CAMBIOS QUE SENTABAN COMO UNA HOSTIA A UN YOUTUBER

DE WHITESNAKE A BARBIESNAKE

Corría abril del 87, cuando los heavies patrios por fin vimos el nuevo videoclip de la Serpiente Blanca, que nos demostraría lo que nos deparaba en la banda de Coverdale, desde ese momento, hasta que el grunge se cargó la laca.

Todos estábamos expectantes, y más cuando sabíamos que John Sykes había grabado las guitarras en dicho album, y, aunque desde los tiempos de "Saints & Sinners", y, sobre todo, "Slide It In", Coverdale andaba detrás de endurecer ese hard rock blues tan característico de la Serpiente Blanca (para ello había reclutado a Mell Galley y posteriormente a Sykes), y que cada vez se esforzaba en cantar en un tono más agudo, muchos fans entre los que me incluyo, no dimos crédito a lo que vimos en el clip de "Still Of The Night".

Ni Ansley Dumbar a la batería, ni Sykes, ni Neil Murray al bajo, ni Don Airey a las teclas, que en realidad eran los tipos que grabaron el disco. Nada. Una colección de figurines vestidos con lo último de moda en Sunset Boulevard, y Coverdale transformado en Kim Novak. Vale, luego uno se daba cuenta de que los figurines eran primeros espadas del hard&heavy de la época, como Adrian Vandenberg, Vivian Campbell, Rudy Sarzo y tommy Albrigde (bueno, este último, de figurín poco, pero daba el pego, con el melenón rizado y tal). No sólo se había metalizado el sonido, sino que se habían convertido en una banda de hair metal, con todo lo que eso conlleva. Que sí, que todos estos tíos eran y son muy buenos músicos. ¡Pero coño, yo quería escuchar a los Whitesnake blueseros, no a este tío imitando a los putos Dokken! Para colmo, el destrozo que hicieron con "Here I Go Again", rompiendo la magia y el feeling de la versión original, e idem de idem con "Crying In The Rain", por no hablar de esa balada para yuppies y fans de Rock Fm que es "Is This Love".

Con el paso del tiempo, y ya repuesto del susto, pues bueno. "1987", lo considero un buen disco, pero ni lo considero Whitesnake, ni desde luego, es para mí. Y lo que más me jode, es la amnesia colectiva que hay en gran parte del público rockero, para el que los Whitesnake parece que sólo existen a partir de esto. En los USA, lo entiendo, ¿pero en España? Pues sí, triste pero cierto.

                                  ¿Sobre cuántas guías de teléfonos subirían a Rudy Sarzo?

Lo que ya sí que fue la culminación de la cacota infecta, fue su siguiente obraza de metal pelucón. "Slip Of The Tongue", fue un intento de repetir la jugada, que hubiera salido bien, de no ser por el fichaje que metieron de guitarrista, y la producción apagadísima que tiene. Steve Vai mola mucho con Zappa o con Roth, pero con el estilo de Whitesnake no pegaba ni con cola. Y encima, aquí, la pieza clásica a destrozar es "Fool For Your Loving", que se convierte en una reputísima mierda sin feeling, ni nada que se le parezca. Eso sí, todos los clips con la señora de Coverdale, y los modelos de ropajes de Sunset Boulevard (algo más comedidos que en el 87, año en el que se debieron cargar media capa de ozono con la laca), muy monos todos. Yo tuve el dudoso placer de ver esta gira, y no recuerdo absolutamente nada memorable, ya ven ustedes. Bueno, sí. Las jamelgas presentes, en las que me fijaba cuando la banda aburría con versiones desastrosas de "Is This Love", o así.

