ESOS VIDEOS OCHENTEROS

EVO
"BUITRES DEL MAL"

Si ya hablamos de ese curioso fenómeno apañol, que fue la invasión de los Bon Jovis de Pinto, en Catalunya, no se quedaron atrás, y también hubo sus grupos de pintones con mayor o menor fortuna. Los que nos ocupan, debían de aspirar a ser los Ratt de las Ramblas. No hay más que ver el pedazo de imágen del ¿cantante?. Hasta la música venía a ser una versión de los californianos, en más cutrazo y manguta, si cabe. Pero lo brutal es el cantante. Con esos grititos que harían morise de risa a un Justin Hawkins o un King Diamond. Sorprendentemente, como el grupo sobre el cual traté en el anterior artículo que tantas ampollas levantó entre los lectores de la Heavy Rock de más de 40 años, estos mimbres llegaron a grabar dos discos. Lo que dice mucho sobre el criterio de este país. Menos mal que en este vídeo, el batería se había afeitado el bigote. Con el tiempo, algunos de los integrantes de esta bandaza, formarían los Mojinos Escocíos, con lo que está dicho todo.



Lo más acojonante es ver que esta gente se reúne para tocar en festivales donde se reúnen bandas igual de infames, como el Leyendas, y van a verles los que tienen una visión muy distorsionada de la época ochentera y estas bandas, por la nostalgia, o por no haberlo vivido y tener en un pedestal cualquier cosa surgida entonces.

Aunque, comparados con horrores posteriores como Dover, es comprensible que parezcan la hostia, todo hay que decirlo.

AEROSMITH

"MUSIC FROM ANOTHER DIMENSION"

Bueno, pues al final, tras una larga serie de despropósitos y decepciones, parece ser que los de Boston han retomado el rumbo, y nos ofrecen su mejor disco desde hace 11 años, lo cual, visto lo visto, es todo un triunfo. Si bien, "Music From Another Dimension" no llega a ser un "Pump", ni mucho menos un  "Rocks" o un "Toys In The Attic", al menos, nos trae de vuelta a los Aerosmith que queremos, sonando a ellos, y dejándose de experimentos chorras como en "Just Push Play". Gran parte de responsabilidad en ello, tiene la vuelta a los controles de producción  de Jack Douglas, que ya hizo que levantaran brevemente cabeza en el bienintencionado, pero algo fallido "Honkin' On Bobo". Este nuevo disco sería redondo del todo, si contuviera menos temas. Quizás si hubieran quitado dos de las baladas que han dejado (imagino que habrá sido exigencia de Tyler) para contentar a sus moñifans de nueva generación, y alguna cosa tonta por ahí como "Beautiful", hubiera alcanzado la redondez necesaria. Pero nos quedaremos con las cosas buenas, que las tiene, y muchas, como son "Luv XXX" y "Oh Yeah", las dos andanadas rockeras que abren el disco, y que suenan a Aerosmith de toda la vida. Bueno, la primera, más a los de "Permanent Vacation", y la otra, a los más clásicos de los 70, como también lo hace "Out Go The Lights", sacando ese rollo funkie que tan bien se les ha dado siempre. Es su "Walk This Way" o su "Love In An Elevator" puesto al día, o la bluesy al comienzo "Street Jesus", que desemboca en un tema rockero y acelerado al estilo de anteriores temas de la banda como "Ratts In The Cellar" , "Toys In The Attic" o "Jailbait", la balada "Can't Stop Loving You", no suena mal del todo, con sus influencias de los Beatles y con dueto femenino incluído, "Lover Alot" es otro rock&roll que nos devuelve a los Aero setenteros, así como "Freedom Fighter" me recuerda al Joe Perry Project, y curiosamente, es el tema en el que canta el guitarrista. "Closer" es otro de esos temas lentos, que no empalagan y dan variedad a la cosa. Muy zeppeliniano. "Something" también mola bastante con ese órgano Hammond del principio, muy buesera ella. "Another Last Goodbye" es otro baladón, que suena a Beatles por los cuatro costados, al menos en cuanto a los coros y algún arreglo. Así que, la cosa no está nada mal. Han vuelto a hacer lo que mejor saben hacer, y hasta el peor tema, se tira un cuesco en muchas cosas de hoy en día.

ESOS VIDEOS OCHENTEROS

KISS

"WHO WANTS TO BE LONELY"

Es curioso cómo la perspectiva y el tiempo, hacen que a uno le acaben gustando cosas que antes no le gustaban, acaben no gustándole cosas que antes le gustaban, o no le gusten ahora cosas que antes tampoco le gustaban (hola, Narci).

Bueno, pues eso me pasa con Kiss. Aunque sigo pensando que lo mejor de ellos está en su época de los setenta, y si acaso, hasta "Lick It Up", resulta que con el tiempo, discos como "Asylum" "Crazy Nights" o "Hot In The Saddle" no me parecen tan horrorosos como me lo parecieron en su momento. Todavía se me estomagan los singles que escogieron para esos discos, pero encerraban temazos que recomiendo que los no iniciados descubran, y temas que, después de todo, seguían sonando a Kiss. Pero como he dicho antes, quizás la razón por la que esos discos me dieran repelús en su momento, eran uno o dos singles muy horterones que presentaban siempre el disco de turno, acompañados de espantosos clips, en los que, si bien Kiss ya no iban pintados, sí que iban maquillados como puertas. "Who Wants To Be Lonely", perteneciente al disco "Asylum", era uno de estos clips. Qué se puede decir sobre ese batón diseñado por Agata Ruiz de la Prada, por lo menos, y esos guantes rosas que luce Paul Stanley, eso sí, luciendo pecholobo, para que sepamos que es él y no Cher, a quien estamos viendo bailar en plan locaza por el pasillo. A continuación, plano de la banda tocando, y nos podemos deleitar con un Gene Simons, que parece Carmen de Mairena, con los mismos colores chillones que Stanley, y con coloretes hasta en el culo. Las tías que aparecen alrededor de ellos, visten más masculinas. Hasta al pobre Eric Carr, me le travistieron para esto. El más discreto, Bruce Kullick, que para eso era un asalariado. Cuesta creer que unos pibones como los que aparecen en el vídeo, se sientan atraídas por unos tipos que parecen vestirse en la misma tienda que la Pitonisa Lola, pero bueno, la Visa oro hace milagros. En el caso de Simons, se supone que será para que sus fans con sobrepeso no pierdan la esperanza de follarse tías de similar calibre. La escena en la que Joan Collins, digo, Stanley ya se quita el batón para mojarse el pechamen para que las féminas piensen que pueden volver hetero a alguien así, es gloriosa.  Afortunadamente, se volvieron a pintar, y ya no ruedan estas cosas.



"REASON TO LIVE"

Este clip es menos vergonzante que el de arriba. Perteneciente a su siguiente disco, el "Crazy Nights". Un disco más comercial y orientado hacia el AOR que el anterior, aunque no por ello mal disco, que tenía temas que podrían perfectamente haber sido compuestos por Foreigner, como la balada que nos ocupa. El clip en realidad, pues bueno, es como chorrocientos vídeos de la época, con su chorba que mira la fotito de cuando follaba con Joan Collins y se alterna con imágenes del grupo tocando, vamos, nada especial, sino fuera por los caretos de Gene Simons. Esa mirada que pone a la cámara, poniendo morritos en plan seductor, que más bien parece que está mirando a quién va a sodomizar en las duchas de la cárcel. A ver, Gene. Stanley puede poner poses en ese plan, porque es un tipo agraciado. Pero tú, con esa cara de bruto...va a ser que no. Los contoneos del Simons mueven a la risa, más que otra cosa. Ni los Gigatrón son tan grandes.

AYUDEMOS A LA ROLLING STONE

Como cada cierto tiempo, esa revista de rock del Zara para yuppies a los que no les gusta el rock, que lleva el nombre de un insigne grupo británico, para insulto a los fans de dicho grupo, ha confeccionado una de sus horrorosas listas. Esta vez, va sobre los 50 mejores grupos, de lo que ellos consideran que es rock. Como quizás su intención sea buena, vamos a ayudarles, efectuando las pertinentes, según nuestro subjetivo criterio, mejoras y correcciones en esta lista de grupazos:



1. El Último de la Fila Tapiman
2. Héroes del Silencio
3. Radio Futura La Frontera
4. Mecano The Storm
5. Los Brincos Uzzhuaia
6. Extremoduro Sex Museum
7. Los Rodriguez Moris
8. Los PlanetasBummer.
9. Nacha Pop
10. Loquillo y los Trogloditas
11. Amaral Los Rebeldes
12. Alaska y Dinarama Killer Barbies
13. Leño
14. Gabinete Galigari Def Con Dos
15. Burning
16. Pereza Sugar Mountain
17. Veneno Nancy Hole
18. Barón Rojo
19. Los Bravos Green Manalishi
20. Dúo dinámico Soulbreaker Company
21. Triana
22. Vetusta Morla Sol Lagarto
23. Tequila
24. Ducan Dhu Maggot Brain
25. M Clan
26. Los Enemigos
27. Los Secretos
28. Obús
29. Piratas La Polla Records
30. Golpes Bajos Indomables
31. Love of Lesbian Eldorado
32. Siniestro Total
33. Aviador Dro Mafia Boy
34. Los Salvajes Sweet Little Sister
35. Derribos Arias Guitar Mafia
36. Kortatu 69 Revoluciones
37. La Mode Angelus Apatrida
38. Pata Negra The Smokers
39. Ilegales
40. Lagartija Nick 77
41. Kaka Deluxe Comando 9 mm.
42. Lone Star
43. Dover Susan Santos & The Papa's Red Band
44. Cánovas, Rodrigo, Adolfo y Guzmán Asfalto

45. Surfin’ Bichos Rocket
46. La Buena Vida Vargas Blues Band
47. Estopa Jorge Salán
48. Pekenikes Miguel Ríos
49. Los Ronaldos Motociclón
50. Smash. Las Culebras

Me he tomado la libertad de añadir también nombres de solistas, pero bueno, llevan una banda detrás, ¿no? ¿a que ahora, parece una lista de grupos de rock, y la da otro esplendor y otra cosa a la historia?

