JIMMY BARNES: THE WORKING CLASS MAN

Tenía ya ganas de escribir por aquí, acerca de este gran desconocido en Europa, pero que es toda una estrella en Australia. Algo que me parece muy injusto, ya que la voz de James Swan Dixon, que es así como realmente se llama este escocés, nacido en Glasgow en el 62, aunque emigrado a Australia desde los 4 años, es una de las mejores que haya parido el rock de aquel país. Con muchas influencias de la música negra, del soul de los sesenta, y una carrera en la que ha tocado no sólo este palo, sino el hard rock y el AOR, y todos con gran acierto, lo que le convierte en una suerte de Glenn Hughes a la aussie. No en vano, se puede escuchar su voz colaborando con el exPurple, en uno de los últimos discos de éste último. En "Music For The Divine".

Fue introducido en la música, por su hermano mayor, John Swan, posterior cantante, también, e integrante de Fraternity, la banda en la que cantaba un tal Bon Scott, antes de meterse en otra de ciertos hermanitos bajitos, uno de ellos, disfrazado de colegial. No sé si les conoceréis. En esta banda, nuestro prota, entraría a sustituir a su hermano, a la batería, que era el instrumento que tocaba, pasando al poco tiempo, a entrar en otra formación llamada Cold Chisel, con tan solo 17 primaveras. Cold Chisel eran una de las bandas más grandes de las Antípodas, y allí, Barnes, que cogería este apellido de su padrastro, se tiraría desde el 73, hasta el 83. Como ya he dicho, Cold Chisel llegó a ser una banda muy grande en Australia, pero la mala gestión de la pasta, y el no salir de las fronteras, hizo que para el resto del mundo fueran uno de los secretos mejor guardados de ese continente. Con todo, el vídeo más vendido por aquellas tierras, es el del último concierto de Barnes con esta banda.



En el 83 se pira de Cold Chisel, y empieza a despegar su carrera en solitario. Sus seis primeros discos se convierten en números uno en Australia, y Barnes, como no tiene un pelo de tonto, lo que quiere es salir del continente, y triunfar en los USA. El chaval tiene un vozarrón, buen gusto para las melodías, y puede tener tirón en el país de Journey y compañía, en plena época del AOR , los mullets y las pelis de Mel Gibson, con el que comparte mullet y querencia por el bebercio, además de orígenes australianos (aunque no de nacimiento). total, que firma con Geffen, y con las colaboraciones de músicos de primera, como Charlie Sexton, Kim Carnes y Mick Fleetwood, graba su primer disco para el mercado yankee, que se llama "For The Working Class Man", y se compone de cinco temas nuevos, y canciones remezcladas de su primer disco, "Bodyswerbe". entre los temas nuevos destaca el que da título al disco, compuesto junto con el bajista de Journey, Jonathan Cain.



Este disco sería lanzado al resto del mercado internacional, con el título "A Week Away From Paradise".

En el año 87, vamos, hace ahora 25 añitos, sacaría otro discazo, con el que le descubrí, por cierto, llamado "Freight Train Heart", con una producción de lujo, aunque muy de la época, y con más temas coescritos con Jonathan Cain, que ahondan en la vena AOR del australiano, con la producción de Cain y de Desmond Child, que ayuda en la composición de "Waitin ' For The Heartache", y Joe Lynn Turner, que escribe junto a Child, "Walk On" Jim Vallance, otro nombre de peso en este tipo de producciones, también echa un cable en los temas, así como viejos colegas de Australia, como el batería de INX, Jon Farris y Chris Bailey y Rick Brewster, de The Angels, o la armónica de Huey Lewis, que se puede escuchar en "I Wanna Get Started With You". También colaboran Wendy Matthews y David Glenn Eisley, de los Giuffria. Este disco, si te gusta el AOR, ya estás tardando en pegarlo una escucha. Además, tiene la crudeza del pub rock australiano, realizando una curiosa mezcla que hace que el disco no caiga en lo empalagoso. Comercialidad y fuerza, y además, con temazos. A partir de este disco, me hice fan de la música de este hombre.



"Two Fires" es el disco con el que entra en los 90. Más comercial que el anterior, pero también de una calidad exquisita, y con colaboraciones de lujo: Brian Setzer, de los Stray Cats es la más destacable, además de dos miembros de su familia, su hijo Jackie Barnes a la batería, y Mahalia Barnes, su hija a los coros. Por supuesto, le sigue ayudando en las composiciones, Desmond Child, y se une otro song doctor de lujo, que es Holly Knight.

Pero ya se sabe, que en los 90, esta música tiene poco que hacer, cuando entra en escena Seattle y el rock alternativo. Por lo que Barnes se ve eclipsado en su asalto al mercado yankee, y tiene que refugiarse en Australia, donde sigue siendo el más grande, junto con AC/DC.

Así que, libre de las presiones de tener que triunfar, y libre de tener que comercializar su sonido, reorienta su carrera hacia uno de sus estilos favoritos, que no es otro que el soul, y en el 91, saca el increíble "Soul Deep". Muy del estilo de Glenn Hughes, cuando también le entra la vena soulera, es una delicia escuchar la voz de este hombre, en sus tonos más negroides. Versiones acojonantes de clásicos de Sam & Dave, Martha And The Vandellas, o Jackie Willson, con duetos de infarto como el que se monta con Johnny Farnham en "When Something Is Wrong With My Babe" de Sam & Dave. Vamos, todo un regalo para los oídos, y un disco ideal para adentrarse en el soul de Stax y la Motown.



En el 93, publicaría "Heat", en un rollo funk-hard, bastante curioso. Solo por el tema con el que empieza, "Sweat It Out", ya merece la pena la escucha. Aunque la stoniana "Wheels In Motion" tampoco se queda atrás, o la funkie "Stand Up", o el baladón ""Something's Got a Hold", vamos, un disco cojonudo en el que sigue demostrando que todavía sabe rockear, y que le queda de maravilla ese toque funk y Stones, que tiene cada tema.



Ese mismo año, nos sorprendería con un acústico en el que repasa su carrera hasta entonces, llamado "Flesh and Wood", y que es, como era de esperar, acojonantemente bueno. Una pasada escuchar su voz acompañada de guitarras acústicas, violines y poco más. Y encima acompañado por artistas de la talla de Joe cocker, Ross Willson, o Deborah Conway. Un discazo con mayúsculas. su versión del clásico de The Band, "The Weight" es de quitarse el sombrero.



"Psyclone" sería su disco del 95. El tema que lo abre, "Used To The Truth", en un mundo justo, hubiera arrasado en los charts de medio mundo. Pero bueno, fue número 2 en Australia, donde le seguían adorando las masas. "Spend The Night" era otro single en potencia, al igual que "Change Of Heart", un baladón con toques sureños, o "Stumbling" my en plan AC/DC, hasta en la manera de cantar de Barnes, o la bluesera "Mirror Of Your Soul". Otro disco bastante majo y resultón para la colección.

"Love And Fear", su disco del 99, a pesar de esa portada que sugiere un rollete más intimista, empieza de manera sorprendentemente cañera, y hasta con toques modernillos en la producción, con el tema de título homónimo. Cosa que sigue en su siguiente tema, "Time will Tell", aunque luego sigue una maravilla soul como es "By The Grace Of God", a la que le sigue "Thankful For The Rain", y luego vuelve el rollo modernete pero con toque funk en "Temptation". A partir de ahí predomina el rollo soul-funk, donde se le ve en su salsa con la voz, y suena de maravilla. Gran disco, que acaba con la caña de "Sorry".

"Soul Deeper" vendría a ser la continuación a "Soul Deep", como ya el título indica. Vuelta a las versiones brillantes de clasicazos del soul de la talla de Willson Pickett, Aretha Franklin, pero esta vez, metiendo también clásicos del rock como el "Rip It Out" de Little Richard, una colosal cover de "I Put A Spell On You" de Screamin' Jaw Hawkins, el "(Money) That's What I Want" de los Beatles, o el "All The Young Dudes" que compusiera Bowie y que inmortalizaran Mott The Hoople.



Sacó tres discos más en la década siguiente, "Double Happiness", "Out In The Blue", "The Rythym And The Blues" y "Rage And Ruin" ya en el 2010, pero por desgracia, no he tenido el placer de escucharlos, aunque lo haré, y actualizaré este artículo cuando lo haga en breve, que imagino que seguirán manteniendo el nivel de creatividad y buen gusto de este gran cantante. Pero lo que sí que he escuchado es su proyecto de hard & heavy junto a Bo Daisley, Lee Kerslake, Steve Morse y Don Airey. El proyecto se llamaba Living Loud, y en él, interpretaban curiosas versiones de los temas que Daisley y Kerslake compusieron para Ozzy Osbourne, además de otras cosas. Sacaron un disco y un directo, que sonaba de maravilla, dicho sea de paso.




