HEAVEN AND HELL & HEADLESS CROSS

Dos discos que supusieron puntos importantes de inflexión en la banda de Tony Iommi (uno más que otro), y que corrieron distinta suerte en la historia del grupo, cumplen años estos días. Heaven And Hell cumple 34 años, y Headless Cross, 25. Y creo que es justo recordar ambos discos, uno para rememorar la grandeza de la formación post Ozzy, con Dio al frente, y el otro, para reivindicarlo del injusto olvido que tuvo cuando se publicó.

Tras la debacle que sufrieron los de Birmingham tras la gira de "Never Say Die", y los problemas cada vez peores, sobre todo en lo que respecta a Ozzy, de drogas y alcohol, y una crisis a nivel creativo, la formación clásica se va al traste, y Iommi decide fichar a un vocalista con un registro totalmente distinto al del Madman, y revitalizar el sonido. Aparece el exRainbow en escena, que no sólo aporta su increíble voz, sino también gran parte del rollo suyo tan épico y fantástico, que le fue tan de maravilla a la banda de Ritchie Blackmore, e inconscientemente, con la ayuda inestimable de todo un Martin Birch a la producción, graban esta masterpiece, que les mete de lleno en el sonido del heavy metal de los 80, que arrancaba en el mismo año, con la explosión de la NWOBHM. No sólo eso, sino que trallazos como"Neon Knights", "Lady Evil", "Die Young", temas radiables para las emisoras yankees como "Walk Away", un temón cien por cien Sabbath como es "Children Of The Sea", el tema que da título al disco y el otro temazo lento con el que lo cierran, "Lonely Is The Word", consiguen que "Heaven And Hell" fuera en ese momento, el disco más vendido en la historia de la banda, ampliando su público a toda una generación de chavales que estaban creciendo con Iron Maiden y demás grupos más jóvenes, aunque dejasen a otro sector del público que nunca aceptase a estos nuevos Sabbath, y se quedaron con Ozzy, que debutaría en solitario ese mismo año, con otra obra maestra del género, como era "Blizzard Of Ozz". Para los que no tenemos prejuicios con una u otra formación, salimos ganando con dos bandas magníficas editando grandes discos: Black Sabbath por una parte, y Ozzy por la otra.

"Headless Cross", la obra que cumple 25 años, no corrió, a nivel de éxito comercial, la misma suerte que "Heaven And Hell", porque hubo factores externos que no lo permitieron. En primer lugar, la banda, tras la marcha de Dio, había tenido períodos muy inestables en su formación, con la gira de presentación del disco en el que cantaba Ian Gillan, "Born Again", en la que se mostraba una banda en horas muy bajas (pese a todo, con el tiempo "Born Again", ha sido un disco revalorizado por las nuevas generaciones, y reivindicado por muchos fans y bandas posteriores que lo citan como influencia), la publicación de un disco como "Seventh Star", que debía ser un trabajo en solitario de Iommi, pero por imposición de la discográfica, fue publicado bajo el nombre de Black Sabbath, cuando no tiene nada que ver con el sonido clásico de Sabbath, aunque sea un disco enorme, con la voz de un no menos grande Glenn Hughes, y el debut de un gran cantante como es Tony Martin, en un "Eternal Idol", que es un gran disco, aunque pasó muy desapercibido en su momento, debido quizás a que sonaba algo más melódico de lo habitual en ellos, y a que Tony Martin mostraba un registro muy parecido al de Ronnie James Dio, y quizás mucha parte del público viera en ello un intento de imitación (aunque si uno escucha las grabaciones del mismo disco, pero con la voz del fallecido Ray Gillen, llega a la conclusión de que ese era el tipo de cantante que tenía en mente Tony Iommi) Tony Martin tenía, y tiene una gran voz, pero competir con el carisma de un Ozzy o un Dio, ya es harina de otro costal. Encima, su siguiente disco, el que nos ocupa, se publica en el 89, año en el que ya se atisbaba en el horizonte, que el heavy metal clásico, a nivel de popularidad masiva, tenía las horas contadas, en cuanto apareciese una hornada de bandas procedentes de Seattle, y con bandas como Faith No More y Red Hot Chilli Peppers empujando por detrás. No sólo eso, sino que además, "Headless Cross", nos traía de vuelta a los Black Sabbath más clásicos posibles, pero continuando la senda iniciada en "Heaven And Hell". Vamos, un sonido más inspirado en los Sabbath de los ochenta, que en los de los setenta, que son los que todo dios, ya sea por la influencia que han ejercido en todo tipo de estilos posteriores, o por puro snobismo, reivindica. Afortunadamente, el público más fiel a los sonidos de la década que se acababa, y las nuevas generaciones de fans del metal más clásico, han reivindicado este disco, pero en su época, "Headless Cross", no fue uno de los discos más exitosos de la banda. Y es una lástima, porque la formación era de lujo. Acompañando a Iommi y Martin, estaba Geoff Nicholls a los teclados (que colabora con ellos, desde que metiera el bajo en las sesiones de grabación de "Heaven And Hell"), y Cozzy Powell a la batería, además de la colaboración de Brian May, en el solo de la magnífica "When Dead Calls". Del bajo se encargaría un desconocido Laurence Cotte, aunque después entraría Neil Murray, que ya había prestado sus servicios junto a Powell, en Whitesnake. "Headless Cross" nos traía, como he dicho antes, a los Sabbath más clásicos, aunque sonando más a los ochenta, pero con andanadas con ese sonido pesado suyo tan característico, como eran  "Headless Cross", que venía precedida de la intro "The Gates Of Hell", " la tremenda "When Dead Calls", citada anteriormente, y temas muy herederos de la era Dio, aunque algo más "comerciales" si se quiere decir así, como eran "Devil & Daughter", "Kill In The Spirit World", con una melodía inicial que rozaba el AOR de manera muy curiosa (no es de extrañar que Tony Martin colaborase en el proyecto de Phenomena), pero mantenía los riffs característicos de Iommi, con una preciosa melodía en el solo, y todo esto, de la melodía AORera inicial, pero seguida del típico sonido sabbáthico, se repetía en la siguiente, en "Call Of The Wild", la más movida "Black Moon", que siempre me ha sonado a una especie de Whitesnake meets Black Sabbath, pero que mola y queda curiosa, y el tema final, "Nightwing", que era 100% Black Sabbath. Lo dicho, un disco a reivindicar, que mereció mucha más suerte.

SOBRE RIDÍCULOS DE LA PRENSA, SEPARACIONES, RETIROS, Y DEMÁS HISTORIAS

Qué os voy a contar que no sepáis, a estas alturas, sobre el culebrón concerniente a AC/DC, que ha habido en la prensa, y de seguido, en las redes sociales, a propósito de los problemas de salud de su cofundador, Malcolm Young, y la noticia que dieron sin contrastar, haciendo el más espantoso de los ridículos, la prensa, con lo de la separación de la banda, el comunicado de los australianos, diciendo que nones, que no se separan, las especulaciones sobre la enfermedad de Malcolm, etc. En las redes sociales, por supuesto, se ha dicho de todo, y respecto a si deberían seguir en activo sin su guitarrista rítmico de toda la vida, hay por supuesto, opiniones a favor y en contra.