CHUCK BERRY & LEMMY

La imagen fue tomada ayer, cuando Lemmy partició en Cleveland, en un concierto en homenaje a Chuck Berry. No sólo su banda está grabando discazos que han hecho que Motorhead estén viviendo una segunda juventud, sino que Lemmy está bastante contento con The Head Cat, y además, conociendo a los músicos que hicieron que un buen día, cogiese una guitarra y se metiera en el rock&Roll. Si ya ha podido conocer a Jerry Lee Lewis y Wanda Jackson, ahora añade a uno de los arquitectos fundamentales de esta música. Es gratificante ver que sigue siendo un fan.

HIGH SCHOOL MUSI...¡PERDÓN! ROCK OF AGES

Les ruego perdonen mi confusión con el título de esta cosa filmada en celuloide, pero es que, es lógico. Porque "Rock Of Ages" comparte la misma actitud y va dirigida hacia el mismo tipo de juventud amorfa y mongola, que la otra basura. Hasta el poster publicitario, no me digan que no desprende un tufo a la otra mongolada para adolescentes con la que la he confundido.

 Una vez soportada la tortura de verla entera, por fin puedo afirmarlo.
No sé cómo sería el musical original de Broadway, pero en lo que a su versión fílmica respecta, es la cosa más necia, políticamente correcta, vacía y gilipollesca, que he visto en mucho tiempo. Y me duele especialmente, porque en esta ocasión, la cosa va de cargarse la esencia de ese metal ochentero con el que hemos crecido muchos. Aquí no verás ni drogas, ni sexo (eso sí, calientapollismo puritano, todo el que se quiera), ni rock&roll, por mucho tema clásico de esa época que suene, pero edulcorado y destrozado por los cantarines de turno.

La historietita central, es una cursilada almibarada hasta la náusea, entre una pimpina mona, y un bisbalín que nos tratan de convencer que es un rockero de la hostia. Cosa que no se consigue, cuando muta por exigencias de la discográfica a cantante en un grupo de esos de boys bands, y se le ve más sentido en ese papel, y más agusto y creíble, que como rockerazo en ciernes. Querer hacer creer que este puto moña sin sangre, es capaz de componer temazos como "Don's Stop Believing" de Journey, motiva la risa y la estupefacción.

El de la foto es el proyecto de rockero, y estas son sus dotes. No se rían. Miren con qué sangre de horchata, me canta este tema de los Twisted:




Y esta es la niñata camomila, cargándose un tema y mostrando sus dotes de adivina, porque, los genios que seleccionaron la música de una película que se sitúa en el 87, escogen, con dos cojones la baladita de Extreme, que si no me equivoco, es de primeros de los 90:



No me digan, que no derrocha almíbar por todos los poros esta mierda.

Y así, montones de destrozos de Whitesnake, Foreigner, David Lee Roth, etc. Desprovistos de alma y cantados al modo de American Idol, que es para este tipo de público, para quien va dirigido esto. Es el equivalente musical a "Crepúsculo", a la hora de cargarse un género.

La pena es ver a actores profesionales en este circo, como son Catherine Zeta Jones, Paul Giamatti o Alec Baldwin, interpretar sus papeles sin gracia, como pasando por ahí de casualidad. Pero supongo que tienen que pagar facturas como todo el mundo.

Lo único destacable, la interpretación del gilipollas de Tom Cruise, que al menos, se curra su papel de caricatura de rockstar en decadencia, y procura cantar bien y dar el tipo con el personaje.

Mary J. Blige, también demuestra poner algo más de eso que no ponen los demás, interpretando/matando, temas como éste. Al menos, esta mujer, canta en condiciones:



Afortunadamente, la selección musical, es de lo más comercial del metal de los ochenta, en sus vertientes AOR y hair bands y demás. Si llegan a seleccionar cosas como Judas Priest, Black Sabbath, etc, ni quiero pensar en el resultado. Y con todo, edulcoran todavía más estos temas, que ya se dice pronto.

Los diálogos son de parvulario, las interpretaciones de pena, ni siquiera funcionan subtramas como la crítica light a los mamoneos de mánagers y discográficas, o los grupos puritanos anti-rock de aquella época, los chistes no hacen ni puta gracia, y escenitas de sexo, bueno, tiene la escena de sexo casto más ridícula de la historia, en ese polvo vestidos, entre el rockstar y la periodista, que no se sabe si sólo se han restregrado, o han follado telepáticamente, gracias a los poderes cienciológicos de Cruise. Vamos, muy casto todo, para que los  niñatos de High School Musical no se perviertan.



A muchos de mis compis de generación, que de jóvenes iban al Canciller, pues les ha encantado, pero no les hagan caso. La nostalgia hace estragos. Yo espero ver la versión teatral española, que puede ser todavía peor, con cantarines de OT, cantando temas de la movida madrileña y Mecano, o como mucho, algo más rockerazo de la hostia como Pereza o los Rodriguez, o el Canto del Moco.

LOS HOKUM BLUES

Si ustedes se pensaban que el blues solo estaba compuesto de canciones que hablaban de cosas tristonas del rollo "mi chica me ha dejado", y que el rock fue el que empezó a meter letras subidas de tono en la cultura popular, no pueden estar más equivocados. Si artistas como AC/DC, Paul Rodgers o Coverdale, meten en sus ripios historias explícitas y no tan explícitas de fornicio, no es más que una manera de recoger el legado de lo que, en los primero años del blues, se dio en llamar hokum blues (blues picantes), género, que según los entendidos, nace en 1928, cuando Tampa Red y Georgia Tom graban "Tigh Like That" (Mueve esa cosa) convirtiéndose la pieza en un éxito comercial que desemboca en un buen montón de canciones con temática sexual, en tono humorístico e irónico, con dobles sentidos, y mucho slang en las letras. Esto último, era una manera de esquivar hábilmente la censura y mantener un código protegido de los blancos. Así, cuando hablan de bananas en cestos de frutas, como Bo Carter en su "Banana In Your Fruitbasket", ya sabemos lo que es la banana, por motivos obvios, y lo que es el cesto, o cuando hablan sobre lápices que no escriben más, se refieren a la impotencia, o cuando Charlie Patton dice "Tira de mi pony, que yo montaré a mi yegua", ya sabemos que la cosa no va sobre equitación, o cuando Memphis Minnie cantaba en "Bumble Bee Blues" eso de "Abejorro, por favor, vuelve a mí, tienes el mejor aguijón que
cualquier abejorro pueda poseer. Pícame por la mañana y todo el día también", lo que pedía no era miel, sino más bien carne en barra, y así. "Jelly Roll" era como se referían al órgano sexual femenino, y el masculino, además de ser llamado "banana", tenía más nombres como "jelly bean", "cabash", o  "digger", manosear las tetas de la partenaire, era "exprimir limones", y el órgano sexual de las jovencitas era la "galletita". En estas canciones se tocaban temas como las enfermedades venéreas ("Ants In My Pants") la impotencia ("My Pencil Won't Write No More") y la homosexualidad  con letras como "Dios, tengo mi cerdito pulverizado, si no me puedes dar una mujer pues mándame un marica", que venía en "Sissy Man Blues" de Kokomo Arnold.






Hay que tener en cuenta que, en aquellos tiempos, la industria discográfica americana, estaba segregada, y los discos de raza, como se llamaba a los de música negra, sólo eran consumidos (oficialmente, claro, que luego había blancos que los escuchaban) por los negros. Por lo que las autoridades pertinentes, ni se fijaron en estas canciones y su contenido, porque para ellos los negros eran como animales. Sólo cuando algunos blancos empezaron a demostrar que habían crecido escuchando el blues, y lo transformaron en rock&roll, las autoridades pertinentes se mosquearon con el asunto y empezaron a fijarse, por supuesto.

En Youtube tienen un montón de temas clásicos del hokum blues para su deleite, de Charley Patton, Bo Carter, Memphis Minnie, Kokomo Arnold, o Blind Boy Fuller.