Por supuesto, como toda estrella que se precie, Barnes también ha grabado sus discos en directo, faltaría más. en el 88 grabó "Barnestorming", que es un documento sonoro de lo grande que era este tío en directo en esa época, y en el 2001, publicó "Raw", que demuestra que sigue estando en una excelente forma vocal.

Y colaboraciones, tiene unas cuantas. Desde Tina Turner, pasando por Glenn Hughes, hasta la más reciente, con Joe Bonamassa.



Así que, ya saben, si les mola el AOR, el rock stoniano con toques funkies, el hard rock australiano con sabor a pub, o el soul, y no han escuchado todavía a este hombre, ya están tardando. Jimmy Barnes. El secreto mejor guardado de las Antípodas.

THE SHIELD

"Nadie que viva en este país, puede estar tan limpio".
Vic Mackey (Michael chiklis)


Llevaba ya tiempo queriendo escribir acerca de esta serie, sobre la que doy el coñazo en cuanto puedo, a todos cuantos me rodean. Y es que, no es para menos, porque,  esta obra maestra de la televisión, me parece, junto a "The Sopranos" y "The wire", una de las mejores series  de televisión que se han hecho en los últimos años.

Su creador, Shawn Ryan, desde el arranque de la primera temporada, a primeros de la década pasada, nos narra con un estilo totalmente realista, con mucho plano de cámara al hombro, el auge y caída de Vic Mackey, uno de los villanos más carismáticos de la historia de la tele, con su grupo de asalto, sin bajar la intensidad durante las siete temporadas, en las que nos metemos de lleno en todo el pudridero de bandas, asesinos en serie, corrupción política y policial y demás, que abunda en el imaginario distrito de Farmington.

Con un Michael Chiklis que interpreta con una maestría fuera de serie, al protagonista principal, pero acompañado de todo un elenco de actorazos, entre los que está Jay Karnes, interpretando al detective "Dutch" Wagenbagh, el blanco de todas las burlas en la "cuadra", que es así como se le llama a la comisaría en la que día a día, este honrado y eficiente detective, experto en asesinos en serie, tiene que soportar todo tipo de humillaciones de sus compañeros. Este hombre, junto a su compañera, la detective Claudette Wyms (CCH Pounder) representan la honradez, en medio de toda la mierda que les rodea, lo que les ocasiona más de un problema con las altas esferas. El capitán Acebeda, de las tres primeras temporadas(Benito Martínez), tendrá más de una discusión con Claudette. Acebeda, también odia a Mackey y repudia sus métodos y corruptelas, pero más que policía, es un político -de hecho, su aspiración es ser concejal y en un futuro, alcalde- por lo que, no duda en utilizar a Mackey, y hasta establecer alianzas con él, cuando le conviene.

Vic Mackey es el líder del Equipo de Asalto. Un grupo especialista en bandas, en el que le cubren las espaldas, el redneck tejano Shane Vendrell (Walton Goggins), paleto y racista, y una figura trágica a lo largo de la serie, que acabará por ser el reflejo de Mackey, Curtis Lemansky (Kenny Johnson) que es la conciencia del Equipo de Asalto, lo que pagará muy caro. El único que tiene remordimientos por todas las movidas en las que se meten. Ronnie Gardocki (David Rees Snell), al principio no tiene demasiado protagonismo, pero lo va cobrando a medida que avanza la serie. Es el informático del equipo, y acaba traicionado de mala manera por Vic.

Y Vic Mackey, pues es un superviviente nato. Por su familia, y por conservar la placa, ya que son las dos únicas cosas que tiene, hará lo que sea. Si eso implica matar a otro poli, atracar a la mafia armenia, o lo que sea, no se lo pensará dos veces. Policía efectivo, cuando se lo propone, su crueldad para con los criminales, es directamente proporcional a su amor por su familia, a la que quiere a su manera, claro está. Ya que los cuernos de su mujer (Cathy Cahlin Ryan) son del tamaño de las montañas rocosas. A lo largo de esas siete temporadas, vemos y aplaudimos cómo saca a hostia limpia a un pedófilo el paradero de una niña a la que ha secuestrado, tras la frase "El poli bueno y el poli malo, acaban de salir por la puerta. Yo soy un tipo de poli diferente", cómo permite que un perro desgarre los huevos a un violador, y mil lindezas más. También le veremos hacer tratos con los One Niners, los los Byz Lats, los Profetas, y todo tipo de bandas y mafias, rusas, negras, latinas, coreanas, etc. También le veremos enfrentarse a temibles villanos como Armadillo, Margos, el spsicópata de la mafia armenia, que deja un reguero de cadáveres sin pies por el asalto al tren del dinero, interpetado por Kurt Sutter, guionista de la serie, y posteriormente, guionista y productor de "Sons Of Anarchy", y enfrentarse también a las corruptelas de sus superiores, como su amigo y protector Ben Gilroy (John Diehl), que acaba jodiéndole, y lógicamente, Vic acaba jodiéndole a él, o incluso enfrentándose en un brillante tour de force, con el agente de asuntos internos el teniente John Kavanaugh,  interpretado por un enorme, en todos los sentidos, Forest Whitaker, en una acojonante quinta temporada, en la que no sólo Vic se sale con la suya, sino que hunde la carrera del teniente en la temporada siguiente.

Pero no sólo éstos son los personajes que van y vienen por la "cuadra", antigua iglesia reconvertida a comisaría, en la que, a modo de metáfora, el servicio siempre está estropeado, salvo en la cuarta temporada, cuando se hace cargo del mando la capitana Rawling, interpretada por Glenn Close, en la que el equipo de asalto se mantiene limpio, baja la delincuencia gracias al programa de confiscaciones que lleva a cargo la capitana, y se vuelve a estropear cuando ésta es destituida por las altas instancias, porque eso de poner el comunismo, aunque sea en un distrito, no está bien visto. Como decía, no son solo los que he comentado, los únicos agentes de la comisaría, sino que la serie también nos enseña a otros agentes como son el detective Billings (David Marciano), buen detective, aunque escaqueado, cobarde y rastrero como pocos, que se deleita con bromas especialmente crueles hacia Wagenbach, y en la temporada en la que es capitán en funciones, demuestra ser un incompetente y un vago de cojones, no como la eficiente agente "Danny" Soffer(Catherine Dent), una poli de pies a cabeza, que ha mantenido algún affair amoroso con Mackey, y que también se convierte en víctima de los manejos del equipo de asalto en algún momento, y el agente Julien Lowe (Michael Jace), un recto poli, y muy buena persona, al que su homosexualidad latente, que no quiere admitir, por sus creencias religiosas, le hace malas pasadas, y objeto de alguna putada por parte de compañeros de la comisaría.

Pues todo esto es "The Shield", y mucho más. si ustedes se la han perdido, ya están tardando en echarle una ojeada. Tiene uno de los finales más acojonantes de la historia de la caja borde, pero no se lo voy a desvelar.

A MÍ NO ME HA HECHO NADA ARGENTINA

Escucho en la radio, que Repsol, una puta empresa privada, como si de un Estado se tratase, va a emprender represalias contra cualquier empresa que haga negocios con YPF. Escucho también, a la trotona de Pontevedra, decir a todas horas, que si Argentina perjudica a los españoles, que si esto no se puede tolerar, que si patatín patatán, enarbolando un patriotismo vacuo y populista de opereta, que habrá mermados mentales que se lo crean y todo. Escucho también a los medios de comunicación, como empresas privadas que son, manipular y colaborar en esta campaña cerril contra Argentina, por atreverse a apoderarse de su propio petróleo, así como a los medios de comunicación PÚBLICOS, entrando en la fiesta, apoyando ciegamente el neoliberalismo más colonial.

Muy bien, caballeros. Pues le diré que a mí, como a una inmensa mayoría de ciudadanos que no jugamos a la bolsa, Argentina no me ha hecho nada. A mí, quien me jode es Angela Merkel y Sarkozi, cuando someten al gobierno que, en teoría tendría que mirar por nosotros, a sus dictados, pasándose por los cojones nuestra soberanía. A mí quien me jode, son las empresas como Repsol, cuando tributan una miseria aquí, y el resto de sus beneficios van a parar a paraísos fiscales. Quien me toca los cojones, son unos mercados desregulados que chantajean a países enteros jugando al casino, con las vidas de millones de personas. Quien me jode son gobiernos que sirven solo a los intereses de las elites, y están más que dispuestos a hundirnos en el estiércol, como hacen ustedes. A mí, quien me hace daño, es la CEOE, el FMI, el BCE y demás organizaciones mafiosas y terroristas, cuando pretenden acabar con el (pobre) estado de Bienestar y los derechos laborales por los que luchó mucha gente en el pasado. A mí, quien me da por el culo es la iglesia católica, cuando mientras que a los demás nos piden sacrificios, ellos, además de querer imponer su puta mierda de control social a una población que ni de lejos seguimos su dogma engañabobos, no rinden cuentas sobre sus abusos a menores, no pagan impuestos, pueden apropiarse de inmuebles públicos, y gozan de enormes privilegios gracias a un concordato que ningún partido (hola PSOE) ha tenido los huevos de romper de una vez por todas. A mí, quien me jode es un monarca senil, que nos vino en el lote en este fraude de "democracia", heredado directamente del anterior genocida, que vive como rediós, nos cuesta un pastón, y mientras nos habla en navidades de arrimar el hombro, y nos dice que no duerme pensando en los parados, para conciliar el sueño, se va en safaris, pagados con nuestro dinero, o aceptando el soborno de empresarios que se los pagan, y luego nos salen por un pico sus operaciones de cadera.

