un feeling que está al alcance de muy pocos, vuelve el boogie en la línea de "Pride And Joy" de la mano de "I'm Crying", y cierra con esa preciosa instrumental lenta de corte jazzy, que se llama "Lenny".

Disco imprescindible si te gusta el blues, si quieres introducirte en él, o en la discografía de este hombre, o si te gusta la buena música sin más.

"HOLY DIVER"

Hace treinta años, el exRainbow y Black Sabbath, Ronnie James Dio, sorprendió a todo el público heavylón, y a los que éramos unos niñatos heavies por entonces, con su brillante debut en solitario. Debut, en el que demostraba que era una parte importantísima componiendo en sus dos anteriores bandas, y que reunía un sonido que mezclaba a ambas, con trallazos como "Stand Up And Shout", que podría haber entrado en "Heaven And Hell" o "Mob Rules" sin pestañear, o temazos cargados de melodía como "Rainbow In The Dark", que podrían haber entrado en  "Long Live Rock&Roll", por ejemplo. Con una formación de campanillas, formada por ex compis de sus anteriores bandas, como Jimmy Bain al bajo y Vinny Appice a la batería, y destacando el hasta entonces desconocido para el gran público, Vivian Campbell, proveniente de los británicos Sweet Savage, a la guitarra, que se convirtió en uno de los hachas favoritos de la época ipso facto. Aunque con el tiempo acabaría portándose como un gusano, pero eso es otra historia.

Como he dicho, el primer disco de Dio en solitario era brillante, todo un soplo de aire fresco para el heavy de la época, y los temazos que contenía, no acababan sólo en los mencionados arriba, sino que también componían esta colección de canciones, temas de la talla del que daba título al disco, "Gypsy", "Caught In The Middle", mi favorita "Don't Talk To Strangers", con un precioso comienzo lento, y el acelerón cañero después, "Straight Throught The Heart", "Invisible" y la muy Sabbath "Shame On The Night".

Este disco tuvo su buenísima continuación con el siguiente trabajo, llamado "The Last In Line", y Dio no volvió a grabar algo de semejante calibre en solitario, pero se convirtió por derecho propio en una referencia obligada dentro del género, por muchos motivos.