MOTHER'S FINEST

Un diez para la gente de MIG, que está publicando actuaciones de bandas míticas y otras no tan conocidas, que se han dado en ese programa de la televisión germana, llamado Rockpalast. Es una muy agradable sorpresa encontrarse con dos actuaciones de esta banda, que ya estaban hace tiempo en Youtube, pero no con la calidad de esta edición. Y es que, Mother's Finest es uno de los secretos mejor guardados de finales de los 70. Junto a Funkadelic, Sly & The Family Stone o Trapece, la banda de la sexy Joyce Kennedy, es una pionera absoluta en mezclar el funk y el soul negros con el rock blanco con mucha maestría. Estoy convencido de que unos Living Colour le deben mucho a los MF. Pero, quizás debido también a su filo algo más metálico que las bandas antes mencionadas, la industria, que a partir de los 80, empezó a encorsetar la música de manera que oriento el rock hacia el público blanco y el funk hacia el negro, nunca les dio el apoyo y promoción necesarios, por lo que, quedaron en tierra de nadie, demasiado negros para los blancos, y demasiado blancos para los negros (es más, uno de sus discos, llegó a titularse, a modo de crítica a la situación " Black Radio Won't Play This Record"), con lo que quedaron relegados a una posición underground de por vida. Afortunadamente, esto no impidió que siguieran en activo hasta la actualidad, y por ello, podemos disfrutar en este DVD, de una actuación de su etapa clásica, en el 78, y otra, con la formación actual en el 2003. En ambas, aparte de escuchar sus temas más clásicos y emblemáticos, como "Fire", "Baby Love", "Give It Up" o "Fly With Me", podemos contemplar lo grandes músicos que son en directo, el rubio guitarrista Gary "Moses Mo" Moore, el extraordinario bajista Jerry "Wyzard" Seay, ambos miembros fijos desde el principio, al igual que el vocalista Glenn "Doc" Murdock, que comparte sus funciones con Joyce, así como las incorporaciones en el 2003 como el  guitarrista John Hayes o el batería Kerry "Lovinggood" Denton. Lo dicho, banda a descubrir por quienes no la conozcan y adoren a bandas similares. Este DVD es ideal para ello.

FROM ELVIS IN MEPMPHIS

Qué mejor ocasión que hoy, que se cumplen 35 años de la muerte del Rey, para recordar uno de sus mejores trabajos, como es este "From Elvis In Memphis", que supuso el renacer discográfico de Elvis en el 69, después de un parón de editar discos durante 3 años, en los que se había centrado más en su carrera cinematográfica. Si ya, su aparición televisiva en el programa del año anterior, "Elvis 68 Comeback Special", mostraba a un Elvis en plena forma, que volvía con fuerza a lo suyo, a la música, esto se confirmó en este disco del que hablamos, grabado en los estudios American Sound de Memphis, con un gran plantel de músicos de primera, como eran Charlie Hodge y Reggie Young a las guitarras, Gene Chrisman a la batería, Tom Cogbill y Mike Leech al bajo, bobby Wood al piano, boby Emmos a los teclados, Ed Hollis a la armónica, John Hughey a la steel guitar y los Memphis Horns a la sección de viento. Y lo que nos encontramos en el disco es una gran colección de canciones que van desde el soul, de la mano de temas como "Wearin' that loved on look", con un bonito comienzo bluesero, "Gentle on my mind", la balada "True love travels on a gravel road", "Any day now" y la archiconocida "In the ghetto", pasando por el rythym & blues de la mano de "Only The Stong Survive", el blues, con temazos de la talla de "Long Black Limousine", la balada country convertida en un bluesazo, que se llama "I'll hold you in my heart (till I can hold you in my arms)", la sucia y sexy "Power Of My Love",  el country, que aparece en "It keeps right on-a-hurtin'", "After loving you", o "I'm movin' on", tema country, al que pasa habilmente al formato rockero.

Uno de los discos quizás menos conocidos por el gran público, pero muy interesante, para descubrir qué música era la que le interesaba al Rey por aquella época, y además, una gran colección de canciones, en las que se luce cantando, como de costumbre.

"SOME GIRLS"

Por fin ha caído en mis manos la reedición que se publicó el año pasado, del disco con sabor neoyorkino de los Stones. Los fans de la banda, ya sabéis que este trabajo recogía la esencia de esa ciudad, de la que se habían impregnado los Stones en esa época, en el año 78, en que se publicó. La influencia de la música disco que Jagger escuchaba en el Studio 54 está presente en "Miss You", un tema que sí, será discotequero, pero se defeca encima de lo que hoy en día se entiende por música de baile,  la balada "Beast Of Burden" rezuma soul por los cuatro costados,  y también nos encontramos con rockanrollazos marca de la casa como "When The Whip Comes down", "Lies" o "Respectable" que recogen cierta influencia del punk neoyorkino de por entonces, que triunfaba en el CBGB, en cuanto a actitud y demás, cachondos ejercicios de country como "Far Away Eyes", blues con letra guarraza a la vieja usanza, como el que da título al disco, o el inevitable temazo en el que Keith Richads está pletórico canturreando, que se llama "Befolre They Make Me Run". Uno de los mejores discos de la banda, y de los más variados estilísticamente, para que luego encasillen a los Stones, en el cajón de las bandas que siempre suenan igual. Uno de esos discos, de los que no puedes citar una canción favorita, porque lo son todas. Cada día citarías una distinta.




Pero no acaba ahí la cosa, ya que en el segundo CD de esta reedición, viene la golosina para quienes ya nos tenemos trillados los temas de la edición clásica. Aquí han metido 12 temazos que nunca habían salido a la luz, y que muestran la cara más rockera de los Stones.  Incluso conozco a algunos de sus detractores, a los que les he puesto esto, y han alucinado en colores con gemas de la talla de ese rock&roll con reminiscencias de Ricky Nelson, que es "Claudene", con ese piano trotón de Ian Stewart, el boogie de "So Young", cuyo estribillo llega a recordar incluso a los AC/DC de por aquel entonces, y en el que vuelve a lucirse Ian Stewart con el piano, la continuación a su "Dead Flowers" en la forma de "Do You Think I Really Care", ese bluesazo con Jagger a la armónica, que lleva por nombre "When You're Gone", que respira negritud por todos los putos poros, el baladón de "No Spare Parts", el rock&roll que se marcan en "Tallahassee Lassie", o el de "I Love You Too Much", con Keef dándole a la armónica, esta vez, además de, por supuesto a la guitarra, con su mítica afinanción en Sol abierto, los otros dos pedazos de blues que son "Keep Us Blues" y "Petrol blues", este último con Jagger solito cantando y tocando el piano, sin ningún acompañamiento más, y esa maravillosa versión del clásico country de Hank Williams, llamado "You Win Again". Vamos, un disco que te hace preguntarte por qué cojones no habían publicado nunca estas joyas, y que, al igual que el otro, no puedes destacar un tema favorito, porque lo son todos. Si eres fan de los Stones, debes tener esto. Si no, también.

TAPIMAN

Si ustedes creen que el hard rock patrio comenzó con Barón Rojo, Ñu y todos los grupos del sello Chapa, andan pelín equivocados. Ya en nuestro régimen de terror genocida anterior al actual, se rockeaba, a pesar de las dificultades por aquello de ser la reserva espiritual de occidente, que decía el sátrapa gallego. No hace falta que les cuente a ustedes todo eso del rock que se daba por la parte de Andalucía, cuyo exponente más cercano al hard rock eran los sevillanos The Storm, y toda la escena progresiva y jazz de Catalunya. Concretamente en esta última, surge la banda sobre la que voy a escribir. Máquina! era una de las bandas punteras de esta escena, y como les pasaba a muchos grupos por aquel entonces, hubo una desbandada forzosa de miembros debido a tener que cumplir con sus obligaciones militares. Concretamente, fueron llamados a filas el líder de la banda, Enric Herrera, en octubre del 70, y al poco tiempo después, "Luigi" Cabanach. Los dos miembros que quedaron, el guitarrista Josep Mª Paris y el batería Josep Mª Villaseca, más conocido como Tapi, intentaron mantener a la banda en activo, con la ayuda de todo un Demmis Roussos (cuando se dedicaba a esto del rock progresivo con Aphrodite's Child, antes de convertirse en el gordo de las túnicas y las baladas, tan popular entre nuestras madres de por entonces). Pero en el 71, el trío parte peras y se va cada uno por su lado. Máquina! se volvería a reformar, con Herrera,  y miembros de otra banda, llamada Crac, aunque no llegarían a alcanzar la fama del gordo de las túnicas. Pero nuestro protagonista, Tapi, montaría uno de los mejores grupos (y menos conocidos) de hard rock que haya dado la península: Tapiman.

Para ello, Tapi unió sus fuerzas al guitarrista Miguel Angel Nuñez, creando el nombre de la banda, al unir el mote de uno, con las iniciales del otro. Como bajista, reclutaron a Pepe Fernández, antiguo componente de Vértice, una banda de blues rock, con muchas influencias de los Bluesbreakers de John Mayall, conocidos por Tapi, al haber compartido sello y gira con ellos, en sus tiempos de militancia en Máquina!.