En primer lugar, pienso que nadie es quién para dirigir las carreras de los grupos. Si esta banda va a seguir o no, sin el hombre que ha dirigido los hilos en la misma durante cuarenta años, es algo que no está en la mano de nadie, sino en la de ellos, y además, conociendo la forma de ser y pensar de Malcolm Young, seguro que él mismo es el que ha decidido que así sea, como cuando a finales de los 80, fue sustituído en una gira, por un sobrino, debido a sus problemas con la bebida. Culpar al money de que la banda decida girar o editar un disco sin él, es a todas luces ridículo. Los miembros de AC/DC tienen pasta para vivir tranquilos el resto de sus días. Las bandas de este tipo, ya no hacen esto exclusivamente por pasta. Lo hacen porque les gusta subirse a un escenario y sentir el calor del público. Esto es así. A estos tíos, cualquiera que vea un vídeo de alguna de sus recientes giras, se les ve que disfrutan encima del escenario. No es como trabajar en una sucursal bancaria lo suyo. Y además, ofrecen un gran show. Dudo que alguien que asistiera a las giras de "Ballbreaker", "Stiff  Upper Lip" o "Black Ice", saliera decepcionado, salvo si era un advenedizo. Que unos tíos de su edad den tanto en directo, y lo digo, porque estuve viendo esas giras, es algo que no tiene precio. Si saliste decepcionado, no es que nunca te hayan gustado AC/DC, es que tienes la sangre de horchata, y nunca te ha gustado el rock&roll. Es así de simple. Para mí, hagan lo que hagan, será respetable. Tanto si montan una gira de despedida, conmemorando sus 40 años, sin Malcolm, como si se esperan a que se recupere, y la hacen con él, como si se separan. Las bandas de la categoría de ellos, ya están por encima del bien y del mal, y ya han demostrado todo lo que tenían que demostrar. No tienen más que demostrar, salvo seguir alegrando la vida a sus fans en sus conciertos. Me hacía daño a la vista, leer comentarios de listillos pidiendo que se separasen, o el típico sabihondo con la historia manida de "son la banda más sobrevalorada, bla, bla, bla". Vamos a ver, a este tipo de pepinos, habría que decirles que nadie les obliga a pagar un ticket por ver a AC/DC, ni a comprar sus discos. Vive y deja vivir, que se dice. Yo también podría pedir la separación de otras bandas que están en mucha peor forma que los australianos, pero oye, hay un público que les sigue disfrutando, así que, con no ir a sus conciertos, me vale. Y los de "la banda más sobrevalorada", bueno. Este término, muchas veces se emplea mal, y cuando lo decimos, en realidad, lo que queremos decir, es que tal banda gusta a mucha gente, pero a mí no. De hecho, no creo que ningún fan de AC/DC, se atreva a decir que musicalmente son la quintaesencia de la partitura, y su bajista está a la altura de Jaco Pastorious. No. Los fans de AC/DC saben que lo suyo es rock&roll sencillo y directo, con base de blues, y mucha actitud y energía. Esas son sus virtudes, y en eso no hay sobrevaloración que valga. De hecho, muchos virtuosos, ya quisieran transmitir esa actitud, y componer temas tan redondos, que ahí está la magia del asunto.

En fin, espero que Malcolm se recupere, y deseo volver a ver una gira mastodóntica de una de las mejores bandas de rock&roll de la historia, en la que poder cantar a pleno pulmón todos sus himnos, porque el día que nos falten todos estos grupos, la cosa va a estar muy muy triste.

RUSH

"GRACE UNDER PRESSURE"

El pasado día 12, se cumplían 30 años de la edición del segundo disco del periodo en el que Rush se metían de lleno en los sintetizadores, y sus influencias de bandas como Police, y de la New Wave, cosa que empezaron en el disco anterior, "Signals", aunque sus flirteos con los sintetizadores, la banda de Sting, y la New Wave, arrancasen cuatro años atrás, concretamente, en la época de "Permanent Waves", cuando el trío canadiense, sin perder su sonido (eso nunca lo han hecho. Como todas las buenas bandas, Rush, hagan lo que hagan, lo hacen con la suficiente gracia, como para seguir sonando a ellos, a Rush), decidió dejarse de temas progresivos y largos, y centrarse más en temas más directos y cortos, incorporando las influencias de lo que escuchaban en aquellos años, llegando a su cima a nivel de popularidad y éxito, tanto comercial como creativo de ese período, con "Moving Pictures". Pero, como decía, a partir de "Signals", se adentran de lleno en nuevos parajes sonoros que ya se intuían, y con el disco que nos ocupa, se consagra este matrimonio de Rush con el synth pop, creando una obra maestra, que haría que en países como el nuestro, en el que nunca fueron muy conocidos, que digamos, llegue a verse en nuestras queridas televisiones, el clip de uno de los temas que escogen de single: "Distant Early Warning". La temática de las letras, como siempre, obra del batería, Neil Peart, estaba muy marcada por la situación del momento, con la guerra fría de por medio, como se podía ver en el tema antes mencionado,En el que el bajo de Lee, deja patente la influencia del reggae, mientras nos hablan sobre el peligro nuclear, o la canción "Red Lenses", sobre el comunismo, desde la perspectiva del lado capitalista, claro. También Geddy Lee reflejaba lo que sufrió su madre, aunque con el mensaje de mantener la esperanza de la liberación, cuando fue prisionera en un campo de exterminio nazi, en "Red Sector A". En "Afterimage", se hablaba sobre la pérdida de un ser querido, sugiriendo que la vida debe continuar, e iba dedicada a la memoria del ingeniero de sonido Robbie Whelan, que participó en la grabación del disco, pero no pudo verlo acabado, porque falleció en un accidente. Tema profético además, puesto que años más tarde, Peart tuvo que afrontar en poco tiempo las pérdidas de su hija y de su esposa. Atentos a cómo suenan los teclados, con qué elegancia, y con qué brillantez suena la guitarra de Alex Lifeson, en este tema. Pocas bandas pertenecientes al hard rock, han metido sintetizadores de esta manera tan brillante. En "The Enemy Whitin" se completa la trilogía "Fear", que empezase en "Signals" con la canción "The Weapon", y siguiese en "Moving Pictures" con "Wicht Hunt", cuyo eje temático era la lucha del ser humano contra sus miedos y pasiones. en este tema, aparece el Ska como referencia sónica, y se luce Neil Peart con la batería. La temática de ciencia ficción, tan del agrado de Peart, está presente en la tremendamente ochentera (y quizás uno de los mejores temas que hayan compuesto jamás, independientemente de las épocas estilísticas de la banda) "The Body Electric", en la que cuentan la decepción que sufre un androide, cuando, al descubrir que tiene sentimientos como los humanos, se da cuenta que no es más que un esclavo de ellos, y se da a la fuga, para intentar vivir una vida normal. Rush en América, eran muy populares entre los típicos chavales que no acababan de integrarse en la high school, vamos, los nerds como llaman por allí, a los que no son populares, porque empatizaban mucho con ellos, con canciones como "Subdivisions" del album "Signals". Pues bien, aquí, el tema encargado de esto es "Kid Gloves", en el que reflejan el drama del niño que crece a base de lecciones duras en la vida. Instrumentalmente, uno de los temas más ricos en matices y virtuosismo, del disco, para un servidor. Es el tema que más nos trae a los Rush progresivos del pasado. Cerraba el disco, el medio tiempo "Between The Wheels", en el que nos cuentan las reflexiones de una persona que se da cuenta de que va envejeciendo, y no puede hacer nada para detener el tiempo, así que tiene que conformarse con conservar los recuerdos del pasado.Otro temón para la colección, que cierra el disco dejando buen sabor de boca.