Estos son mis enemigos. No Argentina.

CAMBIOS DE ESTILO, QUE SENTABAN COMO EL CULO (1)

Hay gente que nunca ha digerido que bandas como Kiss hicieran un álbum de grunge, o que Gary Moore se pasase al blues, o peña que no le gusta lo nuevo de Europe, porque suena más bluesero. Bueno, todos nos hemos decepcionado alguna vez, cuando nuestros artistas favoritos cambian de registro, bien por evolucionar, o bien por conseguir una meta comercial, atrayendo a nuevo público, o adaptando su sonido a la moda del momento. O bien porque sencillamente, les sale de la entrepierna, ya que como artistas que son, no tienen por qué encasillarse para complacer a sus fans más talibanes. Unas veces, ese cambio sienta bien al artista, y otras, queda  postizo, artificial y ridículo. Claro que también estas apreciaciones, como es natural, dependen del criterio y gusto del oyente.

Pues bien, hoy me apetece empezar una serie de artículos sobre  ejemplos del segundo grupo. Artistas que decidieron cambiar su estilo, y fracasaron a lo grande. Empezamos.

BLACKFOOT

Corría el año 83, cuando una de mis bandas sureñas favoritas estaban arrasando con su disco en directo "Highway Song Live", publicado el año anterior, que cerraba con broche de oro una carrera increíble de 5 discazos como cinco pinos de grandes. Pero he aquí, que la compañía discográfica, suponemos que queriendo que la banda compitiera con las ventas de unos Foreigner o Journey de por entonces, y viendo que si amariconaban lo suficiente al cantante, podría quedar resultón como frotman guaperas, empezaron a liar al amigo Medlocke con lo típico. Nos imaginamos esas reuniones con ejecutivos, y éstos diciéndole: "Tío, tú eres el que vale del grupo, los demás son muy feos, tenéis que sonar más comerciales que ya no estamos en los 70" y perlas por el estilo, y un Medlocke eufórico por la cuesta arriba en la que estaban, empezando a creérselo. Estas cosas pasan.

La primera andanada hacia sonidos comerciales en la banda, fue con el disco de ese año. En "Siogo", aparte de la incorporación del exUriah Heep, Ken Hensley a los teclados, ya se empieza a notar que la banda ya no practica ese hard sureño abrasivo del pasado, tan influenciado por Free. Con todo, solo por temazos como "Send Me And Angel", "Heart's Grown Cold", la heavylona "We're Goin' Down", que recuerda un poco a Ted Nugent, o la comercial "Teenage Idol", ya se salva el experimento de la quema. Lo peor vendría en el siguiente disco.

Porque con "Vertical Smiles", si consiguieron atraer a fans de Foreigner o Styx, lo que es a los pocos que conservaban de su anterior época, acabaron por echarles del todo. Desde la insulsa versión del clásico "Morning Dew" (compárenla con el pedazo de cover que de la misma hacían los Nazareth, si hay huevos), esa cacota con... ¡sintentizadores! ¡en un disco de Blackfoot! que se llamaba "Living In The Limelight", que es una copia manguta de Billy Squier, que no hay por dónde coño cogerla, ese tema popero de "Young Girl", otra vez con los putos sintetizadores de fondo, "A Legend Never Dies", que parece un tema poco inspirado de Survivor, casi todo el disco es un cúmulo de despropósitos de sonar lo más moña y AORero posible, pero falto de personalidad y de pelotas. Las únicas excepciones, "Ride With You" que suena muy remotamente a los Blackfoot clásicos, aunque con una producción tan ochentera y hortera que destroza lo bueno que tiene la canción, "Get It On", que no suena nada a Blackfoot, pero al menos, si no fuera por la dichosa producción con sintentizadores y baterías electrónicas, sería un buen tema de hard rock, y la baladilla de "Summer Days", que con todo, queda como poca cosa si la comparamos con temazos lentos del pasado como "Diary Of A working Man". "Heartbeat  And Heels" es otro tema que con otra producción hubiera mejorado bastante, la verdad. Al igual que "In For The Kill". Vamos, que no es de extrañar que después de este descalabro, toda la banda le dijera al rubio teñido guitarrista y frontman, "ahí te quedas, majete".

Así que, ya solo sin sus compis, a Medlocke se le va la olla del todo, y ficha prácticamente a todos los Mother Finnest al completo, llamando a la cosa, Rick Medlocke And Blackfoot, y sacando el producto en el 87. Debería ser hermoso ver la cara de los rednecks que comprasen el disco y vieran a Medlocke en la foto de contraportada, con sus nuevos compis de color, más que nada por la cantidad de garrulazos a los que atrae el southern allí por el sur de los USA. Solo por eso, y porque en un principio, el incluír sonidos negros en su estilo, puede romper prejuicios y aportar algo curioso, la cosa sonaba interesante, todo hay que decirlo. La portada es también para enmarcar con un Medlocke a modo de David Lee Roth de la América profunda. El contenido, pues, es ... cuanto menos, raro. Mother Finnest eran, y siguen siendo una gran banda, pionera en mezclar el hard rock con el funk, integrada en su mayoría por músicos de color, y claro, el disco tiene ese ramalazo funkoide, pero una vez más, la producción AORiza más de lo deseable el resultado, y no queda prácticamente nada de la mala leche y las guitarras incendiarias que queremos escuchar de Rick Medlocke o de Blackfoot. Mother Finnest tienen discos mucho más potentes que éste. Las baladas son cada vez más empalagosas y amariconadas, parece que esté uno escuchando a Starship, cuando escucha esa pastelada de "Closest Thing To Heaven", o "Sylent Type". el problema no es que sean malos temas. Es que son temas que quedarían de puta madre en una Tina Turner de aquella época, o en cualquier artista de AOR para yuppies de por entonces. No para este tío. "Reckless Boy" es algo más cañerilla, pero se queda en un intento, y al final parece una sintonía de la vuelta ciclista en lugar de un cañonazo hard rockero. Así que, tenemos un disco mejor que el anterior, pero que no es Blackfoot ni de coña. "Private Life", "Steady Rockin'",  y " Rock 'N' Roll Tonight" son de lo poco que se salva, aunque mejorarían con otros arreglos y otra cosa.

En la siguiente década, intentaría recuperar la dignidad perdida, y reconducir su carrera, grabando "Medicine Man" y "After The Reing" Discos correctitos, uno más hard rock y otro más bluesero, que le hacen volver a la senda que nunca debiera haber abandonado, aunque ya sin sus compañeros de la formación clásica, la cosa no tiene el fuelle del pasado. Afortunadamente, le volvieron a reclutar los Skynyrd, y hay sigue dándonos de nuevo alegrías a sus fans.

THE ROLLING STONES

"Su eclosión llegó cuando la BBC ofreció a la Blues Incorporated un espacio en su emisión de radio Jazz Club del jueves 12 de julio de 1962. Pero la BBC sólo tenía presupuesto para cinco músicos, y el productor no quería a Mick de ninguna manera, porque se trataba de una emisión de Jazz. Desde que Korner no podía hacer su actuación de los jueves en el Marquee, Harold Pendleton tuvo que buscar un nuevo número. Contrató al conjunto de Long John Baldry, pero se dejó convencer por Brian de emplear a su nuevo conjunto para tocar entre los pases de Baldry. El pánico cundió cuando Brian se dio cuenta de que no tenían amplificadores lo bastante buenos para una actuación pagada, así que Mick le pidió prestado a su padre para poder alquilar algunos amplificadores baratos marca Harmony, y Brian pudo obtener una guitarra eléctrica de segunda mano Harmony Stratotone.
Cuando Pendleton le dijo a Brian que el conjunto necesitaba un nombre para los anuncios, Brian dijo "The Rolling Stones", del clásico de Muddy Waters "Rollin' Stone". Stu odiaba el nombre ("suena como una compañía de jodidos acróbatas irlandeses"), pero se quedó. Para consternación de Brian, el anuncio para la actuación decía: "Mick Jagger And The Rollin' Stones"".

                                                             Stephen Davies: Roling Stones. Los Viejos Dioses Nunca Mueren


Ayer se cumplieron 50 años del nacimiento de una de las dos bandas que cambiarían para siempre la música popular. Al igual que la otra banda, los Beatles, los Stones han sido la influencia para mucha música posterior, y el rock no sería igual sin ellos. Celebrémoslo pues.