Como tantas bandas de fuera, como Black Sabbath, Lucifer's Friends, o Blue Cheer, el sonido de Tapiman, recogía las influencias del blues rock de bandas como Cream, Jimi Hendrix Experience o Mountain, endureciéndolo a base de bien, aunque añadiendo en los temas que aparecen en su primer single, "Hey You" y "Sugar Stone" (porque además, cantaban en inglés los chavales) partes de órgano, panderetas y maracas. Tras la grabación del single, Miguel Angel Nuñez es llamado para el suplicio militar, por lo que Tapi y Pepe Fernández tienen que buscar nuevo guitarrista. Esta plaza, la ocupa Max Sunyer, experimentado músico catalán, cuyo curriculum da para todo un artículo dedicado a él, con muchas influencias del jazz y  el rhythym and blues, además de las que había adquirido en sus últimas bandas anteriores, los Go-Gos, Wagon, o Vértice, en los que había conocido a Pepe Fernández, que no eran otras que las mismas que Tapi y Pepe Fernández. el blues rock de Cream, Hendrix, Canned Heat, Mike Bloomfield, etc.

Con la incorporación de Max, la banda evoluciona a un rollo más virtuoso, sin perder la crudeza y energía originales, como se puede observar en el single que por entonces publican, con los temas "Love Country" y "Walking All Along The Life". Y en  1972, Edigsa publica por fin su disco de título homónimo, totalmente homologable a discos de la misma época de bandas foráneas mencionadas más arriba, con las que comparten sonido e influencias. Este disco era pieza de coleccionista, hasta hace bien poco, concretamente este año se ha reeditado y remasterizado, quizás por ser una banda de culto entre muchos fans del stoner y del proto-metal setentero, gracias a Internet (hay montones de blogs extranjeros en los que se reseña al disco y a la banda), y la verdad es que temazos como "Don't Ask Me Why", "No Control", "Driving Shadow" o "Wrong World", muestran un nivel acojonantemente bueno, teniendo en cuenta que la banda venía de un país en un momento, con unas circunstancias nada favorables para este tipo de música.  Si ustedes no les han prestado atención, ya están tardando.

BOBBY DURANGO

Otro más que se une a la fatídica lista de rockeros caídos en los últimos años. Una trágica pérdida del frontman de una banda que mereció mucha mejor suerte. R.I.P. Bobby.

JIMMY BARNES: THE WORKING CLASS MAN

Tenía ya ganas de escribir por aquí, acerca de este gran desconocido en Europa, pero que es toda una estrella en Australia. Algo que me parece muy injusto, ya que la voz de James Swan Dixon, que es así como realmente se llama este escocés, nacido en Glasgow en el 62, aunque emigrado a Australia desde los 4 años, es una de las mejores que haya parido el rock de aquel país. Con muchas influencias de la música negra, del soul de los sesenta, y una carrera en la que ha tocado no sólo este palo, sino el hard rock y el AOR, y todos con gran acierto, lo que le convierte en una suerte de Glenn Hughes a la aussie. No en vano, se puede escuchar su voz colaborando con el exPurple, en uno de los últimos discos de éste último. En "Music For The Divine".

Fue introducido en la música, por su hermano mayor, John Swan, posterior cantante, también, e integrante de Fraternity, la banda en la que cantaba un tal Bon Scott, antes de meterse en otra de ciertos hermanitos bajitos, uno de ellos, disfrazado de colegial. No sé si les conoceréis. En esta banda, nuestro prota, entraría a sustituir a su hermano, a la batería, que era el instrumento que tocaba, pasando al poco tiempo, a entrar en otra formación llamada Cold Chisel, con tan solo 17 primaveras. Cold Chisel eran una de las bandas más grandes de las Antípodas, y allí, Barnes, que cogería este apellido de su padrastro, se tiraría desde el 73, hasta el 83. Como ya he dicho, Cold Chisel llegó a ser una banda muy grande en Australia, pero la mala gestión de la pasta, y el no salir de las fronteras, hizo que para el resto del mundo fueran uno de los secretos mejor guardados de ese continente. Con todo, el vídeo más vendido por aquellas tierras, es el del último concierto de Barnes con esta banda.



En el 83 se pira de Cold Chisel, y empieza a despegar su carrera en solitario. Sus seis primeros discos se convierten en números uno en Australia, y Barnes, como no tiene un pelo de tonto, lo que quiere es salir del continente, y triunfar en los USA. El chaval tiene un vozarrón, buen gusto para las melodías, y puede tener tirón en el país de Journey y compañía, en plena época del AOR , los mullets y las pelis de Mel Gibson, con el que comparte mullet y querencia por el bebercio, además de orígenes australianos (aunque no de nacimiento). total, que firma con Geffen, y con las colaboraciones de músicos de primera, como Charlie Sexton, Kim Carnes y Mick Fleetwood, graba su primer disco para el mercado yankee, que se llama "For The Working Class Man", y se compone de cinco temas nuevos, y canciones remezcladas de su primer disco, "Bodyswerbe". entre los temas nuevos destaca el que da título al disco, compuesto junto con el bajista de Journey, Jonathan Cain.



Este disco sería lanzado al resto del mercado internacional, con el título "A Week Away From Paradise".

En el año 87, vamos, hace ahora 25 añitos, sacaría otro discazo, con el que le descubrí, por cierto, llamado "Freight Train Heart", con una producción de lujo, aunque muy de la época, y con más temas coescritos con Jonathan Cain, que ahondan en la vena AOR del australiano, con la producción de Cain y de Desmond Child, que ayuda en la composición de "Waitin ' For The Heartache", y Joe Lynn Turner, que escribe junto a Child, "Walk On" Jim Vallance, otro nombre de peso en este tipo de producciones, también echa un cable en los temas, así como viejos colegas de Australia, como el batería de INX, Jon Farris y Chris Bailey y Rick Brewster, de The Angels, o la armónica de Huey Lewis, que se puede escuchar en "I Wanna Get Started With You". También colaboran Wendy Matthews y David Glenn Eisley, de los Giuffria. Este disco, si te gusta el AOR, ya estás tardando en pegarlo una escucha. Además, tiene la crudeza del pub rock australiano, realizando una curiosa mezcla que hace que el disco no caiga en lo empalagoso. Comercialidad y fuerza, y además, con temazos. A partir de este disco, me hice fan de la música de este hombre.



"Two Fires" es el disco con el que entra en los 90. Más comercial que el anterior, pero también de una calidad exquisita, y con colaboraciones de lujo: Brian Setzer, de los Stray Cats es la más destacable, además de dos miembros de su familia, su hijo Jackie Barnes a la batería, y Mahalia Barnes, su hija a los coros. Por supuesto, le sigue ayudando en las composiciones, Desmond Child, y se une otro song doctor de lujo, que es Holly Knight.

Pero ya se sabe, que en los 90, esta música tiene poco que hacer, cuando entra en escena Seattle y el rock alternativo. Por lo que Barnes se ve eclipsado en su asalto al mercado yankee, y tiene que refugiarse en Australia, donde sigue siendo el más grande, junto con AC/DC.

Así que, libre de las presiones de tener que triunfar, y libre de tener que comercializar su sonido, reorienta su carrera hacia uno de sus estilos favoritos, que no es otro que el soul, y en el 91, saca el increíble "Soul Deep". Muy del estilo de Glenn Hughes, cuando también le entra la vena soulera, es una delicia escuchar la voz de este hombre, en sus tonos más negroides. Versiones acojonantes de clásicos de Sam & Dave, Martha And The Vandellas, o Jackie Willson, con duetos de infarto como el que se monta con Johnny Farnham en "When Something Is Wrong With My Babe" de Sam & Dave. Vamos, todo un regalo para los oídos, y un disco ideal para adentrarse en el soul de Stax y la Motown.



En el 93, publicaría "Heat", en un rollo funk-hard, bastante curioso. Solo por el tema con el que empieza, "Sweat It Out", ya merece la pena la escucha. Aunque la stoniana "Wheels In Motion" tampoco se queda atrás, o la funkie "Stand Up", o el baladón ""Something's Got a Hold", vamos, un disco cojonudo en el que sigue demostrando que todavía sabe rockear, y que le queda de maravilla ese toque funk y Stones, que tiene cada tema.



Ese mismo año, nos sorprendería con un acústico en el que repasa su carrera hasta entonces, llamado "Flesh and Wood", y que es, como era de esperar, acojonantemente bueno. Una pasada escuchar su voz acompañada de guitarras acústicas, violines y poco más. Y encima acompañado por artistas de la talla de Joe cocker, Ross Willson, o Deborah Conway. Un discazo con mayúsculas. su versión del clásico de The Band, "The Weight" es de quitarse el sombrero.



"Psyclone" sería su disco del 95. El tema que lo abre, "Used To The Truth", en un mundo justo, hubiera arrasado en los charts de medio mundo. Pero bueno, fue número 2 en Australia, donde le seguían adorando las masas. "Spend The Night" era otro single en potencia, al igual que "Change Of Heart", un baladón con toques sureños, o "Stumbling" my en plan AC/DC, hasta en la manera de cantar de Barnes, o la bluesera "Mirror Of Your Soul". Otro disco bastante majo y resultón para la colección.

