ESAS VOCES QUE, O AMAS, O DETESTAS

Sí, sobre eso va esta entrada. Esos cantantes con unas voces, digamos, peculiares, que, o te entran a la primera, o les aborreces, haciendo que te pierdas, en algunas ocasiones, el buen hacer de sus compañeros de la banda. No hablo de malos cantantes, sino de voces que se te pueden hacer cargantes, bien porque no sea el tipo de voz que te guste, o por otros muchos motivos. En cuanto nombre al primer ejemplo, lo tendréis más claro.

Justin Hawkins 

 The Darkness no son una banda para todos los públicos, a pesar de su vocación comercial. Y es, en gran parte, si no toda, por el poco sentido del humor de mucho público rockero, al que le parecen una bufonada sin más, y por la voz de este coloso. Y es que, los gorgoritos de Hawkins, o te hacen gracia desde un principio, o te pueden irritar hasta lo inimaginable. A quienes nos hizo gracia la broma, porque además, The Darkness es una broma muy bien hecha, ya que son muy buenos músicos, que manejan influencias del mejor hard rock comercialote clásico, pues en el fondo, la voz de Hawkins, que no es más que la influencia de Russell Mael, el cantante de otra banda bastante peculiar como son Sparks, nos parece la seña de identidad del grupo, y acrecienta más el cachondeo al escucharle cantar así cosas como "quita tus manos de mi mujer, hijo de puta". Hasta tiene su punto cachondo, verles en un festival, con los gorgoritos de Hawkins, poniendo de los nervios a heavies ortodoxos.

King Diamond 

 Mira que me jode perderme la cantidad de buena música facturada por Mercyful Fate, o por la propia banda en solitario de Kim Bendix Petersen, que es su verdadero nombre, pero es que no, no puedo con ese falsete. No voy a hablar de sus pintas de versión cutre de Alice Cooper, que sería otro tema, pero la voz, sencillamente, no la aguanto, salvo en los temas en los que emplea su registro más natural, o tonos más guturales, pero la voz de niña del exorcista, no puedo con ella. Y eso no quita para que haya tenido siempre enormes músicos cubriéndole las espaldas y tengan temazos, pero si no te entra la voz con King Diamond, no te va a entrar jamás, como es mi caso.

Mike Tramp

  El paradigma de exceso de almíbar, que amaricona las canciones, ya de por sí poppies de la banda. Siempre me he imaginado a White Lion con un cantante con otro tipo de voz, no tan moña y empalagosa, y hubieran lucido mucho mejor, las guitarras de Vito Bratta, qué duda cabe. Y no será porque Tramp no pone empeño y no le gusta el hard rock. Pero que no, que no es lo suyo. Este tío valía para los Mabel, y ya.

 Michael Sweet

 Siguiendo con voces no aptas para diabéticos, tenemos a Miguel Dulce (heavies que no soportáis a Hawkins, y luego aguantáis que el cantante de una banda se llame así). Stryper, en un sentido estrictamente musical, no son malos músicos. Michael Sweet es muy buen cantante, pero se me hace insoportable, desde el concepto del grupo, la imagen, su meapilismo cristiano, sus horrorosas letras, y por último, una voz empalagosa hasta decir basta. No lo solucionó, ni que se dejasen barbas a finales de los 80.




Y hasta aquí este breve repaso a cantantes que, o les amas o les odias. Espero que hayan hecho unas risas. Prometo volver con más voces de éstas, peculiares.

40 AÑOS DE KISS, Y 70 DE KEITH RICHARDS

Ayer se cumplian 40 años desde que unos tal Wicked Lester, en Nueva York, fueran abandonados por Gene Simmons y Paul Stanley, dando lugar a la banda más caliente del mundo. Con la aguda visión comercial del amigo Simmons, Kiss se convertirían en un monstruoso fenómeno musical, que ha estado ahí, dando guerra durante cuatro décadas, y que todos amamos, con sus grandes triunfos, y sus grandes miserias, como todas las bandas de ese status. Así que, celebrémoslo, escuchando una vez más, cualquiera de sus himnos fiesteros.




Y hoy, el riff humano, hace nada más y nada menos, que 70 años. Admirado por unos, denostado por otros, pero es innegable que la habilidad de Keith Richards para componer riffs únicos, ahí está, y qué coño. Es el abuelo que todos querríamos tener. El bando rockero de los Stones, está de celebración.

SLADE

"THE AMAZING KAMIKAZE SYNDROME"

Hace treinta años, estos reyes del glam de billares de barrio, publicaban este disco, en el que modernizaban un tanto su sonido, como harían ese mismo año ZZTop con su "Eliminator", aunque no de manera tan radical, para sonar acordes con los años 80, y rivalizar con las bandas de la NWOBHM, y la jugada les salió redonda. No sólo Slade estaban en boca de todo el mundo, por la versión  de "Cum On Feel The Noize",que de ellos grabaron unos emergentes Quiet Riot en su "Metal Heart", con el que darían el pelotazo, sino que además, "The Amazing Kamikaze Syndrome", titulado en los States y Canadá, "Keep Your Hands Off My Power Supply" , cuando se publicó por esos lares al año siguiente, precisamente allí, en los USA, obtendrían su primer éxito con el baladón "My Oh My". Y es que, este trabajo estaba repleto de singles en potencia, que era lo que siempre funcionaba en la banda de Noddy Holder, y rock&roll del más incendiario. Un disco que empieza con una pieza como la abrasiva "Slam The Hammer Down", sigue con la contagiosa para mover los pies "In The Dog House", para dar paso a la tonadilla hooligan "Run Runaway", ideal para animar cualquier garito que se precie,  ya sólo por estos temas, merece la pena su escucha. Pero la fiesta sigue con "High And Dry", para calmarse con la balada más arriba mencionada, para volver otra vez al rock&roll marca de la casa, con la trepidante "Cocky Rock Boys (Rude Ok)"



Y si todo esto era en la primera cara de la obra, la segunda cara se abría con la potente y larga pieza, dividida en cuatro partes, "Ready To Explode: The Warm Up/The Grid/ The Race/ The Dream", que era puro Slade, con sus festivos coros que incitan a cantar puño en alto en los shows, y unas guitarras que suenan a gloria, a la que seguía la hímnica "(And Now The Waltz) C'est La Vie", "Cheap 'n Nasty"m cuya melodía vocal recuerda mucho a su "Look Up Your Daughters", aunque algo más AORizada, y se cerraba con "Razzle Dazzle Man", que era otro temazo potente, festivo y rockerazo. Como ya he escrito, el disco se editó un año más tarde en los USA, bajo el nombre de "Keep Your Hands Off My Power Supply", y en la reedición que hubo en CD hace poco, de "The Amazing Kamikaze Syndrome", metieron el tema que daba título a su edición yankee, junto a otro que venía en la misma, llamado "Can't Tame A Hurricane". Lo dicho, uno de los mejores discos de Slade, que ustedes deberían redescubrir, si no lo han hecho.

STREET SURVIVORS

Aprovechando que hoy se cumplen 36 años del fatídico accidente de aviación, quería recordar el que fue el disco publicado por la formación de Lynyrd Skynyrd, a la que alcanzó esta tragedia.

Y es que, "Street Survivors", tras el bajón que supuso para la banda, su anterior trabajo "Give Me Back My Bullets", que sin ser en absoluto un mal disco, se empezaba a notar el cansancio de giras sin parar, abusos de sustancias, etc.,  fue un rebulsivo absoluto, que les llevó de nuevo, a las cotas alcanzadas con sus dos primeras obras, "Pronounced Leh-Nerd Skin-Nerd" y "Second Helping". Mucho tuvo que ver en ello, la aportación del nuevo miembro, el guitarrista Steve Gaines, que no sólo incorporaba su guitarra, sino también sus dotes como cantante y compositor, que se pueden apreciar, como cantante, cuando se canta a medias con Ronnie Van Zant, "You Got That Right", y como cantante y compositor en el blues que cierra de manera fantástica el disco, llamado "Ain't No Good Life". Por no hablar de sus duetos a las guitarras con la otra bestia parda que era Allen Collins. Todo el disco está repleto de temazos, es imposible quedarse con uno o dos. Desde rock&roll festivo de la mano de "What's Your Name", la claptoniana "That Smell", en la que Van Zant advierte sobre los peligros del abuso de las drogas y el alcohol, recordando una hostia que se dio Gary Rossington con su coche, la épica de "One More Time", el frenético boogie de "I Know A Little", que recordaba al "Call Me The Breeze" de J J Cale, que versioneasen en su segundo disco, La preciosidad country de "I Never Dreamed", o su versión del tema de Merle Haggard "Honky Tonk Night Time Man".