HAPPY BIRTHDAY, MR. SNIDER

Uno de los rockeros más inteligentes del planeta cumple hoy 57 añitos. Pinchemos "Under The Blade" en su honor, y felicitémosle, no sólo por haber llegado a esa edad en tan buena forma, sino también, por el pedazo de esposa que tiene.

RAINBOW

"STRAIGHT BETWEEN THE EYES"

Difícil papeleta ha tenido este disco, al ocupar un lugar en la discografía del Arocoiris, entre medias, de un éxito comercial como "Difficult To Cure", y una obra maestra del hard rock melódico como "Ben Out Of Shape". Esto ha hecho que siempre se califique a "Straight Between The Eyes" como un disco menor en la carrera de esta banda. Y me parece muy injusto, la verdad. No sé qué problema pueden tener temas como "Death Alley Driver" (fusilada sin piedad años más tarde por Mr. Big, en uno de sus temas más conocidos), "Miss Mistreated", "Power", "Stone Cold" o "Tearin' Out My Heart". Me parece una digna continuación de "Difficult To Cure", ahondando más en el rollo melódico, que alcanzaría su cénit en el siguiente trabajo. Un discazo más de Rainbow, a reivindicar. Por cierto, recomiendo ver el vídeo de la gira de esta obra. Uno de los primeros vídeos domésticos de conciertos que tuvimos en casa muchos adolescentes de los 80.

MICHAEL SCHENKER GROUP

"ASSAULT  ATTACK"

En el 82, nuestro guitarrista teutón favorito lanzaría el que muchos fans consideran el mejor disco de su carrera, junto con el exRainbow, Graham Bonnet, en lugar del habitual Gary Barden, cuyo trabajo vocal, también muchos fans consideran el mejor de su carrera, en este disco. Es curioso, como un tío que venía del pop, como es Bonnet, imprimió, tanto en el "Down To Earth" de Rainbow, como en este disco que nos ocupa, una fuerza, que hacía que la comercialidad evidente, se mezclara con un sonido crudo, y, en el caso de "Assault Attack", ligeramente más potente que en las anteriores entregas del MSG. El caso es que, la colección de canciones, desde la inicial con el título del disco, pasando por la bluesy "Rock You To The Ground", la melódica "Dancer", que se anticipa a la línea que luego desarrollaría Bonnet en su siguiente proyecto, Alcatrazz, la épica "Samurai", "Desert Song" con muchas influencias de la banda del hermano mayor de Schenker, "Broken Promises", "Searching For A Reason" y la instrumental "Ulcer", esta colección de canciones, decía, son toda una muestra de virtuosismo, fuerza, melodía, feeling y clase, como pocas veces se ha visto. Bueno, sí. En todos los discazos que grabó Schenker en todo su periodo en Chrysalis, hasta su nefasta alianza con el hortera del McAuley.  Si no lo has escuchado, ya estás tardando.

RONNIE MONTROSE (R.I.P.)

Ayer el cáncer se llevó a uno de los guitarristas, quizás menos conocidos por el gran público, pero más innovadores y apreciados por aquellos que amen el hard rock, en especial, músicos. Sin el primer disco de Montrose, que ya comenté por aquí hace tiempo, quizás bandas como Van Halen, e incluso muchas bandas de la NWOBHM, no hubieran sonado igual. Montrose con su primer disco revolucionaron el hard rock, e influenciaron en muchos grupos que vinieron detrás. Su talento como guitarrista, no solo puede apreciarse en los dos primeros discos de la banda que llevaba su apellido, sino en sus trabajos con gente de la talla de HerBie Hancock, Van Morrison o el Edgar Winter Group, además de su posterior proyecto a Montrose, llamado Gamma. Se nos ha ido uno de los grandes. Cada vez nos van quedando menos de esta casta. Y es una verdadera lástima.

KISS

"CREATURES OF THE NIGHT"

Corría el año 82, cuando los de New York, decidieron volver a alegrar a sus fans más rockeros, algo decepcionados con sus dos entregas anteriores, "Dynasty" y "Unmasked", y ese disco conceptual que era "The Elder", en el que ya debutase su nuevo batería, Eric Carr, técnicamente muy superior al entrañable Peter Criss. Ace Frehley abandonaría la banda en breve, tras publicar el primer single de "Creatures", y pese a figurar en la portada, el encargado de las guitarras solistas, y compositor de algunos temas, sería Vinnie Vincent, lo que da a "Creatures..." un sonido más metálico de lo que acostumbraban Kiss, muy adaptado a la nueva década, y más emparentado con el hard rock de sus primeros discos. Quizás sea el disco más heavy metal de nuestros superhéroes favoritos. Solo hay que escuchar el tema que da título al disco, o "Saint And Sinner", "Keep Me comin'", "Rock and Roll Hell" o "Danger", todas trallazos de primer orden para canturrear puño en alto en sus shows, con un protagonismo de los tambores de Carr y la guitarra de Vincent, por encima de todo, que se noten los nuevos fichaje. No faltan himnos pegadizos marca de la casa como "I Love It Loud" (aunque esta pieza siempre me recordó al "We Will Rock You" de Queen), o "War Machine", así como el megabaladón de turno,  llamado "I Still Love You", muy zeppeliniana ella. Pues eso, uno de los mejores discos de la época de las pinturas (la de los maquillajes vino después) de the hottest band in the world.


Kiss - Creatures Of The Night [Live 1983] por jamiecat

VANDENBERG

"VANDENBERG"

Seguimos recordando discos que vieron la luz hace 30 años, y hoy le toca al debut de estos holandeses, cuyo guitarrista, luego alcanzaría la fama internacional en las filas de Whitesnake. Allá por el 82, Adrian Vandenberg, sorprendería al respetable con este fantástico disco repleto de temazos de hard rock melódico, que harían las delicias de los fans de Gary Moore, Michael Schenker y demás titanes. Sacaría dos muy buenas continuaciones, como fueron "Heading For A Storm" y "Alibi", aunque mucho más pulidas las aristas, y más comerciales. Por tanto, la crudeza de este disco, le hace sonar más duro y potentorro. Le acompañaban en la banda, el cantante Bert Heerink, con un registro muy similar a un Bruce dickinson o un Sammy Hagar, y que destacaba junto con la guitarra de Vandenberg, a lo largo de todo el disco, el batería Jos Zoomer y el bajista Dick Kemper, y estos cuatro hombres se bastaban y sobraban para que sonasen a gloria temas como la bluesera "Your Love Is In Vain", "Back On My Feet", "Wait", con una bonita intro acústica, el baladón "Burning Heart", la cañera "Ready To You", muy a lo Rainbow, o la pegadiza "Nothing To Lose". Si solo conoces a este holandés por sus andanzas con la Serpiente Blanca, no deberías dejar de dar una oportunidad a esta joya.

WHITESNAKE

"SAINTS & SINNERS"

En el 82, Whitesnake, tras cambios de formación, motivados por problemas entre la banda, incorporaron al tristemente desaparecido guitarrista, Mel Galley, procedente de Trapeze, para sustituir a Bernie Mardsen, y al bajista Colin Hodgkinson y el también desaparecido batería Cozzy Powell, calzando los zapatos de Neil Murray e Ian Paice, respectivamente, publicando el disco con el que servidor les conoció. La perfecta continuación a su anterior "Come And Get It", en la que endurecían ligeramente ese estupendo blues rock marca de la casa, y metían cañonazos como "Young Blood", la trotona "Rough An' Ready", el rockanrollazos del calibre de "Bloody Luxury" o "Rock An' Roll Angels" , "Love An' Affection" junto con temás más blueseros como "Victim Of Love", "Crying In The Rain" o "Dancing Girls", y uno de los baladones por excelencia, como era "Here I Go Again", que, en mi opinión, aquí tiene un feeling, que ni de coña tendría la versión de su época hair metalera. Escuchando este pedazo de obra, al igual que el resto de los discos de su etapa clásica, sigue uno sin entender la amnesia del público hard rockero hacia esta época de la Serpiente Blanca, en la actualidad.

RIOT

"RESTLESS BREED"

Probablemente, una de las bandas con más mala suerte de la historia. En mi opinión, los neoyorkinos nacieron en el lugar equivocado. Con un sonido que les emparentaba más con las bandas de la naciente NWOBHM, que con el hard & heavy americano de por entonces, y con muchos problemas con las discográficas, fallidas elecciones de diseños de portadas, y muchos cambios de formación,, estoy más que seguro que Mark Reale, si hubiera montado su banda en London, hubieran escogido un buen diseño para sus portadas, y alcanzado formaciones más estables, Riot hoy en día, puede que hubieran tenido mucha más suerte de la que han tenido a lo largo de su historia. Si a esto añadimos las tragedias de los fallecimientos de sus cantantes de la época más clásica, como fueron Guy Speranza, y Rhett Forrester, junto a la muerte de su líder,  Mark Reale, este mes pasado,y con él, la banda, lógicamente, el círculo de mala suerte en el que siempre han estado, está completo. Vaya a la memoria de este gran guitarrista, este artículo.