Afortunadamente, el grunge y el rock alternativo, y todo eso que imperó en los 90, y que hace llorar a muchos heavies, puso las cosas en su sitio, y a pesar de que Coverdale sacó alguna cosa que otra bajo el nombre de su Serpiente, tuvo su justo castigo, con la indiferencia total del público, que ya estaba harto de Bon jovis y megatocones. Esto le debió servir de lección, y si se fijan, discos como "Restles Heart", o el disco en solitario que sacó en su época Ana Rosa Quintana (cuando se cortó el pelo y se lo tiñó de negro, o se lo destiñó más bien) de "Into The Light", tienen cosas bastante majas, así como sus dos discos con canciones propias, "Good To Be Bad" y "Forevermore". Pero el susto que nos pegó a finales de los 80, fue imperdonable.

OTROS DISCOS DE VERSIONES

En vista de la reciente publicación de la última obra stoniana, el maravilloso "Blue And Lonesome", me he propuesto hacer este articulillo, para comentar algunos de mis discos de versiones favoritos de otras celebérrimas bandas o artistas. Espero que lo disfruten. Empezamos.

VAN HALEN

"DIVER DOWN"

Considerado como un disco menor por muchos de sus fans, y hasta por la propia banda, obviamente, no se puede comparar con los cuatro discazos que le preceden, y se grabó bajo presión de la discográfica, pero, miren ustedes. A mí "Diver Down", me parece un disco más que disfrutable, e ideal para el advenedizo que quiera adentrarse en los Van Halen clásicos. No en vano, los de Pasadena, antes de grabar su primera obra, ya tenían una reputación en su zona, como una gran banda de versiones. Y las que escogieron para este álbum, aparte de que encajan de maravilla con las cuatro canciones originales del mismo,  "Hang'em High", "Secrets", "Little Guitars" y "The Bull Bug", y las instrumentales "Cathedral", y la intro de "Little Guitars", temas todos ellos, bastante molones, por cierto. Porque el clásico de los Kinks (banda de la que ya habían versioneado su "You Really Got Me" en su disco de debut, con notable exito) "Where Have All The Good Times Gone!" suena como si la hubieran estado tocando toda la vida, el "Pretty Woman" del gran Roy Orbison, cuadra muy mucho con el sonido y el espíritu de la banda de Pasadena, el clásico soul de "Dancin' In The Streets" de Marvin Gaye y Ivy hunter, es la ración funk habitual en sus discos, el standard de 1924, "Big Bad Bill" de Milton Ager suena cachondo y festivo a más no poder, como el "Happy Trails" de Dale Evans.

En definitiva, un disco disfrutable y recuperable. Mil veces mejor que esos discos de AOR para marujas y abogados que hicieron con Sammy Hagar.

STRAY CATS

"ORIGINAL COOL

Corría el año 93, en plena eclosión alternativo-grunge, cuando Stray Cats publicaban esta obra, rindiendo culto a sus héroes. Mal año para el rockabilly, lo que significó que el disco pasase desapercibido, y provocase la separación del grupo. Eso sí, para los espabilados que en su día nos lo compramos, esos "Something Else" y "Twenty Flight Rock" de Cochran, esos "Oh Boy" y "Lonesome Tears" de Buddy Holy, ese "I Fought The Law" de Bobby Fuller, ese "Your True Love" de Carl Perkins, "Be Bop -A- Lula" de Gene Vincent, y tantos y tantos clásicos aquí revisitados, además de ser temones inmortales, estan interpretados con un respeto a los originales, un  feeling y un gusto, que hacen que merezca la pena su escucha.

JOAN JETT & THE BLACKHEARTS

"THE HIT LIST"

Nuestra rockera favorita, sacaría su disco de covers en el 90. con una elección de temazos para ser versioneados, que tiraba de espaldas, y demostraba un exquisito gusto, por parte de Joan. Aquí, entre otros, uno podía deleitarse con versiones de AC/DC como "Dirty Deeds Done Dirty Cheap", de Roy Orbison, como "Love Hurts", de los Sex Pistols, en la forma de "Pretty Vacant", del "Celluloid Heroes" de los Kinks, del "Tush" de los ZZ Top", o del "Love Two Times" de los Doors, que demostraban cuál es el ADN que compone la música de los Blackhearts y de Joan Jett.