"Love And Fear", su disco del 99, a pesar de esa portada que sugiere un rollete más intimista, empieza de manera sorprendentemente cañera, y hasta con toques modernillos en la producción, con el tema de título homónimo. Cosa que sigue en su siguiente tema, "Time will Tell", aunque luego sigue una maravilla soul como es "By The Grace Of God", a la que le sigue "Thankful For The Rain", y luego vuelve el rollo modernete pero con toque funk en "Temptation". A partir de ahí predomina el rollo soul-funk, donde se le ve en su salsa con la voz, y suena de maravilla. Gran disco, que acaba con la caña de "Sorry".

"Soul Deeper" vendría a ser la continuación a "Soul Deep", como ya el título indica. Vuelta a las versiones brillantes de clasicazos del soul de la talla de Willson Pickett, Aretha Franklin, pero esta vez, metiendo también clásicos del rock como el "Rip It Out" de Little Richard, una colosal cover de "I Put A Spell On You" de Screamin' Jaw Hawkins, el "(Money) That's What I Want" de los Beatles, o el "All The Young Dudes" que compusiera Bowie y que inmortalizaran Mott The Hoople.



Sacó tres discos más en la década siguiente, "Double Happiness", "Out In The Blue", "The Rythym And The Blues" y "Rage And Ruin" ya en el 2010, pero por desgracia, no he tenido el placer de escucharlos, aunque lo haré, y actualizaré este artículo cuando lo haga en breve, que imagino que seguirán manteniendo el nivel de creatividad y buen gusto de este gran cantante. Pero lo que sí que he escuchado es su proyecto de hard & heavy junto a Bo Daisley, Lee Kerslake, Steve Morse y Don Airey. El proyecto se llamaba Living Loud, y en él, interpretaban curiosas versiones de los temas que Daisley y Kerslake compusieron para Ozzy Osbourne, además de otras cosas. Sacaron un disco y un directo, que sonaba de maravilla, dicho sea de paso.




Por supuesto, como toda estrella que se precie, Barnes también ha grabado sus discos en directo, faltaría más. en el 88 grabó "Barnestorming", que es un documento sonoro de lo grande que era este tío en directo en esa época, y en el 2001, publicó "Raw", que demuestra que sigue estando en una excelente forma vocal.

Y colaboraciones, tiene unas cuantas. Desde Tina Turner, pasando por Glenn Hughes, hasta la más reciente, con Joe Bonamassa.



Así que, ya saben, si les mola el AOR, el rock stoniano con toques funkies, el hard rock australiano con sabor a pub, o el soul, y no han escuchado todavía a este hombre, ya están tardando. Jimmy Barnes. El secreto mejor guardado de las Antípodas.

THE SHIELD

"Nadie que viva en este país, puede estar tan limpio".
Vic Mackey (Michael chiklis)


Llevaba ya tiempo queriendo escribir acerca de esta serie, sobre la que doy el coñazo en cuanto puedo, a todos cuantos me rodean. Y es que, no es para menos, porque,  esta obra maestra de la televisión, me parece, junto a "The Sopranos" y "The wire", una de las mejores series  de televisión que se han hecho en los últimos años.

Su creador, Shawn Ryan, desde el arranque de la primera temporada, a primeros de la década pasada, nos narra con un estilo totalmente realista, con mucho plano de cámara al hombro, el auge y caída de Vic Mackey, uno de los villanos más carismáticos de la historia de la tele, con su grupo de asalto, sin bajar la intensidad durante las siete temporadas, en las que nos metemos de lleno en todo el pudridero de bandas, asesinos en serie, corrupción política y policial y demás, que abunda en el imaginario distrito de Farmington.

Con un Michael Chiklis que interpreta con una maestría fuera de serie, al protagonista principal, pero acompañado de todo un elenco de actorazos, entre los que está Jay Karnes, interpretando al detective "Dutch" Wagenbagh, el blanco de todas las burlas en la "cuadra", que es así como se le llama a la comisaría en la que día a día, este honrado y eficiente detective, experto en asesinos en serie, tiene que soportar todo tipo de humillaciones de sus compañeros. Este hombre, junto a su compañera, la detective Claudette Wyms (CCH Pounder) representan la honradez, en medio de toda la mierda que les rodea, lo que les ocasiona más de un problema con las altas esferas. El capitán Acebeda, de las tres primeras temporadas(Benito Martínez), tendrá más de una discusión con Claudette. Acebeda, también odia a Mackey y repudia sus métodos y corruptelas, pero más que policía, es un político -de hecho, su aspiración es ser concejal y en un futuro, alcalde- por lo que, no duda en utilizar a Mackey, y hasta establecer alianzas con él, cuando le conviene.

Vic Mackey es el líder del Equipo de Asalto. Un grupo especialista en bandas, en el que le cubren las espaldas, el redneck tejano Shane Vendrell (Walton Goggins), paleto y racista, y una figura trágica a lo largo de la serie, que acabará por ser el reflejo de Mackey, Curtis Lemansky (Kenny Johnson) que es la conciencia del Equipo de Asalto, lo que pagará muy caro. El único que tiene remordimientos por todas las movidas en las que se meten. Ronnie Gardocki (David Rees Snell), al principio no tiene demasiado protagonismo, pero lo va cobrando a medida que avanza la serie. Es el informático del equipo, y acaba traicionado de mala manera por Vic.

Y Vic Mackey, pues es un superviviente nato. Por su familia, y por conservar la placa, ya que son las dos únicas cosas que tiene, hará lo que sea. Si eso implica matar a otro poli, atracar a la mafia armenia, o lo que sea, no se lo pensará dos veces. Policía efectivo, cuando se lo propone, su crueldad para con los criminales, es directamente proporcional a su amor por su familia, a la que quiere a su manera, claro está. Ya que los cuernos de su mujer (Cathy Cahlin Ryan) son del tamaño de las montañas rocosas. A lo largo de esas siete temporadas, vemos y aplaudimos cómo saca a hostia limpia a un pedófilo el paradero de una niña a la que ha secuestrado, tras la frase "El poli bueno y el poli malo, acaban de salir por la puerta. Yo soy un tipo de poli diferente", cómo permite que un perro desgarre los huevos a un violador, y mil lindezas más. También le veremos hacer tratos con los One Niners, los los Byz Lats, los Profetas, y todo tipo de bandas y mafias, rusas, negras, latinas, coreanas, etc. También le veremos enfrentarse a temibles villanos como Armadillo, Margos, el spsicópata de la mafia armenia, que deja un reguero de cadáveres sin pies por el asalto al tren del dinero, interpetado por Kurt Sutter, guionista de la serie, y posteriormente, guionista y productor de "Sons Of Anarchy", y enfrentarse también a las corruptelas de sus superiores, como su amigo y protector Ben Gilroy (John Diehl), que acaba jodiéndole, y lógicamente, Vic acaba jodiéndole a él, o incluso enfrentándose en un brillante tour de force, con el agente de asuntos internos el teniente John Kavanaugh,  interpretado por un enorme, en todos los sentidos, Forest Whitaker, en una acojonante quinta temporada, en la que no sólo Vic se sale con la suya, sino que hunde la carrera del teniente en la temporada siguiente.

Pero no sólo éstos son los personajes que van y vienen por la "cuadra", antigua iglesia reconvertida a comisaría, en la que, a modo de metáfora, el servicio siempre está estropeado, salvo en la cuarta temporada, cuando se hace cargo del mando la capitana Rawling, interpretada por Glenn Close, en la que el equipo de asalto se mantiene limpio, baja la delincuencia gracias al programa de confiscaciones que lleva a cargo la capitana, y se vuelve a estropear cuando ésta es destituida por las altas instancias, porque eso de poner el comunismo, aunque sea en un distrito, no está bien visto. Como decía, no son solo los que he comentado, los únicos agentes de la comisaría, sino que la serie también nos enseña a otros agentes como son el detective Billings (David Marciano), buen detective, aunque escaqueado, cobarde y rastrero como pocos, que se deleita con bromas especialmente crueles hacia Wagenbach, y en la temporada en la que es capitán en funciones, demuestra ser un incompetente y un vago de cojones, no como la eficiente agente "Danny" Soffer(Catherine Dent), una poli de pies a cabeza, que ha mantenido algún affair amoroso con Mackey, y que también se convierte en víctima de los manejos del equipo de asalto en algún momento, y el agente Julien Lowe (Michael Jace), un recto poli, y muy buena persona, al que su homosexualidad latente, que no quiere admitir, por sus creencias religiosas, le hace malas pasadas, y objeto de alguna putada por parte de compañeros de la comisaría.

Pues todo esto es "The Shield", y mucho más. si ustedes se la han perdido, ya están tardando en echarle una ojeada. Tiene uno de los finales más acojonantes de la historia de la caja borde, pero no se lo voy a desvelar.

A MÍ NO ME HA HECHO NADA ARGENTINA

Escucho en la radio, que Repsol, una puta empresa privada, como si de un Estado se tratase, va a emprender represalias contra cualquier empresa que haga negocios con YPF. Escucho también, a la trotona de Pontevedra, decir a todas horas, que si Argentina perjudica a los españoles, que si esto no se puede tolerar, que si patatín patatán, enarbolando un patriotismo vacuo y populista de opereta, que habrá mermados mentales que se lo crean y todo. Escucho también a los medios de comunicación, como empresas privadas que son, manipular y colaborar en esta campaña cerril contra Argentina, por atreverse a apoderarse de su propio petróleo, así como a los medios de comunicación PÚBLICOS, entrando en la fiesta, apoyando ciegamente el neoliberalismo más colonial.