Pues sí, hace 30 años, Riot también editaban un gran disco. Aunque lo tenían crudo para superar su trabajo anterior, "Fire down Under", y encima se había marchado el vocalista, Guy Speranza, Si algo era, aparte de un fantástico músico, el señor Reale, era inasequible al desaliento. Con lo cual, fichó al guaperas Rhett Forrester, y orientó el sonido de la banda, levemente hacia el hard rock de corte yankee, sin perder el filo metalero. Eso se puede apreciar en temas como "Hard Loving Man", "Restless Breed", la bluesera "Loved By You", con harmónica incluída, "Over To You" o "Dream Away",  temas todos ellos, de notable factura, como los  cañonazos que recordaban a sus anteriores discos y que se llamaban  "C.I.A.", "Loanshark", que me recuerda a los Scorpions setenteros, y la rápida "Violent Crimes". El lote lo completaba una buena versión del "When I Was Young" de Eric Burdon & The Animals, y una pedazo de balada, llamada "Showdown". Un disco que muy poca gente reivindica, y que a mí me parece perfecto.

URIAH HEEP

"ABOMINOG"

No me acuerdo de qué miembro de Sepultura, dijo una vez, que una de sus grandes decepciones, fue comprarse este disco, motivado por la portada, y descubrir que lo que se escuchaba, no tenía nada que ver con lo que se podía esperar uno, ante tal ilustración. Bueno, eso, y que la banda se decantó por una música orientada hacia el AOR, fue uno de los puntos por los que, tanto los metaleros más jóvenes de entonces, que estaban enganchados en Europa por la NWOBHM, como los más veteranos fans de la banda, no hicieron demasiado caso, que digamos a "Abominog". Y es una gran injusticia, porque este disco, ha ganado con los años. La banda dio un paso arriesgado y colosal, al adaptarse a los tiempos, con una maestría, que pocos tuvieron. El disco mantiene un equilibrio perfecto entre los Heep clásicos, algo más metálicos, y sonidos más comerciales. De ahí que el disco tenga temazos totalmente incendiarios como "Too Scared To Run", "Sell Your Soul", con unos coros iniciales 100% Uriah Heep, joyas hard rockeras del calibre de "That's The Way, That It Is", "Running all Night (With The Lion)", o "Hot Persuasion", baladones de la categoría de "Prisioner", y grandes temas de AOR para sonar en la radio, y competir con Foreigner o Journey, como eran "Think It Over", "Chasing Shadows", "Hot Night In a Cold Town", o su estupenda versión de la bailable "On The Rebound" de Russ Ballard. Todos ellos, sin perder esos teclados y coros, tan característicos de los británicos.Si en su momento no le diste la oportunidad, deberías de dársela.

MOTÖRHEAD

"IRON FIST"

Muy jodido lo tuvieron los Motor, en el 82, para sacar algo que superase el listón de todo un "Ace Of Spades" y uno de los discos directos más brutales de la historia, como era "No Sleep 'Til Hammersmith". quizás fuera ese el motivo por el que mucha gente considera el disco que nos ocupa, como el más flojo que grabase la formación clásica de la banda. Aparte de los crecientes problemas que había entre "Fast" Eddie Clarke y Lemmy, que influyeran en la composición de los temas, que adolece de algo de linealidad en el conjunto del disco. ¿Es por esto "Iron Fist" un mal disco? Pues creo que no. Cierto que no llega al nivel de "Ace Of Spades", pero cañonazos como "Iron Fist", "Heart Of Stone", mi favorita, que se llama "Go To Hell", "Sex & Outrage o "Speed Freak", bien que justifican el disco. Por otro lado, el rock&roll de "I'm The Doctor", "Loser", "Shut It Down", que recuerda horrores al "Talking Head" que venía en el "Bomber, (Con't Let 'Em) "Grind Ya Down", su himno antireligioso, "(Don't Need ) Religion", o "Bang To Rights", sin ser la repera, también son temas bastante majos y resultones. Eso sí, "America" es con diferencia, para mi gusto, lo más flojo de ellos. Vamos, que ni la hostia en verso, ni tan malo como lo pintan.

SCORPIONS

"BLACKOUT"

1982 fue el año en el que otros germanos dieron en salto al mainstream, sonando en todas partes con este gran disco. Aquí, las guitarras de Matthias Jabs, cobran más protagonismo que en los dos discos anteriores, "Lovedrive" y "Animal Magnetism", y Rudofph Schenker se sale con unas rítmicas potentes, creando unos riffs sólidos como piedras, al igual que la sección rítmica, a cargo de Francis Buchholz y Herman Rarebell. Eso por no hablar de la increíble voz de Klaus Meine. Con este trabajo el ansiado mercado americano calló a sus pies, y fue el disco por el que en Spain se dieron a conocer mayoritariamente entre los de mi quinta. Y es que, era imposible resistirse a cañonazos como el que da título al disco, "Can't Live Without You", "Now", "Dynamite", medios tiempos pegadizos como el chicle y molones del tipo "Arizona", y power ballads para acaparar nuevos públicos y a público femenino, bastante efectivas, y que se convertirían en una de sus señas de identidad en su nueva época, como serían "No One Like You", "You Give Me All I Need" o "When The Smoke Is Going Down", y hasta un tema super pesado, casi sabático, llamado "China White", que pocas veces es recordado, y merece serlo. Siempre preferí la época setentera de ellos, e incluso me gusta mucho más "Lovedrive". Hasta llegué a aborrecerles durante un tiempo, cuando todo dios daba el coñazo con las baladas, pero negar la calidad y la importancia que tuvo este disco en su momento, sería de ignorancia supina. "Blackout" es el equilibrio perfecto entre fuerza y comercialidad, y uno de los discos fundamentales para entender el heavy metal de los 80, en mi opinión.

ACCEPT

"RESTLESS AND WILD"

Otro de los lanzamientos de la cosecha del 82, que hicieron que muchos críos de por entonces, entregásemos nuestros tímpanos a los dioses del rock&roll. Este disco nos dio a conocer a una de las mejores bandas que ha dado Alemania, en un rollo más metalero que Scorpions, y con muchos puntos en común con Judas Priest. "Fast As A Shark" que era el tema con el que abrían el álbum, no dejaba a nadie indiferente, con su rapidez y fiereza, y ese pequeño homenaje a Lemmy, en la manera de cantar Udo la primera estrofa. Desde luego, hacía justicia al título. Rápida y brutal con un pedazo de punteo en plan Rainbow/Judas Priest, que quitaba el hipo. Uno de esos temas que se escucharán forever and ever en todo antro rockero que se precie. Al igual que el tema trotón que daba título al disco. Una colección de cañonazos en los que no hay una puta canción mala, y todos son crudos y brutos hasta en el título. Vamos, el disco que nunca atraería a los fans de Mecano. En posteriores entregas, como serían "Balls To The Wall" o "Metal Heart" pulieron algo más las aristas, pero la crudeza de "Restles And Wild" es uno de los puntos que hacen atractivo al disco, si encima lo escuchas siendo un chaval por aquellos años. "Ahead Of The Pack" es otro tema muy Judas, con unos coros adictivos. Lo mismo pasa con "Shake Your Heads", un medio tiempo machacón como pocos, con la voz de Udo(una de esas que o te gustan de primeras, o lo odias, con ese parecido a Brian Johnson que siempre ha tenido), en primerísimo plano, y otros coros en plan himno para alzar el puño en los conciertos como un poseso. "Neon Nights" era similar a la anterior, aunque tenía una parte más melódica que le daba su toquecillo de variedad a la cosa. Incluso cantaba Udo en otro registro, sorprendiendo al personal. La caña volvía con "Get Ready", "Demon's Night", "Flash Rockin' Man", cuyo riff  inicial era muy similar al de "Swords And Tequila" de los Riot, o al que más tarde meterían Maiden en "Two Minutes To Midnight", "Don't Go Stealin' My soul Away" y otro tema que pasaría a englosar su repertorio de clásicos en directo, por lo pegadizo y machacón, que no es otro que "Princess Of The Dawn". Todos temazos de diez.