Recuerdo que entre el público metalero hispano, entre el cual, los canadienses nunca fueron demasiado populares, en su época, muchos no supieron entender la evolución de la banda, y les pusieron a caer de un burro, por ese sonido tan ochentero, y sus cambios de look (curiosamente, cuando muchas bandas de hard rock y metal, se "aorizaron" y se volvieron ridículas hasta decir basta, muchos que ponían verdes a Rush, aplaudían a rabiar a éstas). Pero si uno escucha este trabajo sin prejuicios, cae en la cuenta de que está ante una jodida obra maestra, que influenció trabajos posteriores, no sólo de otras bandas del metal, o el rock progresivo, sino hasta del mismo pop que les influenció a ellos en ese momento. Y no digo nombres. Eso tienen que adivinarlo ustedes, dando una oportunidad a "Grace Under Pressure".

JAVIER MIRA

"COVERDOSE"

Todo un superviviente del Rock&roll patrio en toda regla, Javier Mira, curtido en miles de batallas, desde Tritón, pasando por Géiser, Algo Salvaje, o Punto de Mira, se autoeditó el año pasado este formidable disco de versiones, en el que llama la atención, entre otras cosas, la selección de las mismas, que es enormemente variada, saliéndose de los temas típicos a versionear, y del propio hard rock en el que siempre se ha movido, sorprendiéndonos con un gran nivel, tanto de él a la guitarra, como de quienes les acompañan. Y es que, hay que tener mucha valentía para atreverse a versionear temazos como "Soldier Of Fortune" de Deep Purple (increíble la voz de Amadeo Digón), "Ain't Talkin' About Love" de Van Halen (también acojonante Víctor Álvarez), o "The Loner" de Gary Moore, y tener mucho talento, para salir con sobresaliente de la experiencia, porque siempre te van a comparar con los creadores de tan brutales piezas. Y todo esto lo consigue el amigo Mira. Si luego le añades eso, el no ir a lo fácil, y no versionar temas previsibles de versionar, salvo acaso el "Tush" de ZZTop quizás, como es un impresionante cover de "Still Got This Thing For You" de la canadiense Alannah Miles, con la gran voz de Gaby De Val que abre el disco, el megahit de otro canadiense como Bryan Adams, "It's Only Love", "Dreams In The Dark" de los nunca suficientemente valorados Badlands, el megaclásico de los Guess Who, "American Woman", la endurecida para la ocasión "The Look" de Roxette y el hit de Gotthard "Anytime Anywhere", pues eso, que ha sido original a la hora de escoger los temas, y todos suenan de maravilla, con las voces de Juan Olmos y Paco Santolaya, que tampoco hay que olvidarse de la labor que hacen. si aún no has descubierto a este hombre, este disco es ideal para ello.

"LONG COLD WINTER"

Hace 26 años que esta banda de Filadelfia grabase su segundo disco, tras su exitoso debut del 86, "Night Songs", en el que sorprendieron a todo el mundo con su estilo influenciado por Aerosmith y AC/DC. Aunque injustamente metidos, a mi modo de ver, en el saco de lo que luego se ha dado en llamar hair metal, más que nada por su imagen, ya en su primer disco, se podían intuír unas influencias más blues, que no tardarían en brillar más en este trabajo del que hablamos, en el que ahondarían más en ellas, como se podía apreciar en el tema que lo abría, "Bad Seamstress Blues /Fallin' Apart At The Seams", con su acústica, su armónica y su pedal steel, todo cortesía de Keifer, que llevaba ecos de los Whitesnake clásicos, o unos Lynyrd Skynyrd, banda esta última, de la que Tom Keifer es un declarado fan, o el pedazo de blues que daba título al disco, en el que Keifer canta con un feeling increíble. Por supuesto, no faltaban cañonazos hard rockeros destinados a convertirse en hits comerciales como era la pegadiza "Gipsy Road", "The Last Mile", ésta con un cierto toque sureño, "Fire And Ice", la cañera "Second Wind", en la que siguen patentes sus influencias de Aerosmith, al igual que en la balada "Don't Know What You Got (Till It's Gone)", "If You don't Like It", una balada en las que se nota la influencia también del southern rock como es "Coming Home", que anticipa por dónde iban a ir los tiros en su siguiente obra, "Heartbreak Station", como también se puede detectar esa influencia sureña, junto a la querencia por los Stones, en la canción que cierra el disco, "Take Me Back". Lo dicho. Un gran disco que muestra la evolución de una banda, que empezaba a quitarse el estigma de hair metalera, a pesar de que muchos fans más rockeros no les tomasen en su momento en serio, debido a esa etiqueta, y otros fans, se sintieran un tanto decepcionados, porque esperasen una continuación de "Night Songs". Si eres de los que no le dieron una oportunidad, ya estás tardando.

"LOVE AT FIRST STING"

Aprovechando la reciente visita de los alemanes a tierras hispanas, con motivo de la gira de despedida (bueno, de hasta luego, más bien), y que el 27 de este mes se cumplen 30 años de la edición del que fuera el noveno disco de Meine & Co. pasamos a comentar lo que supuso semejante lanzamiento, en el que Scorpions ahondaban más en la vena comercial que ya probasen con su antecesor, "Blackout", con el objetivo de dar el pelotazo definitivo en los USA. Y vaya si lo consiguieron. "Love At First Sting", fue su disco más exitoso en la tierra del dólar, llegando al número 6 en el Billboard, y siendo triple disco de platino al año siguiente.

Como dato curioso, hay que añadir que por aquella época, Herman Rarebell y Francis Buchhold, estaban hasta arriba con sus problemas con las drogas, y sus partes fueron grabadas por el ex Rainbow y Black Sabbath, Bobby Rondineli, y el exRainbow y Dio, Jimmy Bain, respectivamente, e incluso en las demos, se encargó del bajo el exWhitesnake, Gary Moore y black Sabbath,  Neil Murray.

Una de las cosas que llamaban la atención, era la portada. La más elegante que adornara un disco de la banda hasta entonces. Aquí no había niñas en pelotas con sangre, ni perros que pareciera que fueran a hacer mamadas, ni dibujos cutrazos. La foto del rockero tatuando el muslámen de la modelo, fue obra de Helmut Newton, y con todo, en la América puritana de los 80, tuvo sus líos de censura. No te digo nada, si llegan a ver la portada de "Virgin Killers".