Una colección de canciones que tira para atrás, y que hicieron que la banda volviera a arrasar en cuanto festival se les pusiera a tiro, como se puede ver en las filmaciones del festival de Knebworth de ese mismo año, el 77, en el que se comieron vivos a todos unos Stones. Lamentablemente, ocurrió lo que ocurrió en la gira, con el maldito avión Convair, y todo se fue al traste, con el fallecimiento de Ronnie, Steve, la hermana de éste, la corista Casey, y el road mánager Phil Kilpatrick en el accidente a bordo del avión, en los bosques de Gillsburg (Misisipi) camino de Baton Rouge. Los demás miembros de la banda, quedarían durante un tiempo con secuelas físicas y psíquicas, estas últimas, se las curarían cuando montaron la Rossington-Collins Band, y más tarde, en el 87, cuando se reunieron con el hermano menor de Ronnie. Para colmo, la portada de "Street Survivors" durante  mucho tiempo, por razones obvias fue censurada, eliminando las llamas que aparecen detrás de la banda en la foto. Una verdadera tragedia que truncaba la carrera de una formación que no cuesta adivinar lo grandes que hubieran podido ser en una siguiente obra, de no ser por el fatídico accidente.

Si no has escuchado todavía "Street Survivors", no sé a qué esperas. Yo, lo estoy oyendo una vez más, a la salud de Ronnie, Steve, Cassie y Phil.

MÁS DE LO MISMO PERO, A QUIÉN COÑO LE IMPORTA

MOTORHEAD

"AFTERSHOCK"

Que sí, que sus detractores podrán decir que hay riffs más que escuchados, que si el sanbenito de que siempre hacen lo mismo (si uno araña más de la superficie, se dará cuenta de que no es así del todo), que si los más nostálgicos verán demasiado metalero el sonido de batería de Mikkey Dee, y echarán de menos la guitarra de Fast Eddie Clarke.  Todo lo que ustedes quieran, pero un servidor, en estos tiempos de destrozo de derechos, de pobreza, robo e injusticia, bandas con la mala hostia de los muchachos de Lemmy, son más necesarias que nunca. Y aunque ya no nos vayan a sorprender, y tengan cañonazos como "Heartbreaker", "Coup De Grace", "Going To Mexico", "Queen Of The Damned", "Paralyzed"  o "End Of Time", que nos traigan muchísimos ecos de otros clásicos, qué quieren que les diga, me suenan a gloria esos pildorazos. Es la medicina que necesitamos los motorheadbangers cada uno o dos años. Y si viene aderezada con andanadas blueseras del calibre de "Lost Woman Blues", rock&roll salvaje como "Do You Believe" o "Knife", medios tiempos vacilones  como "Death Machine" o "Silence When You Speak To Me",  temas que todavía tienen capacidad de sorprender como es ese blues rock lentorro de "Dust And Glass" (los que infravaloran a Phil Campbell, tendrían que escuchar su solo aquí), Boogie con influencias de ZZTop (una de las bandas favoritas de Lemmy de siempre) y con piano, en "Crying Shame" y más rock&roll como "Keep Your Powder Dry", pues cojonudo, oigan. Más vale disfrutar de la dosis de Motorhead todo lo que podamos, porque el día que desaparezcan será muy triste, y Lemmy ya nos ha dado un susto este verano. Lo dicho, que es un placer tenerles de vuelta.

GENE SIMMONS

No sólo Halford cumple años hoy. Nuestro demonio favorito también. Y para celebrarlo, vamos con uno de los temas salvables del disco en solitario que publicó en el 78, cuando cada miembro de Kiss publicó el suyo. El de Simmons y el de Peter Criss fueron los más irregulares de los cuatro, pero aun así, el del primero tiene cosas decentes, como era este "Radioactive", o la versión del "See You In Your Dreams" de la banda madre. No en vano, las colaboraciones eran de lujo. Rick Nielsen, Joe Perry, Donna Summer y Cher, con las que Simmons tuvo sendos affaires sentimentales y Bob Seger eran los invitados de postín, aunque el resultado en general, chirriase.

ROB HALFORD

Aprovechando que hoy cumple años el Metal God, además de felicitarle y desearle que siga en el trono durante mucho tiempo, quería compartir con todos ustedes vosotros, el vídeo televisivo de la actuación de Judas Priest en el Rock In Rio del 91. Un documento, que inexplicablemente no se ha editado en DVD todavía, y que muestra a un Halford todavía pletórico de facultades, en una de las mejores giras de la banda. Todavía recuerdo esta gira, presentando "Painkiller", y llevando de teloneros a unos desconocidos para el gran público, Pantera, que despegaron hasta el infinito y más allá en ese momento.

GEORGE THOROGOOD & THE DESTROYERS

LA RIVIERA

05/07/2013

La foto pertenece a su show de Suiza, pero sirve de maravilla para ilustrar lo que ha sido la gira europea de este hombre, que recaló en Madrid el 5 de julio, y que, para un servidor, fue quitarse una espina que tenía desde hace tiempo, de ver a Thorogood y los Destroyers en acción.

Valió la pena el palizón desde Alicante y posterior vuelta hacia allá, así como el caro precio de la entrada, porque no defraudaron en absoluto. Montaje escénico consistente en varias pantallas de vídeo en las que aparecían viejos clips de los temas que estaba interpretando la banda sobre el escenario, o fotos de los Destroyers codeándose con personajes como Johhny Cash o Albert Collins, demostrando el status del que disfrutan en su país de origen, y un repertorio incendiario de los que tiran de espaldas con todos sus standards como la celebérrima "Bad To The Bone",  la cachonda "Get A Haircut", "I Drink Alone", y versiones como "Cocaine Blues" de Johnny Cash, "One Bourbon, One Scotch One Beer" de John Lee Hooker, "Who Do You Love" de Bo Didley o "Moovin' It On Over"  de Hank Williams, que hace tiempo que George Thorogood y los Destroyers hicieron suyas. Por desgracia, la Riviera no estaba todo lo llena que sería deseable, puesto que la subida criminal del IVA encarecía el precio de la entrada, y con la crisis galopante, no hay para muchas alegrías, pero fue un show que más de uno no olvidaremos, esperando que se repita la experiencia, ya que Thorogood ha prometido volver a hacer gira europea.

ESTUDIOS SOCIOLÓGICOS CHORRAS

EL PIJO BOHEMIO

                                                            Hansel, es lo más, ahora.


 Hoy vamos a hablar de una especie que lleva en este mundo desde que empezó a haber ricos y pobres, pero que en Spain es harto peculiar, porque invade todos toditos los rincones de nuestra cultura popular. El pijo bohemio, que podría estar perfectamente emparentado, y de hecho lo está, con el perroflauta pijo, no es un individuo tan novedoso como podemos creer, no. Esos chavales de profesiones liberales y con carrera en universidades de pago que vemos hacer batucadas en las manis no violentas del 15-M, tienen claros antecedentes en esas hijas de próceres franquistas que iban a hacer el hippie a Ibiza, o esas hijas de presidentes yankees que iban a ver a Led Zeppelin en los 70, con sus mejores pantalones de campana. Pero como ya hablamos del perroflauta pijo en su momento, hoy nos vamos a ocupar más del pijo repijo, que, al ser el miembro tarambana de una ilustre familia, ésta, en lugar de desheredarle, le deja que dé rienda suelta a su vida bohemia, y de paso, le saque pasta a la cosa, si no es corto de luces, que no todo va a ser vivir de la fortuna de los papis, que también. Porque ustedes ven a un Pocholo, y se piensan que el sobrino del yerno de Franco, es un cabeza loca, con las neuronas comidas por la drogaína, cuando de eso, naranjas de la China, oigan. Que este bueno para nada, ha estudiado finanzas y  márketing en suiza y Estados Unidos respectivamente, además de haber currado, imaginamos que saneando cuentas de la mafia anticastrista y algún cantante de centro y español, en el Intercontinental Bank Of Miami. Pero luego, se lió la manta a la cabeza, se dejó el pelo largo, al estilo de pijo tarambana del barrio de Serrano, y a vivir del cuen...digo de actor, y de la noche ibicenca. Y de ahí, al estrellato, en esos programones que fomentan la estulticia y la cutrez de la ciudadanía, como Gran Hermano o Tómbola, en los que se hizo muy popular entre la chusma, con sus habituales pollos, producto de mucha jeta, y drogaína de buena calidad.