JUDAS PRIEST

"SCREAMING FOR VENGEANCE"

Si los de Birmingham habían intentado triunfar a lo grande en el mercado USA (aunque ya contaban con una gran base de fans por allí, gracias a sus visitas en giras como la de "Killing Machine") con su aproximación al rollo más comercialote con el anterior disco, el "Point Of Entry", irónicamente lo consiguieron de lleno con esta vuelta al heavy metal británico, que grabasen en el 82. "Screaming For Vengeance", fue el disco con el que consiguieron triunfar por esas tierras con todas las de la ley, como se puede comprobar en el DVD de la gira, rodado en el Mid South Coliseum de Memphis, en el que se ve a unos Priest pletóricos. Todo un icono del heavy metal de esa época, el vídeo. Y es que, "Screaming..." era una obra de artesanía metálica de principio a fin. Al igual que "British Steel", este disco es otra perfecta colección de cañonazos, en los que se aúna fuerza, energía y melodía y comercialidad a partes iguales. Un disco que debería de escuchar todo aquel que quiera aprender cómo hacer temazos de heavy metal. Solo la intro de "The Hellion", seguida por la futurista "Electric Eye", ya demuestra cómo debe de empezar un disco en condiciones. Pero es que, la entrada de batería que da comienzo a "Riding On The Wind" es otra muestra de lo que nos vamos a encontrar.  Luego sigue "Bloodstone", un medio tiempo aplastante con unas melodías de guitarra de quitarse el sombrero. " "(Take These) Chains" tampoco es manca, con comienzo lento y arranque cañero y comercial a la vez, en la que Halford canta de manera soberbia, y las guitarras de Tipton y Downing vuelven a brillar, como a lo largo de todo el disco, todo hay que decirlo. Ahondando en esa comercialidad está la siguiente, "Pain And Pleasure", otro gran tema para la saca. "Screaming For Vengeance" es el tema más rápido del disco. Todo un puñetazo al estómago con Halford desgañitándose en el estribillo de manera brutal. Es continuadora de "Exciter" y precedente de "Freewheel Burning", de su siguiente trabajo, el "Defenders Of The Faith". Luego vendría uno de sus himnos, que hasta día de hoy, la banda sigue interpretando en directo, que no es otro que "You've Got Another Thing comin'". La perfecta muestra de que se puede hacer un temazo más heavy que el viento, y a la vez comercialote, rítmico y pegajoso como pocos. Uno de sus grandes hits. La rareza del disco se llama "Fever", un temazo en el que casi nadie repara y de los menos nombrados, pero que a mí me ha fascinado siempre, ese rollete que tiene con la voz de Halford en plan misterioso y esas guitarras. Un medio tiempo que mola dos huevos y medio, para un servidor. Y cerrando, otro de sus cañonazos, que se llama "Devil's Child". Uno de los discos más grandes del Sacerdote, y de la historia del heavy metal, que sería continuado por otra obra igual de magistral, llamada "Defenders Of The Faith". Pero eso es otra historia.

Y&T

"BLACK TIGER"

Otra de las gemas rockeras que se grabaron en el año de gracia del 82. Una de las tres piedras angulares de la discografía de los californianos, y el disco con el que alcanzaron la fama definitiva. Si bien su predecesor, el fantástico "Heartshaker" era más duro y crudo, "Black Tiger" nos muestra un aspecto más melódico y comercial que se acentuaría en el siguiente, el no menos brillante "Mean Streak". Pero eso no quita para que este disco tuviera sus buenos cañonazos, como eran dos temas que se convertirían en dos de sus himnos emblemáticos por excelencia, y ambos acompañados por esa preciosa intro de guitarra, llamada "From The Moon". Por supuesto, ya sabéis que hablo de "Open Fire" y "Forever". Dos temas que ya valen por toda la obra. Melódicos, heavies hasta el tuétano y acojonantemente buenos. Fue tal el éxito que alcanzaron, que durante mucho tiempo llegué a estar harto de escuchar "Forever" en todo garito metalero que se preciara. ¡Y ya es difícil acabar harto de semejante temazo! Pero la cosa no quedaba solo en estos dos temas. El tema que daba título al disco también era otra buena muestra de heavy metal yankee del bueno. "Don't Wanna Lose" era un tema más orientado al AOR, sin llegar a serlo de lleno, que sonaba muy bien, y daba cierto respiro tras el ataque inicial de "Open Fire", así como "Hell Or High Water", tema resultón con sus estribillos y su precioso solo cortesía de Meniketti, que en todo el disco estaba pletórico, como era costumbre. "Barroom Boogie" era eso. Un boogie metalizado en el que destacaba el bajo del fallecido Kennemore (desde aquí va dedicado este artículo, por cierto. Ya hace un año). Brillante tema. La bluesera "My Way Or The Highway", también daba protagonismo al bajo, y a la batería de Leonard Haze. Con unos coros pegadizos cual chicle. Y, cerrando el disco, una balada de las más bellas que se hayan escuchado, que no es otra que "Winds On Change", en la que Meniketti nos demuestra lo que es cantar con feeling de verdad. Con este disco muchos descubrimos a una de las mejores y más infravaloradas bandas del hard rock americano. Así de simple.

IRON MAIDEN

"THE NUMBER OF THE BEAST"

Seguimos recordando los discos que se publicaron hace 30 años, y hoy le toca a un clásico por excelencia del heavy metal. El disco que sirvió para consagrar definitivamente a Maiden, y que les hizo dar el salto de pasar de integrar un movimiento como la NWOBHM,  a convertirse en una referencia y un clásico fundamental del heavy metal ochentero y una referencia clave en el rock en general.
Y esque, "The Number Of The Beast", lo tenía todo. Un cantante mucho más profesional y técnico como era Bruce Dickinson (sin menospreciar a Paul Dianno, que dio un toque callejero y hasta punk a sus dos anteriores discos, "Iron Maiden" y el grandísimo "Killers", que les vino muy bien en su momento), que además aportaba unas letras la mar de buenas, y una colección de temazos, en los que no hay ni uno solo de relleno. "Invaders" es un cañonazo como pocos, "Children Of The Damned", inspirado en la peli de ciencia ficción de mismo título, es acojonantemente épica, la intro de "The Prisioner", era a su vez la introducción de la serie de tv que inspiraba la canción, escuchándose en la misma al actor de la serie, Patrick McGoohan. Charlotte la prostituta, vuelve a aparecer por aquí en el tema "22 Acacia Avenue", y otro actor, el fallecido Barry Clayton, prestaría su voz para la intro del tema que da título al disco. Una historieta de terror de serie B, que por supuesto escandalizaría a algunos memos ultracristianos en América. Bruce utiliza sus conocimientos de historia, para hablar sobre el genocidio de los nativos americanos en la brillante "Run To The Hills", con ese bajo trotón y ese estribillo tan pegadizo, La entrada de batería de "Gangland", nos recuerda por qué nos gustaba tanto el toque que le daba Clive Burr a los tambores, y es otro de los temas más cañeros del disco, un trallazo directo a los huevos. Y el tema que cerraba el disco, lo hacía con una brillantez absoluta. "Hallowed Be Thy Name" una triste reflexión de un hombre que va a ser ejecutado, un temazo épico , y una de las mejores canciones de la historia de la banda. Uno de esos temas que siempre se escucharán. Bueno, todo el disco es así. Y con el paso de los años, sigue escuchándose de un tirón y dejando al oyente con ganas de más. Lo puedo atestiguar ahora, que estoy escuchándolo mientras escribo estas líneas. Una obra maestra. Si para muchos chavales yankees de aquellos años, el "Shout At The Devil" fue su "Sgt. Peppers", para muchos chavales europeos, el equivalente fue "The Number Of The Beast".

AEROSMITH

"ROCK IN A HARD PLACE"

Este es el primer disco que voy a recordar, de la serie de lanzamientos que hubo hace 30 años. Buena época para el hard rock y el heavy metal.

Quizás uno de los discos más infravalorados de los de Boston, y era lógico en su momento. La banda no pasaba precisamente por sus mejores momentos a nivel personal. Problemas con las drogas, ya muy salidos de madre, marcha de Joe Perry y Brad Whitford, y los discos anteriores, "Draw The Line" y "Night In The Ruts" pese a ser muy buenos discos, habían bajado un tanto el listón compositivo y no tuvieron tan buena aceptación como su obra definitiva, el "Rocks". Pero con todo, hasta en los peores momentos, Aerosmith eran capaces de sorprender a propios y extraños, y lo hicieron, a pesar de que en su momento el público no acabase de entrarle un sonido más hardrockero, o no aceptasen a sus nuevos miembros, Jimmy Crespo y  Rick Dufay, que, por cierto, realizaron un fantástico trabajo a las guitarras, editando, como he dicho antes, un disco más hardrockero que sus predecesores, con auténticos cañonazos como eran "Jailbait", la macarrónica "Ligthning Strikes", "Bitch's Brew", "Bolivian Ragamuffin'", el boogie "Rock In A Hard Place (Cheshire Cat)", y en plan más tranquilillo, el blues de "Push Comes To Shove", la psicodelia de "Joanie's Butterfly", y la versión del standard de Julie London "Cry Me A River". Lo dicho, un disco a reivindicar, que en su día recibió muchos palos, pero que, sin llegar a las cotas de sus dos grandes obras "Toys In The Attic" y "Rocks", es infinitamente superior a todo lo que han hecho desde que les dio por hacer baladitas para películas de meteoritos.