Y, ¿qué fue lo que hizo de este trabajo, el más exitoso de la banda? Pues una colección de singles hechos para sonar en toda emisora disponible, de principio a fin, sin un solo relleno. Desde que empieza con "Bad Boys Running Wild", sigue con el potente riff de "Rock You Like A Hurricane", "I'm Leaving You", "Big City Nights", "As Soon As The Good Times Roll", y la balada por excelencia desde entonces, de la banda, "Love At First Sting", está claro que todos estos temas ya les van a acompañar en sus directos, y van a sonar en todas toditas las radios yankees, porque son comerciales hasta decir basta, y con mucha fuerza. Y, para el sector rockero, al que le empezase a tirar para atrás la conversión al mercado USA que estaban llevando, pues también tenían sus temas rockeros, como era "Coming Home", que a pesar de ese comienzo lento, cambiaba para convertirse en un potente rock&roll,  "The Same Thrill", que era el tema más cañero y rápido del disco, y la épica "Crossfire".

Presentando este disco, vinieron por segunda vez a Spain, y fue mi primera experiencia Scorpions. A pesar del bochornoso espectáculo de varios garrulos del público jodiendo la actuación de Joan Jett & The Blackhearts, que abrían para ellos, realizaron un gran show, aunque quizás demasiado calculado todo, si luego uno veía vídeos de otros conciertos, y veía que eran totalmente mecánicos, repitiendo movimiento por movimiento en cada uno de ellos. Luego, hubo un tiempo en que era un coñazo contínuo, cuando el pijerío español se dio cuenta de las baladas tan majas que hacía esta gente, y tenías Scorpions hasta en la sopa. Pero con la perspectiva del tiempo, aun siendo servidor más fan de "Blackout" y "Lovedrive", hay que reconocer que "Love At First Sting" es un gran disco de principio a fin.

BRYAN ADAMS

"RECKLESS"

Quizás a las nuevas generaciones, les parezca mentira, que antes de que los canadienses tuvieran que pedir perdón por la existencia de Adams, en la peli de "South Park", este natural de Kingston (Ontario) rockeaba, y no saben ustedes cómo. Si con su tercer álbum, "Cuts Like A Knife", ya había cosechado bastante éxito, con temazos de la calidad de "Straight From The Heart", "This Time", o el que daba título a la obra, sería al año siguiente, en el 84, cuando el rockero canadiense alcanzase la cima con este "Reckless".

Este disco tenía todos los números para triunfar y convertirse en toda una obra maestra del hard rock más comercial y melódico, con temas destinados a convertirse en clásicos del estilo y puros singles en potencia. Ni uno sólo tiene desperdicio. Desde la marchosa "One Night Love Affair", que lo abría, siguiendo con el riff rockero con el que iniciaba "She's Only Happy When She's Dancing", pasando por el que sería uno de los singles que tocaría en directo hasta la saciedad, como era "Run To You", el baladón por excelencia que era "Heaven", que pasaría a la historia de las powerballads ochenteras, junto al "Still Loving You" de los Scorpions , y temas similares, el medio tiempo de "Somebody" con ese groove funk bailable, otro riff rockerazo para la colección de otro tema inmortal desde el momento de su aparición, como era "Summer Of  '69", que quien no lo oyese/cantase/bailase en su época, es que no vivía en este planeta, el potente rock&roll llamado "Kids Wanna Rock", uno de los temas más duros del disco, que entra como un cañón en los oídos, al que seguía la tremenda "It's Only Love", con un espectacular dueto entre Adams y una no menos acojonante Tina Turner, que literalmente, se sale. Toda una lección de melodía, comercialidad, pero a la vez fuerza a raudales. Luego seguía  la cosa con el boogie de "Long Gone", algo más discreta que todos los temazos comentados anteriormente, pero que tenía su rollete,  con esa cadencia bluesera y la armónica sonando,  y el disco acababa con otro rock&roll como era "Ain't Gonna Cry", dejando un muy buen sabor de boca en el oyente.

En definitiva, uno de los mejores discos del hard rock, melódico, AOR, o como queráis llamarlo, y un trabajo que ni el mismo autor consiguió superar, a pesar de que su siguiente obra, "Into The Fire" es también muy recomendable. Nunca volvió a hacer nada igual este hombre.

W.O.W.

En el 84, dos años desde que Wendy O' Williams grabase junto a sus Plasmatics, el extraordinario "Coup D'etat", toda una muestra de punk metal, abrasivo e incendiario, la reina del shock rock, juntaría fuerzas junto a Gene Simmons como productor, para grabar y publicar su primera obra en solitario, en la que se inclinaría hacia el hard rock, grabando esta obra, que es prácticamente, un disco no reconocido de Kiss, pero con Wendy a la voz.

Porque, en "W.O.W", prácticamente, estaban todos los Kiss al completo. Desde la labor compositiva de Gene Simmons, que compuso 5 de las canciones, empezando por la machacona "I Love Sex (And Rock & Roll)", escrita junto a la banda de Wendy, que podría haber entrado en un "Creatures Of The Night" sin problemas, y en ella, aparte de los coros de Simmons, se puede escuchar a Eric Carr a la batería, pasando por el potente single "It's My Life", compuesto a medias con Paul Stanley,  en la que tocan Vinnie Vincent, Eric Carr, Gene Simmons y Paul Stanley, además del guitarrista de Wendy, Wes Bech, y que sonó en todo garito metalero que se preciase de serlo en la época, "Thief In The Night", co-escrita con Micht Weissman, en una versión mucho más heavy, que la que grabarían Kiss años más tarde para su "Crazy Nights", "Legends Never Die", una power ballad ochentera al 100%, que Gene Simmons compusiera durante las sesiones de grabación de "Creatures Of The Night", pero que a nuestro hombre debió de convencerle cómo quedaba la voz de Wendy sobre la demo, y se quedó aquí, con el bajo de Gene, la batería de Carr y la guitarra acústica de Micki Free, y la kissera también al 100% "Ain't None Of Your Business", compuesta por Gene, junto a Eric Carr y Vinnie Vincent.

También formaban este disco, un trallazo metálico como era "Priestess", ya compuesto por los músicos de su banda,  los guitarristas Wes Beech y  Michael Ray, el bajista Reginald Van Helsing y el batería T.C. Oliver, aunque la batería que suena, es la de Eric Carr, el medio tiempo "OPUS On Cm7", con el piano de Micht Weissman, "Ready To rock", en la que la guitarra corre a cargo de Paul Stanley, y el potente rock&roll de "Bump And Grind", en el que la guitarra solista, es cosa de Ace Frehley.

Un disco a reivindicar, en el que hay muchas más cosas además de "It's My Life", y que suena a Kiss por los cuatro costados, con el aditivo punk de esta mujer, a la que se le echa mucho de menos.

LED ZEPPELIN

Muchas cosas importantes para el rock&roll, ocurrieron en el año 69. Deep Purple publicaban sus dos primeros discos, en Texas nacieron ZZTop, los progresivos King Crimson hacían su aparición, publicando su debut "In The Court Of King Crimson", David Bowie publicaría su "Space Oddity", Santana debutaría con su disco de título homónimo, Frank Zappa publicaba "Hot Rats", y cierto guitarrista, tras disolverse la banda que militaba, los Yardbirds, montar, con el lógico revuelo legal su nueva banda, como los "New Yarbirds", y cambiar el nombre, según la leyenda, inspirado por Keith Moon, por el de Led Zeppelin, un año antes, debutaría discográficamente, con el trabajo que puso a su grupo en la santísima trinidad del hard rock británico naciente en esos años, junto a Deep Purple, y sus vecinos de Birmingham, Black Sabbath, y se convertiría en uno de los clásicos atemporales de la historia del rock.