AMOR POR EL BLUES

ROLLING STONES

 "BLUE AND LONESOME"

Eso es lo que transmite cada nota de la nueva obra discográfica de Sus Satánicas Majestades. Su nuevo disco en 11 años, desde que publicasen aquel magnífico "A Bigger Bang", es todo un acto de reconciliación con el estilo que influenció a Jagger y Richards en sus respectivas adolescencias, para juntar fuerzas y crear esta banda. Todo en este trabajo, destila clase, elegancia, y al mismo tiempo, sudor, humo, y olor a whisky de garito del Chicago de los años 40 ó 50. Con una producción cruda y sucia que le da ese toque añejo a los magníficos homenajes que pueblan el disco, a colosos del blues chicagüense, en forma de versiones que huyen de los previsibles standards, demostrando que estos señores han mamado blues de sobra a lo largo de toda su vida, para descubrir a mucha gente temas ocultos de grandes como Howlin' Wolf, Willie Dixon, Little Walter, Jimmy Reed, Memphis Slim, Magic Sam, Otis Rush, y blues pantanoso de Lightning Slim. Jagger está colosal a la voz y la armónica, el piano de Chuck Leabell suena a gloria en algún tema como "Everybody Knows About My Good Thing", y Ron Wood suena de lujo a la guitarra, aunque eso sí, aquí no esperes escuchar pirotecnia guitarrera. Los Stones (salvo si hubiera vuelto Mick Taylor, quizás), no van de eso, y este disco no se trata de eso. Es el cariño que han puesto a estas canciones, el alma, el sonido y el ambiente, lo que cuenta.

¿Canciones destacables? ¡Todas! Es muy difícil escoger entre "Just You Fool", "Hate To See You Go", o "I Gotta Go", por ejemplo. El disco se escucha de un tirón, y no cansa en absoluto. No sé cuánto durarán ya los Stones, pero en el caso de que éste fuera su canto de ciste, sería un broche de oro, acabar igual que empezaron, con el blues. Le recomiendo, amigo lector, que saque su pack de cerveza favorita, se ponga el disco, y disfrute de cada temón que viene aquí. Y todavía más, si usted es neófito en el blues, tírese de cabeza a escuchar los originales a los que versionean. Si este disco sirve para que mucho público se acerque a la música de los 12 compases,habrá valido más que la pena.

 Por siempre grandes, Sus Satánicas Majestades.

 

JORGE SALAN

"GRAFFIRE"

Decir a estas alturas, que nos encontramos ante uno de los mejores guitarristas de rock de este país, es algo muy obvio, que todo el mundo sabe, o debería de saber. Lo que no sabrán quienes todavía no hayan escuchado este nuevo trabajo, acompañado de The Majestic Jaywalkers, es que "Graffire" quizás sea el mejor disco que haya grabado el madrileño. Y además, el más variado en cuanto a estilos que toca en el mismo. Hay sitios para el blues con temas como "Born Under A Bad Sign" (nada que ver con la de Albert King, pero sí mucho con su adorado Gary Moore en su vena bluesera) con el gran Jeff Espinoza a la voz, la boogie "Victim Of Desire", con ese magnífico teclado, cortesía de Pau Alvarez, la sección de vientos de cuyos arreglos se han encargado Pau Sastre y Jordi Pinyol, y esa bonita armónica que aparece antes del gran solo de Salán, la hendrixiana "On My Own", con Jeff Scott Soto a los coros, y las apabullantes versiones de "They don't Make Them Like You Anymore" de Rory Gallagher, que suena de lujo, y "Leave My Girl Alone" de Buddy Guy, que suena tremenda, en la que Salán despliega todo su poder guitarrero, con un aire a lo Stevie Ray Vaughan, hay sitio para el soul, con la excelente cover del clásico de Al Green "Take Me To The River", o con "One More Empty Feeling" con la voz de Garret Wall, aproximaciones al flamenco, con la maravillosa "Para Paco De Lucía", y por supuesto, al hard rock de la mano de "No Turning Back". En este tema, y en otros, se pueden escuchar los coros de Gema Vau, cantante de Biosfear. Jorge Salán, además de no basar como otros guitarristas, su disco en el toconismo extremo de las seis cuerdas, ha sabido rodearse de musicazos, con una producción en la que cada cosa suena como tiene que sonar, dando espacio a otros instrumentos en favor de lo que pide la música en cada momento, con un gusto exquisito, y se le nota cada vez más cómodo como cantante. Una más de las muy agradables sorpresas musicales patrias de los últimos años, junto con los últimos trabajos de Javier Vargas, Susan Santos, Star Mafia Boy o la Kiko García Band.