TONY IOMMI

Malas noticias. Al parecer, al guitarrista y líder de Black Sabbath y creador de los riffs por excelencia del heavy metal, se le ha diagnosticado un cáncer en la sangre. Esperamos que se lo hayan detectado a tiempo y salga de esta.

COMO SIEMPRE POR ESTAS FECHAS

Recordamos a Philip Parris Lynott (20/08/1949 - 04/01/1986)

SUSAN SANTOS & THE PAPA'S RED BAND

EL JUNCO

23/12/11

De casualidad, gracias a Internet, conocí a esta extraordinaria guitarrista extremeña, y de casualidad me enteré que tocaba en este local madrileño. Así que, ante lo bien que sonaban los vídeos que había visto de ella y su banda en Youtube, animé a mi colega Jesus, y allí nos presentamos, presenciando un concierto inolvidable. Nos presentó su nuevo disco, llamado "Shuffle Woman", que alberga temazos como "Black Sunglasses", "Tumbleweed" (en el que colabora Jeff Spinoza, de Red House), "Don't Treat Me Bad" o "Tequila Shot", respaldada por la increíble sección rítmica que forman el bajista David Olivier y el batería David Fernández , y ofreciéndonos una buena muestra de blues, funk y rock a partes iguales. Se nota las tablas y el bagaje de las varias formaciones por las que ha pasado esta mujer, su disco anterior, "Take Me Home", el que estuvo durante un año presentando por todas partes, y en festivales internacionales en los que se ha codeado con figuras de la talla de Joe Bonamassa, Joe Louis Walker o Jimmy Vaughan, entre otros, así como en clubs de Chicago en los que tocó con gente como el armonicista Sugar Blue. Si por ahí fuera tienen a mujeres tan buenas como Ana Popovik, o Joanne Shaw Taylor, aquí tenemos a esta mujer, que no tiene absolutamente nada que envidiarles. Yo que ustedes, no me la perdería, la próxima vez que toque en sus ciudades.





Las fotos que he puesto, son cortesía de mi colega Julián Fuentes.

CELEBREMOS EL DIA DEL SEÑOR...

...Porque el día 24 de diciembre del año de gracia de 1945, nació este hombre:

¡O qué se creían! ¿Que me había vuelto un jodido santurrón? Celebrémoslo con uno de esos temas que uno no se cansa de escuchar. Esa incendiaria versión del "Please Don't Touch" de Johnny Kid & The Pirates, que grabasen los Motorhead junto a Girlschool para el mini Lp "The St. Valentine's Day Massacre".

NO SE ME HA OLVIDADO

Hace 20 años, que tal día como hoy, nos dejaba uno de los frotmen más carismáticos y mejores cantantes que haya dado el rock, y el batería que se ganó el respeto, admiración y cariño de sus fans mientras demostró su talento en Kiss, sustituyendo a Peter Criss. Va por ellos, este pequeño homenaje.

HUELE A CHAMUSQUINA

¿No les parece raro, a ustedes, vosotros, que chiflados de estos que hablan de chemtrails, ovnis y demás gilipolleces, de pronto suelten las verdades del barquero hablando de este tema? ¿no parece un intento de hacer pasar verdades como puños, por cosas poco creíbles, al ponerlas en boca de charlatanes con nula credibilidad?

SAXON

SALA HEINEKEN

13/11/11

Ya son habituales de tocar un día sí y otro también por estas tierras. Pero la verdad es que no se hacen cansinos. De las muchas bandas de su quinta en activo, están en el lado de las que nunca decepcionan, y encima están viviendo un periodo a nivel compositivo, que, de no ser por el factor nostalgia, da como resultado discos que pueden mirarse cara a cara, con sus obras clásicas. Ayer no fue una excepción. Presentándonos su flamante "Call To Arms" Biff y los suyos salieron a matar, con un repertorio de ensueño, en el que defienden a muerte su último disco tocando bastantes temas del mismo, así como joyas de los anteriores, y por supuesto, sus clásicos del calibre de "Strong Arm Of The Law", "747 Strangers In The Night", "Power & The Glory", "Crusader", "Motorcicle Man" o "Princess Of The Night". Biff Byford cantando magistralmente, Doug Scarrat y Paul Quinn tocando como nunca, sobre todo el primero, la batería de Nigel Clocker sonando con una contundencia aplastante, y ese maniaco bajista llamado Nibs Carter dejándonos boquiabiertos. Nunca se cansa uno de verles.

La foto que pongo, es cortesía de mi amiga Marijose. Espero que os guste.

BLACK SABBATH

Como bien ha apuntado un colega en un foro, si alguien busca algún motivo para no tirarse al río con una piedra atada al cuello el día 21, con la hipotética victoria electoral de cierta gentuza, he aquí un motivo. La reunión de la formación clásica de los papis del Heavy Metal. Con que nos brinden una noche tan mágica como aquella que nos brindaron en Donosti hace ya trece años, seré el tío más feliz del puto planeta.

ALICE COOPER & ARTHUR BROWN

No se me ocurre mejor manera de celebrar Halloween en un concierto que viendo a Alice compartiendo escenario con una de sus influencias. El gran Athur Brown y su mítico "Fire", interpretado junto a la actual bandaza de Alicia. Momento grande para quien lo presenciase.

ES SOLO HEAVY METAL, PERO ME GUSTA

RIOT

"INMORTAL SOUL"

Pues eso, parafraseando el viejo título de los Stones, la nueva entrega de la banda de Mark Reale, en la que vuelve la formación que grabó dos discos con los que los neoyorkinos atrajeron nuevo público a sus filas, "Thundersteel" y "Privilege Of Power", es más de lo mismo. Heavy metal muy inspirado en Rainbow, tocado a mucha más velocidad, voces estratosféricas, como acostumbra Tony Moore, y unas melodías clásicas, clásicas, clásicas. Que nadie se espere aquí innovaciones de la leche, incorporación de sonidos novedosos o cualquier otra cosa. Lo que se puede esperar es otro puñado de buenas canciones como son "Echoes", "Riot", temazo de autohomenaje al grupo, tocado a velocidad infrahumana, en el que Moore se desgañita con sus agudos de lo lindo, "Still Your Man" con una entrada de batería increíblemente buena, cortesía de Bobby Jarzombeck, con un rollo muy a lo Schenker en cuanto a la melodía y las rítmicas, "Crawling", en el que afloran las influencias de Rainbow de la era Dio cosa mala, otro cañonazo de velocidad, como es "Wings Are For Angels", un medio tiempo para dar variedad a la cosa, bastante majo, que se llama "Fall Before Me", vuelta a la caña con "Sins Of The Father", muy a lo Judas Priest, el tema que da título al disco, se podría decir que es el tema más comercial del mismo, recordando un poco a los Dokken, "Insanity" es otro tema rápido marca de la casa, al igual que "Whiskey Man", y "Believe" es otro temón en el que se combina con maestría melodía y fuerza.

En definitiva, nada nuevo bajo el sol, unos preferirán una época de la banda, u otra, o todas (en mi caso, todas, pero con preferencia, la etapa clásica con Guy Speranza y posteriormente con Retth Forrester), pero lo que está claro, es que Mark Reale es incapaz de hacer un disco malo, y esto es lo que hay. Si te gusta el heavy metal, te gusta este disco. Si buscas otra cosa, mejor ni lo intentes.

EL DIA EN QUE EL SOUTHERN ROCK SE VISTIÓ DE LUTO

Ayer se cumplieron 34 años del fatídico accidente de avión, en el que perecerían Ronnie Van Zant, Steve Gaines y Cassie Gaines, además de Dan Kilpatrick. Los tres primeros, miembros de Lynyrd Skynyrd, y el cuarto, su road manager. El mundo perdió a uno de los mejores letristas de la historia del rock, y uno de los cantantes más carismáticos del southern rock, además de un gran guitarrista que prometía bastantes cosas. Justo en un momento dulce, en el que acababan de grabar su excelente "Street Survivors", con el que volvían a alcanzar las cotas de calidad de sus dos primeros trabajos, y en medio de una triunfal gira por los States. El resto de la banda acarreó graves secuelas desde entonces, separándose, aunque volviendo a la acción, primero en la forma de la Rossington-Collins Band, y 14 años más tarde, como Lynyrd Skynyrd de nuevo, aunque al principio tuvieran que añadir lo de "91" al nombre, por asuntos legales.Vaya desde aquí este homenaje a los que cayeron.

CINE APAÑOL

Interesante vídeo, en el que este director, cuenta con pelos y señales cómo funciona la corrupción en la industria cinematográfica española, a costa del chollo de las subvenciones. Luego, se quejarán de la piratería, los sinvergüenzas mafiosos de las productoras.