Este era un ejemplo clarísimo de la especie a la que nos referimos, pero hay muchos más. En ese hervidero de putas, chulos de alcoba, mafiosos y cocainómanos que es la jet marbellí, hubo muchísimos pijos bohemios tarambanas, empezando por Don Jaime de Mora y Aragón, los Hoenlole, la extelefonista de Fuerza Nueva y patrona de los cárteles colombianos Carmina Ordoñez, y acabando en Gunilla Von Bismarck. Esta señora, que presumía en televisión de no saber lo que era un martillo, y que demostró más lucidez que todos ustedes, cuando dijo que ella votaba en los 80 al PSOE, porque era de derechas, junto al zumbao ese que tenía por marido, se dedicaban y dedican a darse la vida muelle de sarao en sarao, sin que se sepa qué oficio y beneficio tienen, y sin que la totalidad del bulgo sepa que la hippie rara esta, es nada menos que bisnieta del canciller Otto Von Bismarck y nieta del príncipe Herbert Von Bismarck y la condesa Margarita de Hoyos, como señalan en la Wikipedia. Al igual que los pijos más pobres de las rastas, a ella también la preocupan los pobres, y se dedica, entre orgía y orgía, a fiestecitas benéficas con sus amistades pijas, para seguir perpetuando la injusticia capitalista de la que vive, no se vayan a creer. Y ese es su único curro. Con la pasta que ha debido heredar de sus ancestros, se pasa todos los años seis semanitas de vacaciones en Marbella tan alegremente.

                                                       "Qué subidón que da esta farla, oyes."



Como los fachas ganaron la guerra, el pijo bohemio está en todos los ámbitos de la vida cultural y social, y claro, también está en el mundo del espectáculo. Si en los USA tienen pijos bohemios como Lenny Kravitz, aquí no somos menos, y tenemos a todo un Sabina. Ese cantautor tan de izquierdas de la muerte, que invita a cenar a Felipe y Doña Leticia, se hace fotos con Gallardón, y consigue que a sus conciertos vaya toda la plana mayor del partido de la Gaviota, con los que se lleva igual de bien que con los socialistas, porque es partidario de la reconciliación, y piensa que "habría que hacer un 15-M en Cuba", así como se solidarizó con Alejandrito Sanz, cuando éste hacía pucheros inventándose que el malo de Chávez no le dejaba actuar en Venezuela, porque de todos es sabido lo muy comprometido que es el cabezón de Moratalaz con las buenas causas de la democracia nuestra. Sabina, no sólo comparte la querencia por la drogaína y la vida loca con los seres mencionados más arriba, sino además, también tiene lazos familiares que hacen comprender mejor su background político tarambana de progre de salón y amante de los toros. Eso de ser hijo de un inspector de policía (hablamos de la policía de los años 40, con lo que ello implica), haber ido a colegio de monjas, y cursar el BUP en los Salesianos, por mucho que su papi le perdonara sus veleidades de artistuelo y su rojerío de rebelde jovenzuelo de la época (Su propio padre tuvo la órden de detenerle por subversivo en los 60), algo tuvo que marcar a este mentirosillo, que para irse a Inglaterra a hacerse el guay, se inventó que aquí le querían fusilar por un cóctel molotov. Curiosamente, en Londres, según su biografía, ampara a terroristas de la ETA del momento, cosa de la que luego se ha arrepentido mucho, cuando conoció años más tarde al Foro de Ermua, la AVT y el PP, diciendo que eso estuvo muy mal por parte de la izquierda y todo eso. Sobre Melitón Manzanas y Carrero Blanco, no ha comentado nada, porque debe creer eso tan democrático y de ejpañol de bien, de que la violencia está muy mal y tal. El caso es que, en los tiempos de la Mandrágora, Viceversa y demás, el amigo Sabina, no sólo mantiene una trayectoria más o menos coherente en lo izquierdoso, sino que además todavía no ha dado la patada a su primera mujer, una argentina exiliada, a la que se la daría ya cuando alcanza el éxito, para reemplazarla por Isabel Oliart, hija de uno de esos prohombres de Estado, que lleva viviendo de la política desde los tiempos de la UCD, aunque antes ya había ocupado cargos enormes en la administración y en la gran empresa, y que acabaría, como director de RTVE en el gobierno de Zapatero. Justo la época en la que Sabina, se hace amiguito de Espe, Gallardón y compañía, aunque luego éstos le llamen "artista de la ceja" y esas cosas.

                                               "Chavela me ha pedido que le presentes a Rita"


Y hay más y más casos del pijo bohemio. Si no acaban de pillar el concepto, el actor Owen Willson, lo interpreta de puta madre en los papeles que hace en "El Padre De La Novia" y "Zoolander", en esta última, además, sale otro gran pijo bohemio que es Lenny Kravitz, ese tipo que ha destrozado lo poco bueno del hippismo y todo lo bueno de los 70, convirtiéndolo en un producto para hippies del Zara. ¡Escuchen a Hendrix, mendrugos!

BOBBY "BLUE" BLAND

Ironías de la vida. Justo cuando Whitesnake comienzan su gira por nuestras tierras, llega la triste noticia del fallecimiento ayer, a los 83 años de edad, de uno de los pioneros del soul-blues de Memphis, Bobby "Blue" Bland, autor de uno de los temas más emblemáticos que grabase y tocase en sus shows la Serpiente Blanca, que no es otro que "Ain't No Love In The Heart Of The City". Poco conocido en nuestro país, fue miembro de los Beale Streeters, grupo en el que también militaron B.B. King, Junior Parker y Johnny Ace. R.I.P.


También hizo una de las mejores versiones que he escuchado, del tema de Freddie King, "Help Me Trouhgt The Day", que seguro que inspiró a Coverdale, para hacer la suya.

THE KINKS

"LOW BUDGET"

Aprovechando que ayer cumplía años el señor Ray Davies, quería escribir acerca de uno de mis discos favoritos de los Kinks, y un disco, además, que podría perfectamente servir como banda sonora de los momentos que estamos viviendo, porque se compuso en una época también bastante jodida.

Tras una primera mitad de los 70, en la que la banda se ve marginada por la llegada y apogeo del rock progresivo, mientras ellos le daban al rock teatral con discos como "Preservation Act I" y "Preservation Act II", "Schoolboys In Disgrace" o "Soap Opera", deciden volcarse hacia los USA, y decantarse por rockear duro en la próxima entrega. Y lo consiguen con sobresaliente. Coincidiendo con la explosión punk, paren  dos discos notables como son "Sleepwalker" y "Misfists", en los que el rock&roll crudo y guitarrero es la nota dominante, dando al grupo un soplo de energía necesario para rejuvenecer su sonido. Pero la obra cumbre de este periodo, sería su siguiente trabajo, "Low Budget". Valiéndose de la crisis inflacionaria y energética que atravesaban los States, aparecen de vuelta unos Kinks más enfurecidos que nunca, con una serie de canciones que destilan mala hostia y crítica al sueño americano, a borbotones. No olvidemos que el 79, además, es el año en el que asciende al poder en UK, la infame Margareth Tatcher, y junto a una crisis galopante, se suma el comienzo de los recortes ultraliberales de la Dama de Hierro por esas tierras. Con lo que, letras como la del tema que da título al disco, alusiva al empobrecimiento de la clase media, por pelotas tienen que hacer que tanto en los USA como en su tierra natal, la gente se identifique con ellas. Así como "Pressure", que trata sobre el stress de la vida cotidiana, o  la bluesy "A Gallon Of Gas", sobre la crisis del petróleo, y por añadidura del dios sagrado para los yankees, que es el automóvil. La cosa no quedaba ahí, la maravillosa "Cacht Me Now I'm Falling", con riff prestado del "Jumpin' Jack Flash" stoniano, y la bailable "(Wish I Could Fly Like) Superman", hurgan en el subconsciente colectivo de los norteamericanos. Y todo ello con riffs rockeros de primera, como el de "Attitude".  Fue tal la cosa, que "Low Budget" llegó al número 11 de las listas americanas, y fue el segundo disco no recopilarorio más vendido. Para celebrar tal éxito, la gira quedó inmortalizada en uno de los mejores directos de la época como es "One For The Road", en el que se puede apreciar la energía que destilaban estos Kinks, que alternaban los temas de su reciente retoño, con otras joyas intocables como "You Really Got Me", "All The Day And All The Night", o "Celluloid Heroes".