BOB DYLAN, LOS PREMIOS NOBEL, Y EL CATETISMO ESPAÑOL

No sé cómo habrá sido en el extranjero, pero la que se ha liado desde ayer, en las redes sociales y los medios españoles, cuando han concedido el Premio Nobel de Literatura al genio de Minessota.
A mí, realmente, me la traen floja los putos premios y más los de esta institución que ha galardonado a asesinos como Kissinger, cerdos como Milton Friedman, y fachas asquerosos, valga la redundancia, como Vargas Llosa, y demás ejemplos de que esta institución premia el capitalismo más abyecto. Pero, por otro lado, pues hombre, también ha premiado a gente como Martin Luther King o García Márquez, así que, es de agradecer, que por fin se aprecie la aportación literaria de las poesías de Dylan, a la música americana, y la importancia de este hombre en la historia de la música popular.

No me voy a tirar el pisto. Reconozco que no estoy escuchando a todas horas la discografía de Robert Allen Zimmerman, y que me son más cercanos y me gustan más, letristas como Lemmy, Ronnie Van Zant o Phil Lynott (por cierto, éste último, siempre citó a Dylan como una de sus influencias, y el mismo Dylan dijo de Lynott que "era un genio"). Pero la he escuchado, y me encantan discos como "Highway 61 Revisited" y "Blonde On Blonde", y aprecio sus letras de su época folk. Vamos, que reconozco la enorme influencia que ha tenido sobre montones de músicos posteriores, la importancia que tuvo su manera de componer en el rock, el folk, y hasta en el blues y el country, y adoro lo que hizo con los Traveling Wilburys. Vamos, que, aunque no te guste, es alguien que merece como mínimo un respeto, porque ha tenido un peso y una importancia en la historia de la música, y para bien o para mal, es un icono de la música del siglo XX, y de la cultura americana.

Comprendo, que en un país tan negado para el inglés como el nuestro, a mucha gente se le escape la valía de este hombre como letrista. Pero de ahí a todas las gracietas, gilipolleces, cuñadismos y demás majaderías que estoy leyendo estos días sobre esto, que parece que ahora, en un país en el que no lee ni dios, a todo el mundo le encanta enterarse de los putos premios estos, pues va un abismo.

Y no le atacan por recibir un premio de una institución que premia lo que he puesto más arriba, o por ser una lanza más que hiere al rock&roll esto, para que el sistema lo absorba, pierda su componente catalizador de rebeldía y se convierta en una mierda más de consumo, no. Lo atacan, como si hubieran dado el premio a Belén Esteban, o algo así, no sé si por envidia, o por puro y simple paletismo.

Una demostración más de la cultura subcero que padecemos en este país. En fin, para quien se haya alegrado, pues ahí le dejo una de mis favoritas.