¿REALIDAD, FICCIÓN? QUIÉN SABE

Supongo que todos ustedes han visto el famoso vídeo en el que un supuesto broker suelta abiertamente un montón de perlas acerca de la crisis. Me refiero a este vídeo: Fuera de que sea cierto o un fraude, luego tuvo sus salidas al paso por parte de ciertos personajes Ya pueden decir, el señor Botín, o la señora Salgado, lo que quieran, pero el hecho es que, este tipo dice verdades como puños. Hay quienes se están beneficiando como nunca con esta crisis. Eso es un hecho. Por no hablar del expolio de todos los servicios públicos, en beneficio del sector privado, que está teniendo lugar en muchos sitios, el desmantelamiento del Estado de Bienestar, privatizaciones masivas, etc.
Y, en lo que dice de que Goldman Sachs gobierna hoy en día el mundo, pues hombre, bien cierto es, que los gobiernos de nuestras bonitas democracias occidentales, son totalmente débiles y el poder reside en la gran banca y las multinacionales, a día de hoy. Negar eso es ser muy hipócrita, o muy ingénuo. Y la falta de humanidad, moralidad, principios y cualquier cosa que se le parezca, podría parecer exagerado, pero no lo es si se compara con otros vídeos muy reales, de gentuza de su calaña, hablando ante las cámaras, sobre sus pingües beneficios a costa de la vida humana en las guerras: Que estamos gobernados por delincuentes sin alma que negocian con todo sin importarles un carajo las consecuencias, es algo comprobable al 100%. Lo que molesta de este tipo, es que ha dicho en público, lo que piensan en privado todos estos grandes empresarios, banqueros y políticos serviles a ellos (Hola, señora Salgado), y además, se sienten impunes.

JIMI HENDRIX

41 Años hace hoy que nos dejó el más grande guitarrista de la historia. Sin su aparición sería imposible comprender la evolución de dicho instrumento en el rock y la posterior aparición de otros monstruos que crearon su propio lenguaje, inspirados en el que creo él. Así que, vaya desde aquí este homenaje.

"1916"

No sólo se cumplen este año, 30, de la publicación del clásico por excelencia de Motorhead, "Ace Of Spades", sino que además se cumplen 20, de la publicación de otro disco que sería crucial en la carrera de la banda de Lemmy, y que no es otro que "1916". Tras acabar los 80, con un bajón de popularidad considerable, problemas legales con su anterior compañía, GWR, que básicamente intentó hundirles y generar pérdidas, conchabados con su mánager, Dough Smith, puesto que si la banda no vendía, la compañía obtendría ganancias, al bajar las cargas fiscales (ya ven, estos truquitos los hacían esas mismas compañías que se quejan de la piratería. Motley Crue pasaron por lo mismo), parece ser que los 90 no iban a ser igual, al menos al principio, para Lemmy & Co. En primer lugar contactaron con el capitoste de Atlantic, Phil Carson. Hombre clave en las carreras de bandas como Led Zeppelin, AC/DC, Twisted Sister, Foreigner, o Bad company, entre muchas más, que, una vez resueltos los problemas legales con su antiguo sello, les consiguió contrato para una independiente, ligada a Sony y a Epic, llamada WTG, y la banda se trasladó a Hollywood para empezar a grabar el que sería uno de los discos más variados en su historia, y el disco por el que, definitivamente Motorhead serían aceptados en los USA. Lemmy fijó su residencia ya allí, hasta el día de hoy, lo cual no sentó bien a los fans británicos, algo bastante estúpido, pero el talibanismo es lo que tiene. Y, respecto a lo que parieron Lemmy, Wurzell, Campbell y Taylor, pues en mi opinión, fue una de las mejores colecciones de canciones que jamás hayan grabado.El disco contenía trallazos como "The One To Sing The Blues", "I'm So Bad (Baby I Don't Care), "No Voices In The Sky", "Make My Day" o "Shut You down", que les emparentaban con el sonido clásico del grupo, pero además de esto, también guardaba grandes sorpresas como ese homenaje al rock&roll de Chuck Berry, que se llama "Going To Brazil", y que en la actualidad siguen interpretando en sus shows, rock&roll festivo en "Angel City" con un piano de fondo que le da un aire boogie, una psicodélica "Nightmare/The Dream Time", que no desentonaría en un disco de Hawkwind, la otra banda famosa en la que estuvo nuestro hombre, antes de fundar la Cabeza de Motor, "Love Me Forever", ¡una power-ballad! ¡Y qué balada! acojonante, señores, un homenaje a sus coetáneos de Queens, llamado, obviamente "Ramones", y el tema que da título al disco, en el que Lemmy, rememorando la batalla de Somme de la 1ª Guerra Mundial, nos hace todo un alegato antibélico de los que ponen los pelos de punta, acompañado de violonchelo, y una base de órgano, que interpretaba el productor, Peter Solley. El tema, recuerda a las canciones tradicionales europeas, que seguramente escuchaban los soldados que iban al frente, por lo que te mete en la ambientación en el acto. Quizás muchos fans americanos que no habían tenido la oportunidad de conocer a la banda cuando publicaron allí "Ace Of Spades", con este disco se adentraron en su discografía. Muchos fans veteranos, en cambio, seguro que no vieron con buenos ojos esos cambios, aunque para un servidor fue toda una bocanada de aire fresco, y bueno, si uno analiza la base de sus discos más clásicos, el rock&roll siempre estuvo ahí, por lo que nunca ví el problema. Lo dicho, para quien escribe esto, "1916" es uno de mis discos favoritos de la banda, por arriesgarse a quitarse la etiqueta de "banda que siempre hace lo mismo" y salirles de manera magistral.



1916

16 years old when I went to the war,
To fight for a land fit for heroes,
God on my side, and a gun in my hand,
Chasing my days down to zero,
And I marched and I fought and I bled
And I died & I never did get any older,
But I knew at the time, That a year in the line,
Was a long enough life for a soldier,
We all volunteered,
And we wrote down our names,
And we added two years to our ages,
Eager for life and ahead of the game,
Ready for history's pages,
And we brawled and we fought
And we whored 'til we stood,
Ten thousand shoulder to shoulder,
A thirst for the Hun,(1)
We were food for the gun, and that's
What you are when you're soldiers,
I heard my friend cry,
And he sank to his knees, coughing blood
As he screamed for his mother
And I fell by his side,
And that's how we died,
Clinging like kids to each other,
And I lay in the mud
And the guts and the blood,
And I wept as his body grew colder,
And I called for my mother
And she never came,
Though it wasn't my fault
And I wasn't to blame,
The day not half over
And ten thousand slain, and now (2)
There's nobody remembers our names
And that's how it is for a soldier.


16 años de edad cuando fuí a la guerra
para luchar por una tierra digna para héroes
Dios a mi lado y un fusil en mi mano
Persiguiendo mis días hasta ponerlo a cero
Y marché y luché y sangré
y morí y nunca me hice mayor
Pero en aquel momento sabía, que un año en la línea
era una vida suficientemente larga para un soldado
Todos nos hicimos voluntarios
y anotamos nuestros nombres
y añadimos dos años a nuestra edad
impaciente como modo de vida y en posición ventajosa
Preparados para los libros de historia
y peleamos y luchamos
y nos comprometimos hasta que aguantamos
Diez mil, hombro con hombro
Un anhelo para el boche
presa fácil para el cañón, y es
lo que sois cuando sois soldados
Oí llorar a mi amigo
y se hundió de rodillas escupiendo sangre
mientras gritaba por su madre
y caí a su lado
y así es como murimos
aferrados el uno al otro como niños
y me tumbo en el barro
y las tripas y la sangre
y lloré mientras su cuerpo se enfriaba
y reclamé a mi madre
y nunca vino
aunque no era mi culpa
y yo no era a quien culpar
El día todavía a medio acabar
y diez mil asesinados y ahora
no hay nadie que recuerde nuestros nombres
y así es para un soldado

OTRA BAJA EN NUESTRAS FILAS

Jerry Leiber nos dejó ayer a los 78 años. Junto con Mike Stoller, creó un tándem compositivo, que fue pieza clave en la carrera de artistas como Elvis Presley, Big Mama Thornton, Ben E. King o los Drifters. Se puede decir que Leiber y Stoller ayudaron a crear el rock&roll, y suyas son canciones como "Hound Dog", "Jailhouse Rock", "Stand By Me", o "There Goes My Babe", entre otras muchas. Descanse en paz.

JON LORD

Odio editar una nueva entrada para portar de nuevo malas noticias. Llevamos una racha de mierda últimamente. Esta vez, el teclista de Deep Purple, Paice Ashton, Lord y Whitesnake, nuestro admirado Jon Lord, es el protagonista. Parece ser que se le ha diagnosticado cáncer. Esperando que no sea de los chungos y se recupere bien, les dejo con el mensaje que ha publicaco en su página:


“Me gustaría que todos mis amigos, seguidores, fans y compañeros de viaje sepan que estoy luchando contra el cáncer y por lo tanto, me estaré tomando un descanso mientras me someta al tratamiento y la cura”.

“Seguiré, por supuesto, escribiendo música, — en mi mundo sera parte de la terapia — y espero estar en buena forma el año que viene”.

“Dios os bendiga y nos vemos pronto”.