LOS REYES DEL TRITONO ESTÁN DE VUELTA

BLACK SABBATH

"13"

Ya habréis escuchado la mayoría, el nuevo disco en estudio de los Sabbath clásicos de Ozzy, y ya se han dicho montones de opiniones al respecto por Internet. La mía, una vez escuchado el disco más de una vez, no puede ser mejor. Black Sabbath, a estas alturas, no van a dar una vuelta de tuerca a su sonido. Se trataba de recuperar la esencia de los primeros discos, especialmente los dos primeros, y demostrar quiénes son los creadores de un género y un estilo, que han imitado legiones de grupos de posteriores generaciones. No se pueden esperar grandes novedades de unos señores que inventaron esto hace  más de 40 años, salvo que lo vuelvan a hacer con dignidad, clase y estilo, y de esto, en "13" hay a toneladas. Ya no tienen que demostrar nada a nadie, ni reinventar el metal. Eso es tarea de los que han venido detrás. Ozzy, quizás ya no tenga voz  en directo, pero en la producción del disco, cumple de sobra, y pone la voz al servicio de lo que piden las canciones, lo cual es un acierto. Iommi, lo de este hombre, no es de este mundo. Tras haber pasado por un linfoma, y seguir en tratamiento de quimioterapia, ha compuesto y tocado unos riffs brutales, marca de la casa, que son un placer para los oídos de quienes nos sabemos de memoria todo el catálogo del grupo en los 70. Geezer Buttler está inconmensurable en las líneas de bajo, al igual que en los textos que firma, y la batería, es una lástima que por problemas contractuales no esté Bill Ward, pero el batería de Rage Against The Machine y Audioslave, Brad Wilk, ha conseguido emular esa pegada de parches tan  característica del batería clásico de la banda. La producción, a muchos les hubiera gustado que sonase más como en los discos del pasado, pero olvidan que si Black Sabbath hubieran contado en aquella época con una producción como la que aquí les da Rick Rubin, no se lo hubieran pensado dos veces, y hubieran dicho que sí. Es de lujo, señores.

Y vamos con los temas. Muchas críticas ha recibido "End Of The Beginning", por su enorme parecido al tema "Black Sabbath" del debut discográfico de los de Birmingham, de título homónimo. Bueno, están en todo su derecho de autohomenajearse ellos mismos, comenzando un disco con ese tritono que les hizo célebres, y asentó su personalidad en su sonido hace tantos años. Lynyrd Skynyrd también se han autohomenajeado en alguna ocasión componiendo temas que recordaban a su "Sweet Home Alabama", y pocos les han despedazado por ello. ¿Autoplagio? Puede, pero viendo cómo empieza , con este tema,y cómo termina el disco (con esas campanas y truenos, igualitas a las que daban intro a su primer disco) me suena más a guiño de "Mira quiénes somos y estamos de vuelta", que a otra cosa. Y el riff cañero que tiene por enmedio, es marca de la casa inconfundible, al igual que el solazo que se marca  Tony Iommi. "God Is Dead?" tema de tintes niesztcherianos en la letra, empieza de manera inquietante y oscura (como debe ser), seguido de un aplastante riff pesado para seguir con la melodía hipnótica mientras Ozzy entra de manera magistral. Temazo. El riff es puro Sabbath 100%, como es de esperar, sobre todo en la parte cañera final. Quizás tiene en contra, algo de minutaje de más, pega de la que adolencen algunos temas del disco, pero por lo demás, es disfrutable. "Loner" tiene un riff que recuerda a temas como "N.I.B.", y se deja escuchar muy bien, la verdad. "Zeitgeist" será uno de los temas más machacados por quienes sean críticos con el disco, porque es como una revisitación de "Planet Caravan", pero a mí no me disgusta tal cosa. "Age of Reason", me parece de lo mejor del disco, con ese pedazo de riff descomunal y épico, que da comienzo al tema, después de la entrada de batería. "Live Forever" no se queda atrás. Es otro tema para espantar a las visitas de testigos de Jehová, con un riff cañero al estilo de un "Children Of The Grave" cualquiera. "Damaged Soul" nos muestra la faceta bluesística que siempre tuvieron en sus primeros tiempos, retrotrayéndonos a temas del corte de "The Wizard", pero sin autoplagiar dicho tema en absoluto, con una armónica que parece salida del infierno. Robert Johnson aprobaría este tema desde su tumba. El riff, aun sonando a Sabbath, nos recuerda lo mucho que ellos debían, como  todos los de su generación, a Hendrix o Cream, pero pasado por ese tamiz oscuro suyo. Otro de los mejores temas del disco, sin lugar a dudas. Hasta Iommi, que siempre ha sido más jazzístico, se pone muy bluesero en el solo, hasta que desemboca en un tempo más cañero, muy animado por esa armónica que comentaba antes, en plan boogie, y otro solazo de Iommi de quitarse el sombrero.El disco acaba, para quien no tenga la edición de luxe, con una gran crítica a los casos de pederastia de la iglesia católica, como es "Dear Father", que pone broche a la obra de manera magistral, con esas campanas y truenos que comentaba más arriba, que nos llevan al recuerdo de su debut discográfico de hace 43 años.




Los tres bonus tracks de la edición de luxe, son dignos de mención. Methademic es una de las andanadas más cañeras y salvajes compuestas por esta gente. Un pedazo de golosina, que debería de sonar en sus shows en directo desde ya. comienza con unas inquietantes y siniestracas guitarras acústicas, y sigue con una tormenta de riffs incendiarios que hacen que se te caigan las gónadas al suelo y los vecinos recen por el apocalipsis. El bajo de Buttler, aquí suena a gloria, aunque eso no es novedad. A lo largo del disco también lo hace, pero aquí se le nota más. Y queda muy bien el contrapunto de la caña de los riffs, con la melodía de la voz de Ozzy."Peace Of Mind" es algo más previsible, pero es otro temón  100% distintivo del sonido de la banda, que no desentona en absoluto. Y "Pariah" también es otra gran canción, con cierto groove, que aporta algo más de variedad.

Lo dicho. No esperes grandes giros de sonido, ni sorpresas, ni mucho menos que esté a la altura de sus clásicos. Es, simplemente, un muy digno disco de Black Sabbath, con todo lo que les hizo personales y grandes. Punto. Si te gustan BS, te gustará, si no, pues no. O lo tomas, o lo dejas.

COVERS

IT'S ALL OVER NOW


Aprovechando que hoy se cumplen 49 años, de que los Rolling Stones entrasen en los estudios de la Chess Records, en Chicago, para grabar la versión más popular de este tema, junto con su "Time Is On My Side", vamos a repasar las versiones que esta pieza compuesta por Bobby  y Shirley Womack ha tenido en la historia, empezando por la primera de ellas, la que publicaran The Valentinos, el mismo año en el que Sus Satánicas Majestades, al escucharla, decidieron hacer la suya.






Al principio, Bobby Womack se negó a que los Stones grabasen su tema, hasta que fue convencido por su mánager. Cuando recibió el primer cheque de regalías, a los seis meses, dijo  a su mánager, que Mick Jagger podía coger las canciones que quisiera, de su catálogo.


Años más tarde, en el 79, unos brutos sureños muy fans de los Stones, .grabarían para su "Flirtin With disaster" su cover de "It's All Over Now", por supuesto, más fiel a la versión stoniana, que a la de los Valentinos. Sí, hablamos de Molly Hatchet.



Pero la canción ha tenido muchas más interpretaciones, como es la del albino tejano que viene a continuación, Mr. Johnny Winter.





Rod Stewart también hizo su versión correspondiente. Gustaba de interpretarla, tanto con los Faces, como en solitario.




Hasta la más grande de las jam bands, se atrevió a hacer su versión del tema, por supuesto, alargándola hasta el infinito.





El maestro Ry Cooder, ofreció una interpretación un tanto reggae de la pieza en cuestión.





Y hasta el country y el punk rock se rindieron al atractivo de "It's All Over Now", como demuestran sendas versiones de Waylon Jennings y Social Distortion.








Así que, Bobby  Womack tiene que estar encantado de seguir recibiendo pasta de su canción. Por cierto, vamos a acabar escuchando la original, ¿no?