Y de propina, les dejo este homenaje que le hizo Bowie:

Y&T

SALA BUT (MADRID) 22/09/2016

Y lo volvieron a hacer. La banda de San Francisco, liderada por Dave Meniketti, y estrenando nuevo bajista, Aaron Leigh, que sustituye a Brad Lang, volvieron a emocionar a toda una audiencia que crecimos con esa maravillosa trilogía del hard rock americano, que publicasen bajo los nombres de "Earthshaker", "Black Tiger" y "Mean Streak", con un repertorio de campanillas, en el que no faltó ni uno de sus himnos más queridos por la mayoría, y hasta temas que a un servidor en estudio no le convencen como "Contagious" o "Summertime Girls", cobran una garra y una fuerza en vivo, que te animan a corearlas puño en alto. Meniketti nos volvió a demostrar que es uno de los cantantes y guitarristas más infravalorados por el gran público que existen. Esa voz, tan de la escuela de Sammy Hagar, suena incluso mejor que en su juventud, y transmite el mismo feeling que cuando se pone a tocar la guitarra. Pone la carne de gallina. Es un grande, que merece mucho más reconocimiento del que tiene. Y su banda suena a cañón. Por supuesto, no faltó el homenaje al recientemente fallecido exbatería, Leonard Haze, a quien dedicaron la enérgica "Down And Dirty". Con Y&T pasa lo mismo que con Dictators. Son bandas que aunque les veas todos los putos años, con pocas variaciones en el set list, siempre repites, porque con ese feeling, esa entrega y ese todo, convierten el show nostálgico en una auténtica fiesta. hubo quienes les veían por primera vez, como mi amiga Angus, cuya foto he tomado prestada para acompañar esto, y seguro que repetirán. Una vez que el Tigre Negro te da el zarpazo, no puedes negarte a probar más dosis de su droga. Enormes.

ESTAMOS DE CELEBRACIONES

Entre los 36 años que cumple el excelente "Dream Police" de Cheap Trick, los 58 años que cumple nuestra rockera favorita, Joan Jett, que curiosamente está de gira por América con Cheap Trick y Heart en estos momentos, y los 65 años de Mr. Coverdale, hoy es un día de celebraciones rockeras. Además, encima veremos a Y&T esta tarde.

JUDAS PRIEST

"TURBO"