Muy bien, caballeros. Pues le diré que a mí, como a una inmensa mayoría de ciudadanos que no jugamos a la bolsa, Argentina no me ha hecho nada. A mí, quien me jode es Angela Merkel y Sarkozi, cuando someten al gobierno que, en teoría tendría que mirar por nosotros, a sus dictados, pasándose por los cojones nuestra soberanía. A mí quien me jode, son las empresas como Repsol, cuando tributan una miseria aquí, y el resto de sus beneficios van a parar a paraísos fiscales. Quien me toca los cojones, son unos mercados desregulados que chantajean a países enteros jugando al casino, con las vidas de millones de personas. Quien me jode son gobiernos que sirven solo a los intereses de las elites, y están más que dispuestos a hundirnos en el estiércol, como hacen ustedes. A mí, quien me hace daño, es la CEOE, el FMI, el BCE y demás organizaciones mafiosas y terroristas, cuando pretenden acabar con el (pobre) estado de Bienestar y los derechos laborales por los que luchó mucha gente en el pasado. A mí, quien me da por el culo es la iglesia católica, cuando mientras que a los demás nos piden sacrificios, ellos, además de querer imponer su puta mierda de control social a una población que ni de lejos seguimos su dogma engañabobos, no rinden cuentas sobre sus abusos a menores, no pagan impuestos, pueden apropiarse de inmuebles públicos, y gozan de enormes privilegios gracias a un concordato que ningún partido (hola PSOE) ha tenido los huevos de romper de una vez por todas. A mí, quien me jode es un monarca senil, que nos vino en el lote en este fraude de "democracia", heredado directamente del anterior genocida, que vive como rediós, nos cuesta un pastón, y mientras nos habla en navidades de arrimar el hombro, y nos dice que no duerme pensando en los parados, para conciliar el sueño, se va en safaris, pagados con nuestro dinero, o aceptando el soborno de empresarios que se los pagan, y luego nos salen por un pico sus operaciones de cadera.

Estos son mis enemigos. No Argentina.

CAMBIOS DE ESTILO, QUE SENTABAN COMO EL CULO (1)

Hay gente que nunca ha digerido que bandas como Kiss hicieran un álbum de grunge, o que Gary Moore se pasase al blues, o peña que no le gusta lo nuevo de Europe, porque suena más bluesero. Bueno, todos nos hemos decepcionado alguna vez, cuando nuestros artistas favoritos cambian de registro, bien por evolucionar, o bien por conseguir una meta comercial, atrayendo a nuevo público, o adaptando su sonido a la moda del momento. O bien porque sencillamente, les sale de la entrepierna, ya que como artistas que son, no tienen por qué encasillarse para complacer a sus fans más talibanes. Unas veces, ese cambio sienta bien al artista, y otras, queda  postizo, artificial y ridículo. Claro que también estas apreciaciones, como es natural, dependen del criterio y gusto del oyente.

Pues bien, hoy me apetece empezar una serie de artículos sobre  ejemplos del segundo grupo. Artistas que decidieron cambiar su estilo, y fracasaron a lo grande. Empezamos.

BLACKFOOT

Corría el año 83, cuando una de mis bandas sureñas favoritas estaban arrasando con su disco en directo "Highway Song Live", publicado el año anterior, que cerraba con broche de oro una carrera increíble de 5 discazos como cinco pinos de grandes. Pero he aquí, que la compañía discográfica, suponemos que queriendo que la banda compitiera con las ventas de unos Foreigner o Journey de por entonces, y viendo que si amariconaban lo suficiente al cantante, podría quedar resultón como frotman guaperas, empezaron a liar al amigo Medlocke con lo típico. Nos imaginamos esas reuniones con ejecutivos, y éstos diciéndole: "Tío, tú eres el que vale del grupo, los demás son muy feos, tenéis que sonar más comerciales que ya no estamos en los 70" y perlas por el estilo, y un Medlocke eufórico por la cuesta arriba en la que estaban, empezando a creérselo. Estas cosas pasan.

La primera andanada hacia sonidos comerciales en la banda, fue con el disco de ese año. En "Siogo", aparte de la incorporación del exUriah Heep, Ken Hensley a los teclados, ya se empieza a notar que la banda ya no practica ese hard sureño abrasivo del pasado, tan influenciado por Free. Con todo, solo por temazos como "Send Me And Angel", "Heart's Grown Cold", la heavylona "We're Goin' Down", que recuerda un poco a Ted Nugent, o la comercial "Teenage Idol", ya se salva el experimento de la quema. Lo peor vendría en el siguiente disco.

Porque con "Vertical Smiles", si consiguieron atraer a fans de Foreigner o Styx, lo que es a los pocos que conservaban de su anterior época, acabaron por echarles del todo. Desde la insulsa versión del clásico "Morning Dew" (compárenla con el pedazo de cover que de la misma hacían los Nazareth, si hay huevos), esa cacota con... ¡sintentizadores! ¡en un disco de Blackfoot! que se llamaba "Living In The Limelight", que es una copia manguta de Billy Squier, que no hay por dónde coño cogerla, ese tema popero de "Young Girl", otra vez con los putos sintetizadores de fondo, "A Legend Never Dies", que parece un tema poco inspirado de Survivor, casi todo el disco es un cúmulo de despropósitos de sonar lo más moña y AORero posible, pero falto de personalidad y de pelotas. Las únicas excepciones, "Ride With You" que suena muy remotamente a los Blackfoot clásicos, aunque con una producción tan ochentera y hortera que destroza lo bueno que tiene la canción, "Get It On", que no suena nada a Blackfoot, pero al menos, si no fuera por la dichosa producción con sintentizadores y baterías electrónicas, sería un buen tema de hard rock, y la baladilla de "Summer Days", que con todo, queda como poca cosa si la comparamos con temazos lentos del pasado como "Diary Of A working Man". "Heartbeat  And Heels" es otro tema que con otra producción hubiera mejorado bastante, la verdad. Al igual que "In For The Kill". Vamos, que no es de extrañar que después de este descalabro, toda la banda le dijera al rubio teñido guitarrista y frontman, "ahí te quedas, majete".

Así que, ya solo sin sus compis, a Medlocke se le va la olla del todo, y ficha prácticamente a todos los Mother Finnest al completo, llamando a la cosa, Rick Medlocke And Blackfoot, y sacando el producto en el 87. Debería ser hermoso ver la cara de los rednecks que comprasen el disco y vieran a Medlocke en la foto de contraportada, con sus nuevos compis de color, más que nada por la cantidad de garrulazos a los que atrae el southern allí por el sur de los USA. Solo por eso, y porque en un principio, el incluír sonidos negros en su estilo, puede romper prejuicios y aportar algo curioso, la cosa sonaba interesante, todo hay que decirlo. La portada es también para enmarcar con un Medlocke a modo de David Lee Roth de la América profunda. El contenido, pues, es ... cuanto menos, raro. Mother Finnest eran, y siguen siendo una gran banda, pionera en mezclar el hard rock con el funk, integrada en su mayoría por músicos de color, y claro, el disco tiene ese ramalazo funkoide, pero una vez más, la producción AORiza más de lo deseable el resultado, y no queda prácticamente nada de la mala leche y las guitarras incendiarias que queremos escuchar de Rick Medlocke o de Blackfoot. Mother Finnest tienen discos mucho más potentes que éste. Las baladas son cada vez más empalagosas y amariconadas, parece que esté uno escuchando a Starship, cuando escucha esa pastelada de "Closest Thing To Heaven", o "Sylent Type". el problema no es que sean malos temas. Es que son temas que quedarían de puta madre en una Tina Turner de aquella época, o en cualquier artista de AOR para yuppies de por entonces. No para este tío. "Reckless Boy" es algo más cañerilla, pero se queda en un intento, y al final parece una sintonía de la vuelta ciclista en lugar de un cañonazo hard rockero. Así que, tenemos un disco mejor que el anterior, pero que no es Blackfoot ni de coña. "Private Life", "Steady Rockin'",  y " Rock 'N' Roll Tonight" son de lo poco que se salva, aunque mejorarían con otros arreglos y otra cosa.

En la siguiente década, intentaría recuperar la dignidad perdida, y reconducir su carrera, grabando "Medicine Man" y "After The Reing" Discos correctitos, uno más hard rock y otro más bluesero, que le hacen volver a la senda que nunca debiera haber abandonado, aunque ya sin sus compañeros de la formación clásica, la cosa no tiene el fuelle del pasado. Afortunadamente, le volvieron a reclutar los Skynyrd, y hay sigue dándonos de nuevo alegrías a sus fans.