BENT OUT OF SHAPE

Así se llamaría el séptimo disco en estudio de Rainbow, y tercero con Joe Lynn Turner a las voces, que se publicaría hace 30 años. Para muchísima gente, el mejor de los tres que grabaron con Turner, a pesar de ser el más cercano al AOR de los tres. Y la verdad es que, la calidad de las canciones es exquisita. Mucha comercialidad, pero sin perder fuerza en temas como "Stranded" o "Drinking With The Devil", y ese gusto por las armonías clásicas marca de la casa en canciones del calibre de "Fool For The Night", o "Fire Dance", que aquí es el "Spotlight Kid" del disco, ya sabéis, tema rápido con melodía clásica a toda leche, con el órgano de David Rosenthal destacando a diferencia del antes mencionado, en el que destacaba la guitarra de Blackmore, aunque el solo y los riffs del Man in Black en el tema, son memorables, o "Desesperate Heart", en la que Rosenthal vuelve a lucirse con el teclado. Triunfaron en su momento, dos temazos que eran singles en potencia como la preciosa "Can't Let You Go", "Street Of Dreams", quizás dos de los mejores temas de rock melódico jamás compuestos. La brillante instrumental, llamada "Anybody Here" es de quitarse el sombrero, al igual que la otra maravilla instrumental también, que lleva por nombre "Snowman". Y cerrarían el trabajo, con un pedazo de rock&roll como es "Make Your Move", de estructura similar a "Fool For The Night", pero con más pelotas. Lo dicho, un señor disco, el que se marcó Mr. Blackmore en el año de gracia de 1983. Una obra maestra de principio a fin, que haces muy mal en no escucharla, si no lo has hecho ya.


 

CHEAP TRICK AT BUDOKAN

El domingo pasado, se cumplieron 35 años de la grabación del disco más exitoso de la banda de Rockford, que supuso la culminación de su triunfo, sobre todo en Japón, en donde Rick Nielsen y compañía, fueron más populares que en los mismos USA. Sólo decir que "At Budokan" llegó a alcanzar el nº4 en las listas de álbumes de Estados Unidos, donde permanecería un año; en tres meses se hizo Disco de Platino y más tarde Triple Platino, con 3.000.000 de copias vendidas y la versión en directo de "I Want You to Want Me", primer single, llegó al nº7 en la lista Hot 100 y el segundo, "Ain't That A Shame", llegó al nº35, lo que arrastró a los demás álbumes de la banda, y también In Color consiguió el Oro. La grabación fue producto del primero de los dos conciertos en el mítico local, los días 28 y 30 de abril del 78, publicándose oficialmente al año siguiente. Y en el 98, se reeditó en formato doble, con todo el concierto entero, lo que es altamente recomendable, para disfrutar del poderío de esta gente, y de todos sus temazos míticos como "Come On, Come On", "California Man", "Surrender", "Auf Wiedersehen" o "Lookout", y descubrir por qué son tan venerados por bandas como Enuff Z'Nuff, Imperial State Electric, Biters, Red Kross, y un largo etcétera. Un disco fundamental de los directos de los 70, sin lugar a dudas.

KISS ACE FREHLEY

Hoy cumple años mi miembro favorito de Kiss, Space Ace. Y para celebrarlo, además de pincharlo, me apetece escribir sobre el disco en solitario que publicó en el 78, cuando los Kiss decidieron cada uno hacer un trabajo así, en solitario, siendo el de Ace y el de Paul Stanley, los que más agradaron a los fans, en comparación al de Peter Criss, demasiado Beatle para los fans kisseros, y el de Gene Simmons, demasiado "raro" siendo benevolente. El de Paul Stanley, demostraba sus tendencias AOR, y el de Ace Frehley, demostraba quién era el bando rockero en la banda. Porque era eso, el disco más rockero de los cuatro. El rock&roll potente arrancaba con "Rip It Out", con la poderosa batería de Anton Fig, y el potente riff inical de Ace, seguía en la tremendamente boogie y contagiosa "Speedin' Back To My Babe", la ¿autobiográfica? "Snowblind", la cadencia blues de "Ozone", "What's On Your Mind?", y "Wiped Out", con otro riff y otra batería cojonudos. Los medios tiempos vacilones, molones y más pegadizos que el chicle eran el tema de Russ Ballard "New York Groove", con un rollo muy Bo Didley, y que no sería el único tema que Frehley versionearía del famoso músico y compositor, y "I'm In Need Pf Love". Y el disco cerraba con la épica instrumental "Fractured Mirror". Lo dicho, un disco netamente rockero, que anima cualquier mal día, y que no ha envejecido nada mal.

CELEBRACIONES "SABBATHICAS"

En primer lugar, celebraremos la aparición del primer tema de adelanto de lo que será el nuevo disco de los Sabbath, de nuevo con Ozzy a la voz, que se llamará "13". El tema en cuestión, tiene un nombre más que apropiado para la situación actual del mundo. "God Is Dead?". Y suena, con todos los ingredientes de lo que uno espera de un trabajo de Iommi, Buttler y Cia. Y, en segundo lugar, queríamos celebrar el cumpleaños de Tony Martin, hombre cuyo nombre será siempre ligado a la historia de esta banda. Gran cantante, aunque tuviera la mala suerte de estar en una época especialmente difícil para Black Sabbath, que se tradujo en que los discos que éste grabó con ellos, en su momento, no estuvieran lo suficientemente valorados. No era la época de Ozzy, en la que la banda creó su sonido característico, ni la de Dio, en la que se adaptaron al heavy metal que reinaría en los 80, y Tony estuvo en una época continuista de esta última, con su gran parecido vocal a Dio (algo de lo que no da la impresión que él sea responsable directo, si uno escucha la edición de "The Eternal Idol", en la que aparecen las demos con Ray Gillen a las voces. Parece ser que Tony Iommi andaba buscando este tipo de registro), lo que, en los 90, en plena era grunge, a las masas, por la idiotez de siempre, les parecía desfasado. Si a esto contamos, que el hombre no es que gozase de mucho carisma comparado con los otros dos vocalistas, y de que Black Sabbath tuvieron serios problemas de promoción y compañías discográficas en esos años, llegando a putear a Martin, volviendo a meter a Dio para el fallido "Dehumanizer", para luego volver a meter a Martin, grabando un enorme "Cross Purposes" que nos compramos cuatro, y volviéndola a cagar con el intento de encajar en la época que fue "Fordibben", o la elección de clips y singles como "Feels Good To Me", nada representativos de lo que es Black Sabbath, tenemos el cuadro completo. Todo esto eclipsó en esa época, que el gran público viera la brillantez de discos como "Eternal Idol", "Headless Cross", "Tyr" o "Cross Purposes". Afortunadamente, estos discos son muy reivindicados por mucha gente de mi quinta, y público metalero más joven que los ha descubierto, o esa es mi impresión. A día de hoy, Martin graba buenos discos en solitario, pero siempre le ha faltado ese punch definitivo para pasar a la primera fila y el reconocimiento que merece, en mi opinión.

WHEN ROCK MEETS REGGAE

Quizás los más jóvenes de la casa no lo sepan, pero, hubo una época, concretamente, a finales de los 70 y principios de los 80, en la que esta música procedente de Jamaica, era popular hasta decir basta. A partir del éxito de Bob Marley y Peter Tosh, y posteriormente, del de Police, el reggae se extendió como la malaria, y, por supuesto, influenció a muchíiiisimos de nuestros artistas rockeros favoritos. Hay que decir, que la numerosa colonia jamaicana que vive en Inglaterra desde tiempos inmemoriales, y el movimiento mod, que se empapaba bien agusto de reggae, rock steady, ska y northern soul, algo tuvieron por supuesto qué ver, ya que muchos músicos ingleses fueron mods antes que frailes. Pero el detonante definitivo, a mi modo de ver, está en los tres mimbres que he colocado ahí arriba.

Así, todo un EricClapton, en el que quizás sea su mejor disco en solitario, "Slowhand", juega con el género con "I Shot The Sheriff", que se convertiría en un clásico imprescindible en los directos del exBluesbreakers/Yardbirds/Cream.




Aunque, un exponente anterior de todo esto, como me ha apuntado un colega del Facebook, lo tenemos en ese "D'yer Mak'er" que grabasen Led Zeppelin en su "Houses Of The Holly". Los Zeppelin tocaron todos los palos habidos y por haber, y éste no iba a ser menos tocado.