"Led Zeppelin" iba mucho más allá de las bandas del blues rock británico, de las que procedía Jimmy Page, siguiendo el camino que ya habían marcado la Jimi Hendrix Experience o Cream. Muy a pesar de lo que pensasen Page, Plant, Bonham o Jones, en relación a su etiquetamiento en lo que por entonces se conocía como heavy metal (que si bien es cierto, sí, se les queda enormemente pequeña esa etiqueta), lo cierto es que "Communication Breakdown", y sobre todo "Dazed And Confused", cuyos riffs han inspirado a muchísimas bandas de heavy metal, (a ver si no se parece el riff principal, al del "Paranoid" de Iommy & Co.)son dos puñetazos directos al hígado, que pocas bandas de por entonces metían, salvo casos como Blue Cheer y poco más. Por supuesto, el blues seguía teniendo un lugar destacado, como demuestra esas dos revisitaciones de dos estandards del blues como son  "You Shook Me"  y "I Can't Quit You Baby", ambas de Willie Dixon, o el hard blues inicial de "Good Times Bad Times", o "How Many More Times", con la que finaliza el álbum, e incluso el sentimiento muy a lo Janis joplin, con el que se desgañita Robert Plant en la emotiva "Babe I'm Gonna Leave You". El nacimiento de una leyenda, denostada por unos y admirada por otros, como todas las leyendas, pero una referencia indistutible del rock clásico.

THIN LIZZY EN ESPAÑA

Para recordar a Phil Lynott, en el 28 aniversario de su muerte, se me ha ocurrido hacer este pequeño artículo, sobre la primera visita de Thin Lizzy a España, allá por los 80. corría el año 82, cuando los irlandeses incluían a este país en la gira europea de "Renegade". Imagino la espectación entre los heavies hispanos ante tal acontecimiento, a pesar de que "Renegade" no gozase de la popularidad de sus trabajos más clásicos, lo cual no significa que éste fuera un mal trabajo. Tanto "Chinatown", su predecesor, como el disco de la portada de la bandera, me parecen dos discos magníficos, aunque Gary Moore hubiera abandonado la nave, y le sustituyera el exPink floyd Snoowy White.

Al pasar por Madrid, Scott Gorham sufrió una intoxicación alimentaria (versión oficial), así que, Snoowy tuvo que ocuparse de todas las partes de guitarra, y, a juzgar por lo que se puede escuchar en algún pirata que circuló en forma de cinta de casette por el rastro, y por testigos del concierto, el hombre superó con creces la prueba. Yo tuve la oportunidad de escuchar la grabación pirata, y el concierto, a pesar del evidente mal sonido de un pirata, era de sobresaliente. Como dato anecdótico, en el pirata que escuché, se oye con todo lujo de detalles, una pelea anterior al show, como mandaban los cánones de los conciertos de la época, en los que era bastante frecuente este tipo de cosas. Otra anécdota, es que, a mi viejo colega Jesús, el cantante de los Mabel, Mike Tramp, que por aquel entonces vivía por aquí, le pidió en el concierto, papel de fumar, pero eso es otra historia.

Aprovechando el tirón que estaba teniendo el heavy metal y el hard rock, entre la juventud en esos años, el programa "Aplauso", preparó un especial dedicado a dichos estilos, en el que aparecieron, unos actuando en el plató, o en el escenario de la Joy Eslava, y otros, mediante videoclips, Obús, Cheap Trick, Van Halen, Ted Nugent, Meat Loaf, Iron Maiden, Barón Rojo, AC/DC, y cómo no, Thin Lizzy, que actuaron (eso sí, con playback, que era como, por desgracia, se hacían todas las actuaciones en televisión) presentados por Paco Pérez Bryan,  "interpretando" tres temas: "Jailbreak", "Chinatown" y "Hollywood". Esta actuación se puede ver por youtube, a día de hoy.



Teniendo en cuenta de dónde salíamos, la época y el país, esto debía ser un jodido oasis en un páramo. No os digo nada, hoy en día, con la sequía de rock en las televisiones generalistas españolas.

Años después de que Lynott falleciera, cuando decidieron reunirse sus antiguos compañeros para rendirle tributo tocando sus temas en directo, Thin Lizzy han venido más a menudo, dando emotivos shows, pero eso, es otro cantar.

VAN HALEN

"1984"

En el último día del año 83, se publicaría el sexto trabajo de la banda de Pasadena, y el más exitoso de todos ellos. "1984" vería la luz en el nuevo año con el que coincidía su título, siendo su primer single "Jump", uno de los temas definitivos del hard rock, y hasta de la música popular, me atrevería a decir, de la década, aunque en este tema ya se vislumbra la dirección en la que se ve que Eddie Van Halen quería llevar a la banda, con el uso de teclados y sintetizadores, que, si bien, ya se habían utilizado en discos anteriores como "Women And children First", no estaban tan en primer plano como aquí. Esta sería una de las cosas que crearían tensiones entre el grupo y su frontman David Lee Roth, con lo que éste sería el último trabajo de la formación clásica, hasta el siglo XXI, como todos sabéis. Muchos fans de los cuatro primeros discos, nunca aceptaron ese giro hacia la comercialidad de VH, como tampoco aceptaron su anterior obra, el infravalorado "Diver Down", aunque si uno analiza el disco con la perspectiva del tiempo, acaba deduciendo, al menos en mi caso, que tarde o temprano derivarían a ello, porque en el fondo "1984" sigue manteniendo todos esas características que les hacían tan únicos. Temas festivos como "Jump", ya tenían anteriormente ("Dance The Night Away", por ejemplo") "Panama" y "Hot For Teacher" , esta última, con lucimiento sobre todo de Alex Van Halen a los tambores, son dos andanadas rockeras, que no hubieran desentonado en ninguno de sus anteriores discos. "Top Jimmy" es puro Van Halen, al igual que "Drop Dead Legs", "I'll Wait" es otra muestra de sintetizadores a tutiplén, y la vena poppie y AOR que explotarían del todo posteriormente, con la llegada de Sammy Hagar, pero no disgusta su escucha, "Girl Gone Bad" tiene unas guitarras matadoras, y partes que incluso recuerdan a bandas como Rush, al comienzo del tema, lo cual resulta muy curioso, y el solo es brutal. Van Halen al 100%. Nunca se acuerda la gente de este tema, y me parece uno de los mejores del disco. Y la cosa se cierra con "House Of Pain", que es otro tema con el sonido marca de la casa, que recuerda a cosas como "Mean Street" de "Fair Warning", con ese groove funk. En definitiva, la era clásica de la banda, se cerró con uno de sus mayores pelotazos a nivel comercial, que, a pesar de sonar más comerciales de lo habitual, seguía manteniendo una calidad bien notable.

ESAS VOCES QUE, O AMAS, O DETESTAS

Sí, sobre eso va esta entrada. Esos cantantes con unas voces, digamos, peculiares, que, o te entran a la primera, o les aborreces, haciendo que te pierdas, en algunas ocasiones, el buen hacer de sus compañeros de la banda. No hablo de malos cantantes, sino de voces que se te pueden hacer cargantes, bien porque no sea el tipo de voz que te guste, o por otros muchos motivos. En cuanto nombre al primer ejemplo, lo tendréis más claro.