THE ROLLING STONES

"Su eclosión llegó cuando la BBC ofreció a la Blues Incorporated un espacio en su emisión de radio Jazz Club del jueves 12 de julio de 1962. Pero la BBC sólo tenía presupuesto para cinco músicos, y el productor no quería a Mick de ninguna manera, porque se trataba de una emisión de Jazz. Desde que Korner no podía hacer su actuación de los jueves en el Marquee, Harold Pendleton tuvo que buscar un nuevo número. Contrató al conjunto de Long John Baldry, pero se dejó convencer por Brian de emplear a su nuevo conjunto para tocar entre los pases de Baldry. El pánico cundió cuando Brian se dio cuenta de que no tenían amplificadores lo bastante buenos para una actuación pagada, así que Mick le pidió prestado a su padre para poder alquilar algunos amplificadores baratos marca Harmony, y Brian pudo obtener una guitarra eléctrica de segunda mano Harmony Stratotone.
Cuando Pendleton le dijo a Brian que el conjunto necesitaba un nombre para los anuncios, Brian dijo "The Rolling Stones", del clásico de Muddy Waters "Rollin' Stone". Stu odiaba el nombre ("suena como una compañía de jodidos acróbatas irlandeses"), pero se quedó. Para consternación de Brian, el anuncio para la actuación decía: "Mick Jagger And The Rollin' Stones"".

                                                             Stephen Davies: Roling Stones. Los Viejos Dioses Nunca Mueren


Ayer se cumplieron 50 años del nacimiento de una de las dos bandas que cambiarían para siempre la música popular. Al igual que la otra banda, los Beatles, los Stones han sido la influencia para mucha música posterior, y el rock no sería igual sin ellos. Celebrémoslo pues.

HAPPY BIRTHDAY, MR. SNIDER

Uno de los rockeros más inteligentes del planeta cumple hoy 57 añitos. Pinchemos "Under The Blade" en su honor, y felicitémosle, no sólo por haber llegado a esa edad en tan buena forma, sino también, por el pedazo de esposa que tiene.

RAINBOW

"STRAIGHT BETWEEN THE EYES"

Difícil papeleta ha tenido este disco, al ocupar un lugar en la discografía del Arocoiris, entre medias, de un éxito comercial como "Difficult To Cure", y una obra maestra del hard rock melódico como "Ben Out Of Shape". Esto ha hecho que siempre se califique a "Straight Between The Eyes" como un disco menor en la carrera de esta banda. Y me parece muy injusto, la verdad. No sé qué problema pueden tener temas como "Death Alley Driver" (fusilada sin piedad años más tarde por Mr. Big, en uno de sus temas más conocidos), "Miss Mistreated", "Power", "Stone Cold" o "Tearin' Out My Heart". Me parece una digna continuación de "Difficult To Cure", ahondando más en el rollo melódico, que alcanzaría su cénit en el siguiente trabajo. Un discazo más de Rainbow, a reivindicar. Por cierto, recomiendo ver el vídeo de la gira de esta obra. Uno de los primeros vídeos domésticos de conciertos que tuvimos en casa muchos adolescentes de los 80.

MICHAEL SCHENKER GROUP

"ASSAULT  ATTACK"

En el 82, nuestro guitarrista teutón favorito lanzaría el que muchos fans consideran el mejor disco de su carrera, junto con el exRainbow, Graham Bonnet, en lugar del habitual Gary Barden, cuyo trabajo vocal, también muchos fans consideran el mejor de su carrera, en este disco. Es curioso, como un tío que venía del pop, como es Bonnet, imprimió, tanto en el "Down To Earth" de Rainbow, como en este disco que nos ocupa, una fuerza, que hacía que la comercialidad evidente, se mezclara con un sonido crudo, y, en el caso de "Assault Attack", ligeramente más potente que en las anteriores entregas del MSG. El caso es que, la colección de canciones, desde la inicial con el título del disco, pasando por la bluesy "Rock You To The Ground", la melódica "Dancer", que se anticipa a la línea que luego desarrollaría Bonnet en su siguiente proyecto, Alcatrazz, la épica "Samurai", "Desert Song" con muchas influencias de la banda del hermano mayor de Schenker, "Broken Promises", "Searching For A Reason" y la instrumental "Ulcer", esta colección de canciones, decía, son toda una muestra de virtuosismo, fuerza, melodía, feeling y clase, como pocas veces se ha visto. Bueno, sí. En todos los discazos que grabó Schenker en todo su periodo en Chrysalis, hasta su nefasta alianza con el hortera del McAuley.  Si no lo has escuchado, ya estás tardando.

RONNIE MONTROSE (R.I.P.)

Ayer el cáncer se llevó a uno de los guitarristas, quizás menos conocidos por el gran público, pero más innovadores y apreciados por aquellos que amen el hard rock, en especial, músicos. Sin el primer disco de Montrose, que ya comenté por aquí hace tiempo, quizás bandas como Van Halen, e incluso muchas bandas de la NWOBHM, no hubieran sonado igual. Montrose con su primer disco revolucionaron el hard rock, e influenciaron en muchos grupos que vinieron detrás. Su talento como guitarrista, no solo puede apreciarse en los dos primeros discos de la banda que llevaba su apellido, sino en sus trabajos con gente de la talla de HerBie Hancock, Van Morrison o el Edgar Winter Group, además de su posterior proyecto a Montrose, llamado Gamma. Se nos ha ido uno de los grandes. Cada vez nos van quedando menos de esta casta. Y es una verdadera lástima.

KISS

"CREATURES OF THE NIGHT"

Corría el año 82, cuando los de New York, decidieron volver a alegrar a sus fans más rockeros, algo decepcionados con sus dos entregas anteriores, "Dynasty" y "Unmasked", y ese disco conceptual que era "The Elder", en el que ya debutase su nuevo batería, Eric Carr, técnicamente muy superior al entrañable Peter Criss. Ace Frehley abandonaría la banda en breve, tras publicar el primer single de "Creatures", y pese a figurar en la portada, el encargado de las guitarras solistas, y compositor de algunos temas, sería Vinnie Vincent, lo que da a "Creatures..." un sonido más metálico de lo que acostumbraban Kiss, muy adaptado a la nueva década, y más emparentado con el hard rock de sus primeros discos. Quizás sea el disco más heavy metal de nuestros superhéroes favoritos. Solo hay que escuchar el tema que da título al disco, o "Saint And Sinner", "Keep Me comin'", "Rock and Roll Hell" o "Danger", todas trallazos de primer orden para canturrear puño en alto en sus shows, con un protagonismo de los tambores de Carr y la guitarra de Vincent, por encima de todo, que se noten los nuevos fichaje. No faltan himnos pegadizos marca de la casa como "I Love It Loud" (aunque esta pieza siempre me recordó al "We Will Rock You" de Queen), o "War Machine", así como el megabaladón de turno,  llamado "I Still Love You", muy zeppeliniana ella. Pues eso, uno de los mejores discos de la época de las pinturas (la de los maquillajes vino después) de the hottest band in the world.


Kiss - Creatures Of The Night [Live 1983] por jamiecat

VANDENBERG

"VANDENBERG"

Seguimos recordando discos que vieron la luz hace 30 años, y hoy le toca al debut de estos holandeses, cuyo guitarrista, luego alcanzaría la fama internacional en las filas de Whitesnake. Allá por el 82, Adrian Vandenberg, sorprendería al respetable con este fantástico disco repleto de temazos de hard rock melódico, que harían las delicias de los fans de Gary Moore, Michael Schenker y demás titanes. Sacaría dos muy buenas continuaciones, como fueron "Heading For A Storm" y "Alibi", aunque mucho más pulidas las aristas, y más comerciales. Por tanto, la crudeza de este disco, le hace sonar más duro y potentorro. Le acompañaban en la banda, el cantante Bert Heerink, con un registro muy similar a un Bruce dickinson o un Sammy Hagar, y que destacaba junto con la guitarra de Vandenberg, a lo largo de todo el disco, el batería Jos Zoomer y el bajista Dick Kemper, y estos cuatro hombres se bastaban y sobraban para que sonasen a gloria temas como la bluesera "Your Love Is In Vain", "Back On My Feet", "Wait", con una bonita intro acústica, el baladón "Burning Heart", la cañera "Ready To You", muy a lo Rainbow, o la pegadiza "Nothing To Lose". Si solo conoces a este holandés por sus andanzas con la Serpiente Blanca, no deberías dejar de dar una oportunidad a esta joya.

WHITESNAKE

"SAINTS & SINNERS"

En el 82, Whitesnake, tras cambios de formación, motivados por problemas entre la banda, incorporaron al tristemente desaparecido guitarrista, Mel Galley, procedente de Trapeze, para sustituir a Bernie Mardsen, y al bajista Colin Hodgkinson y el también desaparecido batería Cozzy Powell, calzando los zapatos de Neil Murray e Ian Paice, respectivamente, publicando el disco con el que servidor les conoció. La perfecta continuación a su anterior "Come And Get It", en la que endurecían ligeramente ese estupendo blues rock marca de la casa, y metían cañonazos como "Young Blood", la trotona "Rough An' Ready", el rockanrollazos del calibre de "Bloody Luxury" o "Rock An' Roll Angels" , "Love An' Affection" junto con temás más blueseros como "Victim Of Love", "Crying In The Rain" o "Dancing Girls", y uno de los baladones por excelencia, como era "Here I Go Again", que, en mi opinión, aquí tiene un feeling, que ni de coña tendría la versión de su época hair metalera. Escuchando este pedazo de obra, al igual que el resto de los discos de su etapa clásica, sigue uno sin entender la amnesia del público hard rockero hacia esta época de la Serpiente Blanca, en la actualidad.