Pero no acaba ahí la cosa. Cuando Keith Richards descubre Jamaica, sus sanas costumbres de fumar porros como zeppelines, y el reggae, para allá que va a instalarse a vivir, haciéndose colegui de Peter Tosh y toda la comunidad rasta, hasta acabar por los cerros de úbeda, pero esa es otra historia (aunque muy divertida también). Llegó a intentar grabar a los rastas en un disco, pero la cosa salió bastante mal. Y en sus discos en solitario con los Xpensive Winos mete siempre algo de reggae. No en vano, en el 77 ya hizo migas con el cantante jamaicano Justin Hinds, y montaron un grupo llamado Winged Angels, publicaron un disco en el 97, y parece ser que Keith Richards tiene pensado editar material inédito, que quedó sin publicar tras la muerte de Hinds en el 2005.





El hard rock y el heavy metal, tampoco se libran de la influencia del reggae. Si no, ¿A qué suena ese comienzo (sólo el comienzo, ojo) de "The Rage", tema que venía en uno de los clásicos de entre los clásicos de Judas Priest, el "Brittish Steel"?



Hasta Canadá llega el influjo de la música fumeta por antonomasia, y ahí tenemos a todo un Pat Travers versioneando a Bob Marley.



Y no nos podemos olvidar de Rush, en la época en la que ellos mismos admiten que estaban muy influenciados por The Police.



En el hardcore también tuvo su hueco el reggae. Su máximo exponente, los Bad Brains, que tan pronto te tocaban auténticos cañonazos, como les daba el momento porrero y te hacían cosas como ésta.




El exgunner Izzy Stradlin, como buen discípulo de Keef, también de vez en cuando se pone pesadito, y entre su durososo rock&roll, te endiña de vez en cuando alguna tonadilla con aires jamaicanos. Hasta versiones de Toots & The Maytals.




Así que, ya ven. El poder letal del reggae, hubo una época, que estaba por todas partes.

RECORDANDO A MUDDY WATERS

Hoy se cumplen cien años del nacimiento de uno de los más grandes e influyentes bluesmen de todos los tiempos. Para celebrarlo, recordaremos algunos hechos que rodearon a Muddy Waters, que serían claves en la historia del blues, y del rock por añadidura.

1941: ALAN LOMAX, GRABA A MCKINLEY MORGANFIELD

Ese es el año en el que Alan Lomax, grabaría para sus fondos sonoros de la Biblioteca del Congreso, a nuestro hombre, como haría en aquella época con muchos bluesmen rurales del Delta del Misisipi. Lo haría en la plantación de Stovall, a la que Muddy se trasladó a vivir con su abuela, cuando tenía tres años, procedentes de Rolling Fork. Al principio, Muddy Waters pensó que Lomax era un poli que venía a trincarle por sus trapicheos con el alcohol, el cual destilaba ilegalmente, pero pasado el susto incial, Waters accede y registra dos temas para Lomax. Nunca se publican estos dos temas, pero un año después, vuelve a grabar para Lomax, acompañado de otros músicos de la zona. Estas grabaciones aparecerían años después publicadas en el disco "Down On Stovall's Plantation".


 





 1943: MUDDY WATERS SE TRASLADA A CHICAGO


 Como muchos negros del sur, Muddy Waters se traslada a Chicago, y allí, es apadrinado por otro ilustre bluesman, llamado Big Bill Broonzy, y le consigue trabajo en la banda del harmonicista "Sonny Boy" Williamson, en calidad de guitarrista de acompañamiento. En esta banda, Muddy empieza a destacar muchas noches, teniendo que cantar y llevar el peso de la banda, por las borracheras del amigo "Sonny Boy". Ya empieza a tener un nombre entre el público de los garitos de blues de la ciudad.

 1944: ADQUIERE SU PRIMERA GUITARRA ELÉCTRICA

 Sería su primo Joe Brant, quien regalándole su primera guitarra eléctrica, pusiera ese ladrillo en el edificio del blues y el rock. Una vez electrificado, Muddy monta su banda propia, en la que estaría el mismo Jimmy Rogers, y no para de actuar en el circuito de blues de Chicago. Su fama corre de boca en boca, hasta que es fichado por el sello Chess, haciendo sus primeras grabaciones para dicha casa, en 1948. En esas grabaciones, sólo le acompañaría un bajista, Big Crawford, y no sería hasta 1950, que pudo grabar con su banda. De estas primeras grabaciones, salen dos clasicazos de su carrera, que son "I Can't Be Satisfied" y "Feel Like Going Home". Con Chess seguiría grabando un buen puñado de años, hasta el 77, y de ahí saldrían temazos de la categoría de "Mannish Boy", "Got My Mojo Working", "She Moves Me", y los que les compondría Willie Dixon, como "I'm Ready", "Hoochie Coochie Man" o "I Just Want To Make Love To You".


 


 1964: ENCUENTRO DE LOS ROLLING STONES Y MUDDY WATERS


 En ese año, los Stones cumplieron uno de sus sueños, que era grabar en los estudios en los que habían parido sus obras, la mayor parte de sus ídolos, incluído el hombre al que le debían el nombre de su banda, por una de sus canciones, y he aquí que cumplieron otro de sus sueños, sin proponérselo, al, según cuenta la leyenda, encontrarse con el mismísimo Muddy Waters pintando el techo del estudio. Por supuesto, en cuanto lo reconocieron, Keith Richards y Mick Jagger fueron a presentarle sus respetos, a un Muddy Waters, que no tenía ni idea de que al otro lado del charco hubiera ingleses melenudos que estaban venerando el blues exportado de aquellas tierras de los USA.


 


 1968: MUDDY WATERS GRABA SU DISCO PSICODÉLICO, Y LA LÍA PARDA


 "Electric Mud", se llamó la criatura, y el experimento de blues y psicodelia, sentó como un tiro al público habitual de blues de por entonces, calificándolo del "peor disco de la historia" y demás lindezas, pero renovó el blues hasta cotas no vistas antes, llegando a influenciar en un mismísimo Jimi Hendrix. Le acompañaba a Waters, una banda, cómo no, de psicodelia, llamada Rottary Conection, y junto a ella, Muddy ofrecía versiones funk y ácidas de sus clásicos, y hasta una versión del "Let Spend The Night Together" de sus discípulos Stones. Un disco menospreciado en su momento, pero que con el tiempo cobró legiones de seguidores.


 1977: UN DISCÍPULO ALBINO, LE OTORGA UNA SEGUNDA JUVENTUD 

 Justo en el año en el que muere Elvis, y estalla el punk, Muddy finiquita su contrato con Chess, y un fan suyo tejano, gran guitarrista él, convence a su compañía, Blue Sky, para que contrate a nuestro bluesman. Y así es como, bajo la producción de Johnny Winter, Waters graba tres soberbios discazos en estudio, "Hard Again" (1977), "I'm Ready" (1978) y "King Bee" (1981) mas un directo llamado "Muddy Mississipi Waters- Live" (1979). Le acompañarían en esta aventura el bajista Charles Calmese, el harmonicista James Cotton, el guitarrista Bob Margolin y el batería Billy "Big Eyes" Smith. El resultado, pues todos sus clásicos actualizados y puestos al día, sonando más contundentes que nunca. Eso sí, el más flojo de los tres discos en estudio, sería "King Bee", cuya grabación estuvo rodeada de problemas, como fueron discusiones entre el mánager de Waters y la banda por temas monetarios, y falta de material para el disco, por lo que se tuvo que recurrir a coger outtakes de los dos discos anteriores. Pero con todo, también es bastante disfrutable el disco. Este periodo, fue lo último grande que hizo Muddy Waters, antes de dejarnos en 1983.


 

BALLS TO THE WALL

Siguiendo con el repaso a aquellos discos que cumplen 30 años, y que marcaron la adolescencia de algunos de nosotros, o que fueron piezas clave en la música rock, esta vez le toca al disco que más controversias levantó, de estos teutones. Porque, si bien en países como Spain, se malinterpretó el mensaje de una letra como la del tema que da título al disco, adjudicándoles una inmerecida fama de nazis, cuando la canción es un himno contra la opresión precisamente, en los EEUU, que son más de fijarse en la cosa sexual, una portada como esa, y letras como "Love Child" o "London Leather Boys", no tardarían en ser la comidilla de todo cristo, por la evidente interpretación gay del asunto. Imagino a más de un padre de Wisconsin, viendo la portada del disco, y preocupado porque su hijo se había vuelto maricón. Aquí en España, éramos más inocentones, y hasta años más tarde, nadie reparó en que esa portada, no tenía mucho de varonil, por mucho que la propia banda no quisiera dar a entender eso, sino que la cosa iba de echarle pelotas contra el poder y demás. De hecho, es el disco más político y contestatario que jamás hayan hecho estos hijos de Merkel. Dejemos que el propio Udo aclare estas cosas. Así explicaba la cosa, en la página de The Metal Circus:


 "No tengo el menor de los problemas con la gente gay. Pero lo que comentas viene desde la época en que sacamos “Balls to The Wall”. El artwork de la portada llevó a que la gente interpretara ciertas cosas. Se corrió la voz de que ACCEPT eran una banda de heavy metal gay. Además, hicimos temas como “London Leatherboys”, el cual no tiene nada que ver con la homosexualidad pero se interpretó así. Es un tema sobre una banda de moteros! Claro, hicimos “Love Child”, pero ese tema era sobre la lucha de la gente homosexual y sobre la historia de alguien que no sabe aún cual es su sexualidad. Si a partir de ahí la gente sacó las conclusiones que no eran… ACCEPT nunca fueron una banda gay. Estoy casado y tengo dos hijos".