Justin Hawkins 

 The Darkness no son una banda para todos los públicos, a pesar de su vocación comercial. Y es, en gran parte, si no toda, por el poco sentido del humor de mucho público rockero, al que le parecen una bufonada sin más, y por la voz de este coloso. Y es que, los gorgoritos de Hawkins, o te hacen gracia desde un principio, o te pueden irritar hasta lo inimaginable. A quienes nos hizo gracia la broma, porque además, The Darkness es una broma muy bien hecha, ya que son muy buenos músicos, que manejan influencias del mejor hard rock comercialote clásico, pues en el fondo, la voz de Hawkins, que no es más que la influencia de Russell Mael, el cantante de otra banda bastante peculiar como son Sparks, nos parece la seña de identidad del grupo, y acrecienta más el cachondeo al escucharle cantar así cosas como "quita tus manos de mi mujer, hijo de puta". Hasta tiene su punto cachondo, verles en un festival, con los gorgoritos de Hawkins, poniendo de los nervios a heavies ortodoxos.

King Diamond 

 Mira que me jode perderme la cantidad de buena música facturada por Mercyful Fate, o por la propia banda en solitario de Kim Bendix Petersen, que es su verdadero nombre, pero es que no, no puedo con ese falsete. No voy a hablar de sus pintas de versión cutre de Alice Cooper, que sería otro tema, pero la voz, sencillamente, no la aguanto, salvo en los temas en los que emplea su registro más natural, o tonos más guturales, pero la voz de niña del exorcista, no puedo con ella. Y eso no quita para que haya tenido siempre enormes músicos cubriéndole las espaldas y tengan temazos, pero si no te entra la voz con King Diamond, no te va a entrar jamás, como es mi caso.

Mike Tramp

  El paradigma de exceso de almíbar, que amaricona las canciones, ya de por sí poppies de la banda. Siempre me he imaginado a White Lion con un cantante con otro tipo de voz, no tan moña y empalagosa, y hubieran lucido mucho mejor, las guitarras de Vito Bratta, qué duda cabe. Y no será porque Tramp no pone empeño y no le gusta el hard rock. Pero que no, que no es lo suyo. Este tío valía para los Mabel, y ya.

 Michael Sweet

 Siguiendo con voces no aptas para diabéticos, tenemos a Miguel Dulce (heavies que no soportáis a Hawkins, y luego aguantáis que el cantante de una banda se llame así). Stryper, en un sentido estrictamente musical, no son malos músicos. Michael Sweet es muy buen cantante, pero se me hace insoportable, desde el concepto del grupo, la imagen, su meapilismo cristiano, sus horrorosas letras, y por último, una voz empalagosa hasta decir basta. No lo solucionó, ni que se dejasen barbas a finales de los 80.




Y hasta aquí este breve repaso a cantantes que, o les amas o les odias. Espero que hayan hecho unas risas. Prometo volver con más voces de éstas, peculiares.

40 AÑOS DE KISS, Y 70 DE KEITH RICHARDS

Ayer se cumplian 40 años desde que unos tal Wicked Lester, en Nueva York, fueran abandonados por Gene Simmons y Paul Stanley, dando lugar a la banda más caliente del mundo. Con la aguda visión comercial del amigo Simmons, Kiss se convertirían en un monstruoso fenómeno musical, que ha estado ahí, dando guerra durante cuatro décadas, y que todos amamos, con sus grandes triunfos, y sus grandes miserias, como todas las bandas de ese status. Así que, celebrémoslo, escuchando una vez más, cualquiera de sus himnos fiesteros.




Y hoy, el riff humano, hace nada más y nada menos, que 70 años. Admirado por unos, denostado por otros, pero es innegable que la habilidad de Keith Richards para componer riffs únicos, ahí está, y qué coño. Es el abuelo que todos querríamos tener. El bando rockero de los Stones, está de celebración.

SLADE

"THE AMAZING KAMIKAZE SYNDROME"

Hace treinta años, estos reyes del glam de billares de barrio, publicaban este disco, en el que modernizaban un tanto su sonido, como harían ese mismo año ZZTop con su "Eliminator", aunque no de manera tan radical, para sonar acordes con los años 80, y rivalizar con las bandas de la NWOBHM, y la jugada les salió redonda. No sólo Slade estaban en boca de todo el mundo, por la versión  de "Cum On Feel The Noize",que de ellos grabaron unos emergentes Quiet Riot en su "Metal Heart", con el que darían el pelotazo, sino que además, "The Amazing Kamikaze Syndrome", titulado en los States y Canadá, "Keep Your Hands Off My Power Supply" , cuando se publicó por esos lares al año siguiente, precisamente allí, en los USA, obtendrían su primer éxito con el baladón "My Oh My". Y es que, este trabajo estaba repleto de singles en potencia, que era lo que siempre funcionaba en la banda de Noddy Holder, y rock&roll del más incendiario. Un disco que empieza con una pieza como la abrasiva "Slam The Hammer Down", sigue con la contagiosa para mover los pies "In The Dog House", para dar paso a la tonadilla hooligan "Run Runaway", ideal para animar cualquier garito que se precie,  ya sólo por estos temas, merece la pena su escucha. Pero la fiesta sigue con "High And Dry", para calmarse con la balada más arriba mencionada, para volver otra vez al rock&roll marca de la casa, con la trepidante "Cocky Rock Boys (Rude Ok)"



Y si todo esto era en la primera cara de la obra, la segunda cara se abría con la potente y larga pieza, dividida en cuatro partes, "Ready To Explode: The Warm Up/The Grid/ The Race/ The Dream", que era puro Slade, con sus festivos coros que incitan a cantar puño en alto en los shows, y unas guitarras que suenan a gloria, a la que seguía la hímnica "(And Now The Waltz) C'est La Vie", "Cheap 'n Nasty"m cuya melodía vocal recuerda mucho a su "Look Up Your Daughters", aunque algo más AORizada, y se cerraba con "Razzle Dazzle Man", que era otro temazo potente, festivo y rockerazo. Como ya he escrito, el disco se editó un año más tarde en los USA, bajo el nombre de "Keep Your Hands Off My Power Supply", y en la reedición que hubo en CD hace poco, de "The Amazing Kamikaze Syndrome", metieron el tema que daba título a su edición yankee, junto a otro que venía en la misma, llamado "Can't Tame A Hurricane". Lo dicho, uno de los mejores discos de Slade, que ustedes deberían redescubrir, si no lo han hecho.

STREET SURVIVORS

Aprovechando que hoy se cumplen 36 años del fatídico accidente de aviación, quería recordar el que fue el disco publicado por la formación de Lynyrd Skynyrd, a la que alcanzó esta tragedia.