RIOT

"RESTLESS BREED"

Probablemente, una de las bandas con más mala suerte de la historia. En mi opinión, los neoyorkinos nacieron en el lugar equivocado. Con un sonido que les emparentaba más con las bandas de la naciente NWOBHM, que con el hard & heavy americano de por entonces, y con muchos problemas con las discográficas, fallidas elecciones de diseños de portadas, y muchos cambios de formación,, estoy más que seguro que Mark Reale, si hubiera montado su banda en London, hubieran escogido un buen diseño para sus portadas, y alcanzado formaciones más estables, Riot hoy en día, puede que hubieran tenido mucha más suerte de la que han tenido a lo largo de su historia. Si a esto añadimos las tragedias de los fallecimientos de sus cantantes de la época más clásica, como fueron Guy Speranza, y Rhett Forrester, junto a la muerte de su líder,  Mark Reale, este mes pasado,y con él, la banda, lógicamente, el círculo de mala suerte en el que siempre han estado, está completo. Vaya a la memoria de este gran guitarrista, este artículo.

Pues sí, hace 30 años, Riot también editaban un gran disco. Aunque lo tenían crudo para superar su trabajo anterior, "Fire down Under", y encima se había marchado el vocalista, Guy Speranza, Si algo era, aparte de un fantástico músico, el señor Reale, era inasequible al desaliento. Con lo cual, fichó al guaperas Rhett Forrester, y orientó el sonido de la banda, levemente hacia el hard rock de corte yankee, sin perder el filo metalero. Eso se puede apreciar en temas como "Hard Loving Man", "Restless Breed", la bluesera "Loved By You", con harmónica incluída, "Over To You" o "Dream Away",  temas todos ellos, de notable factura, como los  cañonazos que recordaban a sus anteriores discos y que se llamaban  "C.I.A.", "Loanshark", que me recuerda a los Scorpions setenteros, y la rápida "Violent Crimes". El lote lo completaba una buena versión del "When I Was Young" de Eric Burdon & The Animals, y una pedazo de balada, llamada "Showdown". Un disco que muy poca gente reivindica, y que a mí me parece perfecto.

URIAH HEEP

"ABOMINOG"

No me acuerdo de qué miembro de Sepultura, dijo una vez, que una de sus grandes decepciones, fue comprarse este disco, motivado por la portada, y descubrir que lo que se escuchaba, no tenía nada que ver con lo que se podía esperar uno, ante tal ilustración. Bueno, eso, y que la banda se decantó por una música orientada hacia el AOR, fue uno de los puntos por los que, tanto los metaleros más jóvenes de entonces, que estaban enganchados en Europa por la NWOBHM, como los más veteranos fans de la banda, no hicieron demasiado caso, que digamos a "Abominog". Y es una gran injusticia, porque este disco, ha ganado con los años. La banda dio un paso arriesgado y colosal, al adaptarse a los tiempos, con una maestría, que pocos tuvieron. El disco mantiene un equilibrio perfecto entre los Heep clásicos, algo más metálicos, y sonidos más comerciales. De ahí que el disco tenga temazos totalmente incendiarios como "Too Scared To Run", "Sell Your Soul", con unos coros iniciales 100% Uriah Heep, joyas hard rockeras del calibre de "That's The Way, That It Is", "Running all Night (With The Lion)", o "Hot Persuasion", baladones de la categoría de "Prisioner", y grandes temas de AOR para sonar en la radio, y competir con Foreigner o Journey, como eran "Think It Over", "Chasing Shadows", "Hot Night In a Cold Town", o su estupenda versión de la bailable "On The Rebound" de Russ Ballard. Todos ellos, sin perder esos teclados y coros, tan característicos de los británicos.Si en su momento no le diste la oportunidad, deberías de dársela.

MOTÖRHEAD

"IRON FIST"

Muy jodido lo tuvieron los Motor, en el 82, para sacar algo que superase el listón de todo un "Ace Of Spades" y uno de los discos directos más brutales de la historia, como era "No Sleep 'Til Hammersmith". quizás fuera ese el motivo por el que mucha gente considera el disco que nos ocupa, como el más flojo que grabase la formación clásica de la banda. Aparte de los crecientes problemas que había entre "Fast" Eddie Clarke y Lemmy, que influyeran en la composición de los temas, que adolece de algo de linealidad en el conjunto del disco. ¿Es por esto "Iron Fist" un mal disco? Pues creo que no. Cierto que no llega al nivel de "Ace Of Spades", pero cañonazos como "Iron Fist", "Heart Of Stone", mi favorita, que se llama "Go To Hell", "Sex & Outrage o "Speed Freak", bien que justifican el disco. Por otro lado, el rock&roll de "I'm The Doctor", "Loser", "Shut It Down", que recuerda horrores al "Talking Head" que venía en el "Bomber, (Con't Let 'Em) "Grind Ya Down", su himno antireligioso, "(Don't Need ) Religion", o "Bang To Rights", sin ser la repera, también son temas bastante majos y resultones. Eso sí, "America" es con diferencia, para mi gusto, lo más flojo de ellos. Vamos, que ni la hostia en verso, ni tan malo como lo pintan.

SCORPIONS

"BLACKOUT"

1982 fue el año en el que otros germanos dieron en salto al mainstream, sonando en todas partes con este gran disco. Aquí, las guitarras de Matthias Jabs, cobran más protagonismo que en los dos discos anteriores, "Lovedrive" y "Animal Magnetism", y Rudofph Schenker se sale con unas rítmicas potentes, creando unos riffs sólidos como piedras, al igual que la sección rítmica, a cargo de Francis Buchholz y Herman Rarebell. Eso por no hablar de la increíble voz de Klaus Meine. Con este trabajo el ansiado mercado americano calló a sus pies, y fue el disco por el que en Spain se dieron a conocer mayoritariamente entre los de mi quinta. Y es que, era imposible resistirse a cañonazos como el que da título al disco, "Can't Live Without You", "Now", "Dynamite", medios tiempos pegadizos como el chicle y molones del tipo "Arizona", y power ballads para acaparar nuevos públicos y a público femenino, bastante efectivas, y que se convertirían en una de sus señas de identidad en su nueva época, como serían "No One Like You", "You Give Me All I Need" o "When The Smoke Is Going Down", y hasta un tema super pesado, casi sabático, llamado "China White", que pocas veces es recordado, y merece serlo. Siempre preferí la época setentera de ellos, e incluso me gusta mucho más "Lovedrive". Hasta llegué a aborrecerles durante un tiempo, cuando todo dios daba el coñazo con las baladas, pero negar la calidad y la importancia que tuvo este disco en su momento, sería de ignorancia supina. "Blackout" es el equilibrio perfecto entre fuerza y comercialidad, y uno de los discos fundamentales para entender el heavy metal de los 80, en mi opinión.

ACCEPT

"RESTLESS AND WILD"

Otro de los lanzamientos de la cosecha del 82, que hicieron que muchos críos de por entonces, entregásemos nuestros tímpanos a los dioses del rock&roll. Este disco nos dio a conocer a una de las mejores bandas que ha dado Alemania, en un rollo más metalero que Scorpions, y con muchos puntos en común con Judas Priest. "Fast As A Shark" que era el tema con el que abrían el álbum, no dejaba a nadie indiferente, con su rapidez y fiereza, y ese pequeño homenaje a Lemmy, en la manera de cantar Udo la primera estrofa. Desde luego, hacía justicia al título. Rápida y brutal con un pedazo de punteo en plan Rainbow/Judas Priest, que quitaba el hipo. Uno de esos temas que se escucharán forever and ever en todo antro rockero que se precie. Al igual que el tema trotón que daba título al disco. Una colección de cañonazos en los que no hay una puta canción mala, y todos son crudos y brutos hasta en el título. Vamos, el disco que nunca atraería a los fans de Mecano. En posteriores entregas, como serían "Balls To The Wall" o "Metal Heart" pulieron algo más las aristas, pero la crudeza de "Restles And Wild" es uno de los puntos que hacen atractivo al disco, si encima lo escuchas siendo un chaval por aquellos años. "Ahead Of The Pack" es otro tema muy Judas, con unos coros adictivos. Lo mismo pasa con "Shake Your Heads", un medio tiempo machacón como pocos, con la voz de Udo(una de esas que o te gustan de primeras, o lo odias, con ese parecido a Brian Johnson que siempre ha tenido), en primerísimo plano, y otros coros en plan himno para alzar el puño en los conciertos como un poseso. "Neon Nights" era similar a la anterior, aunque tenía una parte más melódica que le daba su toquecillo de variedad a la cosa. Incluso cantaba Udo en otro registro, sorprendiendo al personal. La caña volvía con "Get Ready", "Demon's Night", "Flash Rockin' Man", cuyo riff  inicial era muy similar al de "Swords And Tequila" de los Riot, o al que más tarde meterían Maiden en "Two Minutes To Midnight", "Don't Go Stealin' My soul Away" y otro tema que pasaría a englosar su repertorio de clásicos en directo, por lo pegadizo y machacón, que no es otro que "Princess Of The Dawn". Todos temazos de diez.