 Lo de la fama de nazis, ni merece un comentario, porque es una tremenda gilipollez (como lo otro, ahora que lo pienso, la verdad), así que, vamos a lo que importa, y a lo que cautivó a cantidad de metalheads de la época, que son los temazos que contenía la continuación a su celebérrimo "Restless And Wild".


 Y es que, ya sólo con el himno que es la pesada (en el buen sentido de la palabra) "Balls To the Wall", tema perfecto para corear puño en alto en los conciertos, el trabajo arrancaba de maravilla, continuando con la rítmica "London Leather Boys", muy a lo Judas Priest, y otro pedazo de himno de estribillo coreable para las audiencias. "Fight It Back" es un trallazo del que pocas veces o ninguna, se dice nada, y la verdad es que no tiene nada que envidiar a las otras dos. Tema rápido en la onda de un "Breaker", con muy buen solo de guitarra y Udo desgañitándose con ganas. "Head Over Hills" es otro medio tiempo machacón, que comienza con el bajo recordando un tanto al "The Rage" de Judas Priest, y desembocando en otro himnazo marca de la casa. Porque este disco está repleto de eso, de himnos. "Losing More Than You Ever Had" es un tema hard rockero que recuerda al "Princes Of The Dawn" de su anterior disco, y aporta variedad al conjunto de canciones. Una joyita oculta dentro de los temas de la banda. "Love Child" es puro Accept sin más. Una lección de hacer heavy metal con pelotas, y que además suene comercial, al igual que la siguiente, "Turn Me On", otro tema para quitarse el sombrero, de esos que se les da tan bien al grupo. Siguen las influencias de Priest, y el puro sonido Accept, cuando se ponen más heavieros con "Losers And Winners", cuyo estribillo, siempre hacíamos las risas entre los colegas, cuando sonaba en algún garito, por el parecido fonético que tiene con "no hay cerveza". A pesar del cachondeo, pues qué quieren que les diga, es un temazo como la copa de un pino, y uno de los más famosos del disco, que todavía suena y seguirá sonando en todo bar metalero que se precie. "Guardians Of The Night" empezaba tranquilita, pero luego era un medio tiempo metálico bastante apañado que no desentonaba para nada con el resto. Y la historia se cerraba con "Winter Dreams", un tema más relajado con brillante comienzo. No llegaba a ser una balada, pero casi, y me parece uno de los temas más acojonantes del grupo, aunque de los menos conocidos. Me pasa lo mismo con esta canción que con el "Fever" de los Priest. Pues eso, discazo tremendo donde los haya, que a mi modo de ver, forma una unidad junto a "Breaker" y "Restless And Wild". No es que, lo que estuviera por venir fuera peor, ni mucho menos,pero estos tres discos, me parecen la trilogía perfecta de lo que son Accept.


 

BLACK STAR RIDERS

Ya lleva un tiempo circulando por la red el tema que ha aparecido como adelanto de lo que será el trabajo de Black Star Riders, de inminente aparición, y qué quieren que les diga. Pues que en primer lugar, me parece loable que se hayan cambiado el nombre, porque una cosa es girar bajo el apelativo de Thin Lizzy, conservando el legado de Lynott en directo, y otra, grabar y editar nuevo material bajo ese nombre, algo que, lógicamente, no aceptaríamos muchos fans de la banda irlandesa. En segundo lugar, es comprensible que como músicos, y en especial Scott Gorham, tuvieran ganas de componer nuevo material. Es de ingénuos pensarse que no iba a pasar tarde o temprano, y no creo que sea por ansias desmedidas de vender discos, porque eso ya no está al alcance de mucha gente. En tercer lugar, que me encanta el tema, con ese riff inicial tan parecido al de "Guilty Of Love" de Whitesnake, y ese sonido tan Thin Lizzy (como era de esperar), que, aunque no aporte grandes sorpresas, siempre es agradable de escuchar, y da una idea de por dónde van a tirar. Me da que será un disco, cuanto menos, digno y correcto, apto para completistas de la obra de Thin Lizzy, y fans del rock clásico, sin aportar nada más en especial, y con temas que podrían haber sido sin problemas, temas de carasB de discos como "Black Rose", como el que nos ocupa. Y en cuarto lugar, pues eso, que esta gente es incapaz de hacer algo malo.

CLIVE BURR

Supongo que a estas alturas, todos sabéis ya el fatal desenlace que ha tenido la esclerosis múltiple que venía padeciendo desde hace años, Clive Burr. Con él, se va un trozo de la adolescencia de todos los que crecimos con los tres primeros discos de la Doncella, como banda sonora. Siempre que alguien como él, acaba de manera tan injusta, me viene a la cabeza unas palabras que dijo una fan a un anciano Groucho Marx en una ocasión: "La gente como usted, nunca debería morirse". Y así es. Con la de escoria que hay por el mundo, siempre se van los mejores, y entre ellos, gente que ha dedicado su vida, a hacérsela más feliz a los demás. Descansa en paz, Clive.

¡ESOS VÍDEOS OCHENTEROS!

THE GREAT KAT

¿Saben ustedes de esas cosas que, de tan sumamente horrendas que son, terminan siendo hasta buenas? En este tipo de cosas podríamos meter el disco conceptual de Styx, la discografía y los clips de Thor, las pelis de Ed Wood...ya saben, ese tipo de chorongos tan demencialmente insoportables, que acaban hasta teniendo su gracia. Pues la superguitarrista megavirtuosa de la que voy a hablarles, entraría en esa categoría. Y es que, la violinista clásica llamada Katherine Thomas, cuando decidió a mediados de los 80, en plena moda de los corrededos que empezaron a aparecer hasta debajo de las piedras, dejarles a todos ellos a la altura del betún, con su mezcla de música clásica y speed metal (¡Toooma ya!), efectivamente, les dejó a todos a la altura del betún, en un más difícil todavía, haciendo que todos esos plastas que imitaban a cierto sueco, quedasen como unos amantes de las melodías de fácil escucha, comparados con las tonadillas de la tipa ésta, con ese sonido de guitarra, similar al de un cerdo cortándose los huevos con un ventilador, y esa ausencia total de melodías y canciones, haciendo de cada pieza un megasolo contínuo. Y con títulos tan prometedores como los que les pone a sus discos, del estilo de "Beethoven on Speed", "Digital Beethoven on Cyberspeed", "Bloody Vivaldi", "Rossini's Rape" o "Wagner's War", no me digan que la cosa no promete. ¿Quién quiere escuchar después a un Blackmore, un Malmsteen, o un McAlpine, después de escuchar a esta fiera del pentagrama y los solos masturbatorios a toda leche? Ni Vinnie Vincent puesto de ácido. Los corrededos esos de powimetal nintendo de Dragonforce, son unos aficionados al lado de esta fiera. Y como no podía ser de otra manera, en los ochenta, tuvo sus correspondientes clips como este "Metal Messiah", en el que los más cazurros heavies de Winsconsin o así, le hacen el gesto de "no somos dignos" que popularizaron en "Wayne's World", mientras nos deleita con una letra, a cuyo lado, las de los Ramones parecen de los Rush. Al lorito con el vídeo y con el sonido de la guitarra, y su ausencia total de riffs, o cualquier otra cosa que se le parezca: Guapo ¿eh? Pues no se pierdan el destrozo que hace aquí con la 5ª Sinfonía de Beethoven. De antología. Salen de público, los mismos tarugos del otro vídeo. Pues eso, es tan excesiva y cutre, que es hasta grande en su cutrez y exceso. Creo que si te compras uno de sus discazos, te regalan un bote de aspirinas.