Y es que, "Street Survivors", tras el bajón que supuso para la banda, su anterior trabajo "Give Me Back My Bullets", que sin ser en absoluto un mal disco, se empezaba a notar el cansancio de giras sin parar, abusos de sustancias, etc.,  fue un rebulsivo absoluto, que les llevó de nuevo, a las cotas alcanzadas con sus dos primeras obras, "Pronounced Leh-Nerd Skin-Nerd" y "Second Helping". Mucho tuvo que ver en ello, la aportación del nuevo miembro, el guitarrista Steve Gaines, que no sólo incorporaba su guitarra, sino también sus dotes como cantante y compositor, que se pueden apreciar, como cantante, cuando se canta a medias con Ronnie Van Zant, "You Got That Right", y como cantante y compositor en el blues que cierra de manera fantástica el disco, llamado "Ain't No Good Life". Por no hablar de sus duetos a las guitarras con la otra bestia parda que era Allen Collins. Todo el disco está repleto de temazos, es imposible quedarse con uno o dos. Desde rock&roll festivo de la mano de "What's Your Name", la claptoniana "That Smell", en la que Van Zant advierte sobre los peligros del abuso de las drogas y el alcohol, recordando una hostia que se dio Gary Rossington con su coche, la épica de "One More Time", el frenético boogie de "I Know A Little", que recordaba al "Call Me The Breeze" de J J Cale, que versioneasen en su segundo disco, La preciosidad country de "I Never Dreamed", o su versión del tema de Merle Haggard "Honky Tonk Night Time Man".

Una colección de canciones que tira para atrás, y que hicieron que la banda volviera a arrasar en cuanto festival se les pusiera a tiro, como se puede ver en las filmaciones del festival de Knebworth de ese mismo año, el 77, en el que se comieron vivos a todos unos Stones. Lamentablemente, ocurrió lo que ocurrió en la gira, con el maldito avión Convair, y todo se fue al traste, con el fallecimiento de Ronnie, Steve, la hermana de éste, la corista Casey, y el road mánager Phil Kilpatrick en el accidente a bordo del avión, en los bosques de Gillsburg (Misisipi) camino de Baton Rouge. Los demás miembros de la banda, quedarían durante un tiempo con secuelas físicas y psíquicas, estas últimas, se las curarían cuando montaron la Rossington-Collins Band, y más tarde, en el 87, cuando se reunieron con el hermano menor de Ronnie. Para colmo, la portada de "Street Survivors" durante  mucho tiempo, por razones obvias fue censurada, eliminando las llamas que aparecen detrás de la banda en la foto. Una verdadera tragedia que truncaba la carrera de una formación que no cuesta adivinar lo grandes que hubieran podido ser en una siguiente obra, de no ser por el fatídico accidente.

Si no has escuchado todavía "Street Survivors", no sé a qué esperas. Yo, lo estoy oyendo una vez más, a la salud de Ronnie, Steve, Cassie y Phil.

MÁS DE LO MISMO PERO, A QUIÉN COÑO LE IMPORTA

MOTORHEAD

"AFTERSHOCK"

Que sí, que sus detractores podrán decir que hay riffs más que escuchados, que si el sanbenito de que siempre hacen lo mismo (si uno araña más de la superficie, se dará cuenta de que no es así del todo), que si los más nostálgicos verán demasiado metalero el sonido de batería de Mikkey Dee, y echarán de menos la guitarra de Fast Eddie Clarke.  Todo lo que ustedes quieran, pero un servidor, en estos tiempos de destrozo de derechos, de pobreza, robo e injusticia, bandas con la mala hostia de los muchachos de Lemmy, son más necesarias que nunca. Y aunque ya no nos vayan a sorprender, y tengan cañonazos como "Heartbreaker", "Coup De Grace", "Going To Mexico", "Queen Of The Damned", "Paralyzed"  o "End Of Time", que nos traigan muchísimos ecos de otros clásicos, qué quieren que les diga, me suenan a gloria esos pildorazos. Es la medicina que necesitamos los motorheadbangers cada uno o dos años. Y si viene aderezada con andanadas blueseras del calibre de "Lost Woman Blues", rock&roll salvaje como "Do You Believe" o "Knife", medios tiempos vacilones  como "Death Machine" o "Silence When You Speak To Me",  temas que todavía tienen capacidad de sorprender como es ese blues rock lentorro de "Dust And Glass" (los que infravaloran a Phil Campbell, tendrían que escuchar su solo aquí), Boogie con influencias de ZZTop (una de las bandas favoritas de Lemmy de siempre) y con piano, en "Crying Shame" y más rock&roll como "Keep Your Powder Dry", pues cojonudo, oigan. Más vale disfrutar de la dosis de Motorhead todo lo que podamos, porque el día que desaparezcan será muy triste, y Lemmy ya nos ha dado un susto este verano. Lo dicho, que es un placer tenerles de vuelta.

GENE SIMMONS

No sólo Halford cumple años hoy. Nuestro demonio favorito también. Y para celebrarlo, vamos con uno de los temas salvables del disco en solitario que publicó en el 78, cuando cada miembro de Kiss publicó el suyo. El de Simmons y el de Peter Criss fueron los más irregulares de los cuatro, pero aun así, el del primero tiene cosas decentes, como era este "Radioactive", o la versión del "See You In Your Dreams" de la banda madre. No en vano, las colaboraciones eran de lujo. Rick Nielsen, Joe Perry, Donna Summer y Cher, con las que Simmons tuvo sendos affaires sentimentales y Bob Seger eran los invitados de postín, aunque el resultado en general, chirriase.

ROB HALFORD

Aprovechando que hoy cumple años el Metal God, además de felicitarle y desearle que siga en el trono durante mucho tiempo, quería compartir con todos ustedes vosotros, el vídeo televisivo de la actuación de Judas Priest en el Rock In Rio del 91. Un documento, que inexplicablemente no se ha editado en DVD todavía, y que muestra a un Halford todavía pletórico de facultades, en una de las mejores giras de la banda. Todavía recuerdo esta gira, presentando "Painkiller", y llevando de teloneros a unos desconocidos para el gran público, Pantera, que despegaron hasta el infinito y más allá en ese momento.

GEORGE THOROGOOD & THE DESTROYERS

LA RIVIERA

05/07/2013

La foto pertenece a su show de Suiza, pero sirve de maravilla para ilustrar lo que ha sido la gira europea de este hombre, que recaló en Madrid el 5 de julio, y que, para un servidor, fue quitarse una espina que tenía desde hace tiempo, de ver a Thorogood y los Destroyers en acción.

Valió la pena el palizón desde Alicante y posterior vuelta hacia allá, así como el caro precio de la entrada, porque no defraudaron en absoluto. Montaje escénico consistente en varias pantallas de vídeo en las que aparecían viejos clips de los temas que estaba interpretando la banda sobre el escenario, o fotos de los Destroyers codeándose con personajes como Johhny Cash o Albert Collins, demostrando el status del que disfrutan en su país de origen, y un repertorio incendiario de los que tiran de espaldas con todos sus standards como la celebérrima "Bad To The Bone",  la cachonda "Get A Haircut", "I Drink Alone", y versiones como "Cocaine Blues" de Johnny Cash, "One Bourbon, One Scotch One Beer" de John Lee Hooker, "Who Do You Love" de Bo Didley o "Moovin' It On Over"  de Hank Williams, que hace tiempo que George Thorogood y los Destroyers hicieron suyas. Por desgracia, la Riviera no estaba todo lo llena que sería deseable, puesto que la subida criminal del IVA encarecía el precio de la entrada, y con la crisis galopante, no hay para muchas alegrías, pero fue un show que más de uno no olvidaremos, esperando que se repita la experiencia, ya que Thorogood ha prometido volver a hacer gira europea.