BARK AT THE MOON

El 10 de diciembre del 83, Ozzy publicaba la continuación a los magistrales "Blizzard Of Oz" y "Diary Of A Madman", superando la enorme pérdida de Randy Rhoads, y presentando al mundo a su nuevo guitarrista, procedente de unos primerizos Rought Cutt y Ratt, Jake E. Lee, tras haber sustituído a Rhoads en las giras de rigor por Bernie Tormé, o Brad Gillis, con quien grabó el directo "Speak Of The Devil", repleto de temas de la antigua banda de sus excompis sabáticos, y que llegó a superar en ventas al también en directo "Live Evil", que publicaron los Sabbath con Dio. Todos los criajos metalheads de la época alucinábamos con la portada licántropa del disco, y con el correspondiente clip del tema que daba título al mismo, que venía a ser el "Crazy Train" de este trabajo. Tema con riff potente y rápido, y estribillo que se te graba en el coco a la primera escucha. El trabajo de Jake era sobresaliente, al igual que el de Bob Daisley al bajo y Tommy Albrigde a la batería. Este último, en la gira sería sustituído por Carmine Appice, que aparece en el videoclip antes citado. "You're Not Different" era un tema melódico en el que se parecian esas influencias beatlelianas que nunca ha ocultado el Madman, en el que resaltaban los teclados de Don Airey. "Now You See It (Now You Don't)", no sé por qué, me recuerda a "Suicide Solution", y tiene uno de los riffs más sabáticos del disco, "Rock'N'Roll Rebel" era otro de los trallazos de la obra destinados a hacerse populares entre la audiencia, con su riff pegadizo y su rollo festivo, y atentos al solo del amigo Lee. "Center Of Eternity" utiliza el habitual recurso de comenzar un tema con campanas fúnebres, aunque añade además intro de coros fúnebres, y un solemne teclado, que da paso a otro de los temas más cañeros del disco, y de los más conocidos del mismo. Gran tema, y uno de las canciones más heavieras que jamás haya compuesto Ozzy, y uno de los riffs más matadores. Luego vuelven las influencias de los Beatles, en la bonita balada "So Tired", que Ozzy borda supliendo sus carencias vocales con sentimiento y alma a chorretones. Una maravilla de canción, se lo aseguro, y los teclados de Airey aquí suenan a gloria. Por compararla con otra canción de corte similar, vendría a ser a este disco, lo que fue "Goodbye To Romance" al primero. Luego volvía la caña con el potente y muy a lo Black Sabbath riff de "Slow Down", con ese estribillo comercial que contrasta de maravilla con el ritmo de la canción. Una de esas joyas escondidas en la discografía de este hombre, de las que nadie habla, pero que suenan de lujo. Y el disco cerraba con "Waiting For Darkness", otro tema con unas guitarras matadoras, y una base más pesada en plan medio tiempo. En fin, el disco con el que se cierra el periodo más clásico de la carrera de Ozzy en solitario, con nota de sobresaliente. Luego vendría "The Ultimate Sin", pero éste ya era más comercial, intentando rivalizar con el metal más pop que se puso tan de moda, y ya no es para mí. No sería hasta "No Rest For The Wicked" y sobre todo "No More Tears", que Ozzy no volvería a hacer algo que me impactase tanto como sus tres primeros discos.

COVERS

"TOBACCO ROAD" Uno de esos temas que ha versioneado hasta el tato, y que más de uno de ustedes se preguntará de dónde salió. Pues bien, a pesar de lo americanazo que suena este standard, su origen es británico. Concretamente, este tema de 1960, compuesto por John D. Loudermilk, fue el éxito de una de esas "one hit wonders", que llaman los guiris, salida del Reino Unido, que era The Nashville Teens. Si bien, la original, era en formato folk, tuvo un pequeño éxito en Australia, pero poco más. La que ha versioneado todo cristo, es la de los Nashville Teens, y más tarde, la de Edgar Winter. Vamos con unas cuantas versiones de la pieza. La versión que en su día hiciera Eric Burdon & The Animals, es bastante original y difiere notablemente de la de los Teens, como pueden ver: Lou Rawls llevó el tema a su terreno de blues-soul, con notables resultados: Los hippies de Jefferson Airplane, también hicieron su versión del tema, y también está curiosa: Así como los otros hippies británicos de Sppoky Tooth hicieron la suya: Pero las más populares, que seguramente serán las que ustedes más hayan escuchado, son las que hiciero, por una parte Edgar Winter, y por la otra David Lee Roth: Hay muchísimas covers más de este clásico, en manos de artistas como Rare Earth, Status Quo, Blues Magoos, Mud, y un largo etcétera.

ALVIN LEE

Hoy nos ha dejado uno de los grandes del blues rock británico. Su aparición en la película del festival de Woodstock es todo un icono de esta música. D.E.P.

¡QUE NO, COÑO! ¡QUE ESO NO GUSTABA A NADIE!

Quería comentarles algo que últimamente percibo escuchando las radios españolas, que no es otra cosa, que esa manía de volver a sobrevalorar la puta movida madrileña de los cojones y a petardos como HombresG o Mecano cada dos por tres, con musicales que se les dedican en los teatros, como si fueran los putos Led Zeppelin. Dios, da la impresión de que los periodistas de estas emisoras son un atajo de pijos y maricones que crecieron con esas putas bazofias. Y encima, a las generaciones más jóvenes, les hacen creer que las mierdas que cantaban Aviador Dro, Alaska o los Zombies, eran himnos que cantaban toda la chavalada en los 80. Pues niños, sabed que no, la movida madrileña, en los barrios de Madrid (no sé en la zona pijeras del barrio de Salamanca), no gustaba absolutamente a nadie ¡Joder, que yo recuerdo en mi barrio, típico barrio obrero de Madrid, que ni dios escuchaba esa mierda! Sólo el más tonto de cada instituto, y las tías, y, desde luego, les iba más la tontería esa de los nuevos románticos, la música disco, y los cantantes mojabragas tipo Pecos, antes que la puta movida. El resto, escuchaban heavy metal, hard rock, rock urbano o las putas rumbas, debido a la vecindad caló, y así en plan más mainstream, unos Dire Straits, Supertramp, Roxy Music, Police, etc. Y luego, los cuatro rockers, los cinco punks y poco más. Pues parece que el rock de aquella época, no ha existido nunca para estos petardos. Da la impresión que, como dice un conocido mío, no quieren que un "Resistiré" de Barón Rojo quede para las nuevas generaciones como un himno generacional de aquella época, sino "Bailando" de los Pegamocos, que es más inofensivo. Nunca me gustaron bandas del calibre de Bella Bestia, Júpiter, etc. pero antes que la mierda de la movida y el pop que ahora quieren poner como que era lo más escuchado en los barrios por aquel entonces, prefiero a las bandas más cutrongas del heavy de por entonces. Al menos, se tomaban la molestia de aprender a tocar, joder. Me cago en la puta, si mientras todos estos moñas apenas llenaban un Rockola, Miguel Ríos, Obús o Barón Rojo arrasaban en campos de fútbol. Pues no, para la radio y demás, parece que en los 80 en Spain, sólo existió la mierda sobrevalorada de la movida. Que lo sé, porque yo vivía al lado del campo de futbol del Román Valero. Me tragué todos los conciertos grandes de la época. Los putos Dire Straits (que también abarrotaban estadios), UFO, Def Leppard y Rainbow, Whitesnake y Meat Loaf, Accept y Iron Maiden, Black Sabbath con Girschool y Diamond Head, Miguel Rios, Leño y Luz Casal...hasta Ramoncín llenó ese estadio. No conozco absolutamente a nadie, que tenga un solo disco de grupos de la movida, o de HombresG. De Mecano sí, porque la tontería congénita con este grupo de inútiles desde mediados de los 80 aproximadamente, es digna de estudio, pero con los otros, nada de nada.

ADRIAN SMITH

Hoy felicitamos, en su 56 cumpleaños, a Adrian Smith, componente de ese dúo único de guitarras que forma con Dave Murray (bueno, desde hace ya muchos años, trío, con Janick Gers) en Iron Maiden, y para ello, vamos a hacerlo recordando sus inicios con la banda Urchin, que formó al salir del cole junto a Murray, con el que en su época escolar ya había formado Stone Free. Gracias a Youtube, la música que hacía con Urchin, en donde ya apuntaba maneras su faceta compositiva, ha sido recuperada, y es cuanto menos, interesante.





Máxime, cuando fue en Urchin, donde este hombre compuso uno de los clásicos de su futura banda. Eso sí, en una versión bastante cambiada de la que harían Maiden.