ESTUDIOS SOCIOLÓGICOS CHORRAS

EL PIJO BOHEMIO

                                                            Hansel, es lo más, ahora.


 Hoy vamos a hablar de una especie que lleva en este mundo desde que empezó a haber ricos y pobres, pero que en Spain es harto peculiar, porque invade todos toditos los rincones de nuestra cultura popular. El pijo bohemio, que podría estar perfectamente emparentado, y de hecho lo está, con el perroflauta pijo, no es un individuo tan novedoso como podemos creer, no. Esos chavales de profesiones liberales y con carrera en universidades de pago que vemos hacer batucadas en las manis no violentas del 15-M, tienen claros antecedentes en esas hijas de próceres franquistas que iban a hacer el hippie a Ibiza, o esas hijas de presidentes yankees que iban a ver a Led Zeppelin en los 70, con sus mejores pantalones de campana. Pero como ya hablamos del perroflauta pijo en su momento, hoy nos vamos a ocupar más del pijo repijo, que, al ser el miembro tarambana de una ilustre familia, ésta, en lugar de desheredarle, le deja que dé rienda suelta a su vida bohemia, y de paso, le saque pasta a la cosa, si no es corto de luces, que no todo va a ser vivir de la fortuna de los papis, que también. Porque ustedes ven a un Pocholo, y se piensan que el sobrino del yerno de Franco, es un cabeza loca, con las neuronas comidas por la drogaína, cuando de eso, naranjas de la China, oigan. Que este bueno para nada, ha estudiado finanzas y  márketing en suiza y Estados Unidos respectivamente, además de haber currado, imaginamos que saneando cuentas de la mafia anticastrista y algún cantante de centro y español, en el Intercontinental Bank Of Miami. Pero luego, se lió la manta a la cabeza, se dejó el pelo largo, al estilo de pijo tarambana del barrio de Serrano, y a vivir del cuen...digo de actor, y de la noche ibicenca. Y de ahí, al estrellato, en esos programones que fomentan la estulticia y la cutrez de la ciudadanía, como Gran Hermano o Tómbola, en los que se hizo muy popular entre la chusma, con sus habituales pollos, producto de mucha jeta, y drogaína de buena calidad.

Este era un ejemplo clarísimo de la especie a la que nos referimos, pero hay muchos más. En ese hervidero de putas, chulos de alcoba, mafiosos y cocainómanos que es la jet marbellí, hubo muchísimos pijos bohemios tarambanas, empezando por Don Jaime de Mora y Aragón, los Hoenlole, la extelefonista de Fuerza Nueva y patrona de los cárteles colombianos Carmina Ordoñez, y acabando en Gunilla Von Bismarck. Esta señora, que presumía en televisión de no saber lo que era un martillo, y que demostró más lucidez que todos ustedes, cuando dijo que ella votaba en los 80 al PSOE, porque era de derechas, junto al zumbao ese que tenía por marido, se dedicaban y dedican a darse la vida muelle de sarao en sarao, sin que se sepa qué oficio y beneficio tienen, y sin que la totalidad del bulgo sepa que la hippie rara esta, es nada menos que bisnieta del canciller Otto Von Bismarck y nieta del príncipe Herbert Von Bismarck y la condesa Margarita de Hoyos, como señalan en la Wikipedia. Al igual que los pijos más pobres de las rastas, a ella también la preocupan los pobres, y se dedica, entre orgía y orgía, a fiestecitas benéficas con sus amistades pijas, para seguir perpetuando la injusticia capitalista de la que vive, no se vayan a creer. Y ese es su único curro. Con la pasta que ha debido heredar de sus ancestros, se pasa todos los años seis semanitas de vacaciones en Marbella tan alegremente.

                                                       "Qué subidón que da esta farla, oyes."



Como los fachas ganaron la guerra, el pijo bohemio está en todos los ámbitos de la vida cultural y social, y claro, también está en el mundo del espectáculo. Si en los USA tienen pijos bohemios como Lenny Kravitz, aquí no somos menos, y tenemos a todo un Sabina. Ese cantautor tan de izquierdas de la muerte, que invita a cenar a Felipe y Doña Leticia, se hace fotos con Gallardón, y consigue que a sus conciertos vaya toda la plana mayor del partido de la Gaviota, con los que se lleva igual de bien que con los socialistas, porque es partidario de la reconciliación, y piensa que "habría que hacer un 15-M en Cuba", así como se solidarizó con Alejandrito Sanz, cuando éste hacía pucheros inventándose que el malo de Chávez no le dejaba actuar en Venezuela, porque de todos es sabido lo muy comprometido que es el cabezón de Moratalaz con las buenas causas de la democracia nuestra. Sabina, no sólo comparte la querencia por la drogaína y la vida loca con los seres mencionados más arriba, sino además, también tiene lazos familiares que hacen comprender mejor su background político tarambana de progre de salón y amante de los toros. Eso de ser hijo de un inspector de policía (hablamos de la policía de los años 40, con lo que ello implica), haber ido a colegio de monjas, y cursar el BUP en los Salesianos, por mucho que su papi le perdonara sus veleidades de artistuelo y su rojerío de rebelde jovenzuelo de la época (Su propio padre tuvo la órden de detenerle por subversivo en los 60), algo tuvo que marcar a este mentirosillo, que para irse a Inglaterra a hacerse el guay, se inventó que aquí le querían fusilar por un cóctel molotov. Curiosamente, en Londres, según su biografía, ampara a terroristas de la ETA del momento, cosa de la que luego se ha arrepentido mucho, cuando conoció años más tarde al Foro de Ermua, la AVT y el PP, diciendo que eso estuvo muy mal por parte de la izquierda y todo eso. Sobre Melitón Manzanas y Carrero Blanco, no ha comentado nada, porque debe creer eso tan democrático y de ejpañol de bien, de que la violencia está muy mal y tal. El caso es que, en los tiempos de la Mandrágora, Viceversa y demás, el amigo Sabina, no sólo mantiene una trayectoria más o menos coherente en lo izquierdoso, sino que además todavía no ha dado la patada a su primera mujer, una argentina exiliada, a la que se la daría ya cuando alcanza el éxito, para reemplazarla por Isabel Oliart, hija de uno de esos prohombres de Estado, que lleva viviendo de la política desde los tiempos de la UCD, aunque antes ya había ocupado cargos enormes en la administración y en la gran empresa, y que acabaría, como director de RTVE en el gobierno de Zapatero. Justo la época en la que Sabina, se hace amiguito de Espe, Gallardón y compañía, aunque luego éstos le llamen "artista de la ceja" y esas cosas.

                                               "Chavela me ha pedido que le presentes a Rita"


Y hay más y más casos del pijo bohemio. Si no acaban de pillar el concepto, el actor Owen Willson, lo interpreta de puta madre en los papeles que hace en "El Padre De La Novia" y "Zoolander", en esta última, además, sale otro gran pijo bohemio que es Lenny Kravitz, ese tipo que ha destrozado lo poco bueno del hippismo y todo lo bueno de los 70, convirtiéndolo en un producto para hippies del Zara. ¡Escuchen a Hendrix, mendrugos!