Corría abril del 86, cuando los británicos defensores de la fe metálica, publicarían uno de los discos más controvertidos de su historia. Si ya en el pasado habían intentado dar un giro más comercial con "Point Of Entry", quedándoles la cosa algo floja, a pesar de contener dicha obra, magníficos temas como "Heading Out To The Highway", "Hot Rocking" o "Dessert Plains", afortundamente volvieron a recuperar terreno con dos trabajos tan contudentes como "Screaming For Vengeance" y "Defenders Of The Faith", que les situó como la banda por excelencia de heavy metal en los 80. Pero he aquí que la compañía les propone sacar un disco con material más comercial, y en consonancia en cierto modo, con los sonidos que se estaban poniendo de moda en la época con bandas como Ratt o Dokken, e incluso bandas ajenas al metal, con los sintetizadores y demás. CBS les tiró el guante, y ellos, que nunca han dudado en experimentar y arriesgar aunque pueda parecer lo contrario, lo recogieron, grabando "Turbo". Una obra que en su momento no dejó a nadie indiferente, y aún a día de hoy, es objeto de discusión entre sus fans y detractores. En un principio, el disco iba a ser doble, y llamarse "Twin Turbos", pero se desechó la idea por lo caro del presupuesto, y los temas descartados irían a parar poco más tarde a su siguiente disco, "Ram It Down". Estos temas serían el propio "Ram It Down", "Love You To Death", "Hard As Iron" y "Monster Of Rock". Curiosamente, estos temas hubieran aportado un sonido más agresivo al disco. "Turbo" se considera el primer disco de heavy metal con guitarras sintetizadas, aunque eso sería discutible, puesto que ya Aldo Nova o Gamma usaban estos instrumentos, y esas guitarras precisamente, quizás a día de hoy hagan que el sonido del disco resulte muy de esa época, y algo desfasado. En su momento, para los fans que habíamos flipado con su anterior obra, y muchos que estábamos flipando con bandas como Metallica, nos dio un shock similar al provocado por una patada en las gónadas, en cuanto escuchamos el comienzo de "Turbo Lover" y vimos el primer clip de la banda, con Halford desatado con chupas de colores y bailando como Ana Torroja. Pues bien, con la perspectiva que da el tiempo, los cambios de gustos de un servidor y otros factores, resulta que en mi caso, no sólo "Turbo" me parece un gran disco, sino que además, me parece que fue un movimiento muy valiente y una jugada maestra que les salió de puta madre. Judas siempre han sabido reinventarse, y siempre en el fondo, han conservado su estilo, porque si uno se para a analizar detenidamente los temas de este trabajo, bajo las capas de sintetizadores, hay cosas ahí que siempre han estado en el sonido de Judas Priest. El riff de guitarra y los guitarrazos en el solo de Tipton, son marca de la casa, por mucho sintetizador que suene en plan vuelta ciclista, en el tema que da título al disco. "Locked In" con otra producción, encajaría perfectamente en un "Screaming For Vengeance", es puro Judas, y es un temazo, qué cojones. Las guitarras de Tipton y Downing suenan a puta gloria en el solo. "Private Property" es un medio tiempo muy comercial, pero, ¿Acaso no lo eran en el pasado, temas como "You Don't Have Old To Be Wise" o "Grinder"?. Y los coros son totalmente deudores de "Heading Out To The Highway". "Parental Guindance" quizás sea lo más flojo del disco, pero aún así tiene su encanto, con esa letra sobre algo tan en boga y de actualidad en la época, como era la censura en los discos y los meapilas del PMRC, con un recordatorio a "You've Got Another Thing's Comming". "Rock You All Around The World" era el clásico temón cañero de Judas, dedicado al rock y a sus fans, con unos coros ideales para los shows en directo. Quien vea un "pero" a ese tema, necesita un otorrino. "Out In The Cold" es uno de esos temas épicos tan del gusto de la banda, cuya ambientación con los sintetizadores le da un aire de ciencia ficción muy acorde con la canción, y en el que Halford está inconmensurable. "Wild Nights And Crazy Days" es un rock festivo tocado a la manera de ellos, como en su tiempo lo fue "Living After Midnight". Por cierto, que en este tema, colaboró a los coros el cantante por entonces de RacerX, Jeff Martin. Banda ésta, amiga de los Judas, con los que compartían similitud de sonido, tanto que su batería años más tarde pasaría a formar parte de los de Birmingham hasta el día de hoy, y a la que cedieron los Judas la canción "All Fired Up", que aparecería en la edición remasterizada de "Turbo". "Hot For Love" es un tema 100% Priest, a pesar de los sintetizadores del comienzo, y una de mis favoritas. Y "Reckless" tiene un matador riff inicial y es un puto himno que mola mucho escuchar a todo volúmen en el coche. Si en su tiempo rechazó este disco, porque le pareció una moñada, dele otra oportunidad, hombre. En el fondo no era tan distinto, y ni mucho menos es un mal disco.

EAT'EM AND SMILE

Corría el año 85, cuando el frontman más admirado de América por aquel entonces, tras la edición de su divertido EP "Cracy From The Heat", anunciaba su marcha definitiva de Van Halen, por sus diferencias musicales con Eddie. Y lo hizo rodeándose de una formación de campanillas, con el virtuoso Steve Vai, procedente de Frank Zappa y Alcatrazz, a la guitarra, el no menos virtuoso bajista Billy Sheenan, ex Talas y UFO (en España, el público pudo conocerle, en una gira bastante desastrosa, por cierto, de la banda de Phill Mogg), y un desconocido para el público masivo, y no digamos del hard rock, como era el batería Gregg Bisonette, que ya se había fogueado tocando con el proyecto de Los Lobotomys de Steve Lukather y Brandon David, material de jazz rock, y con DLR demostró ser una apisonadora a los tambores, con esta formación, publicaría hace treinta años, el discarral que nos ocupa.

¿Y qué nos ofreció Roth en esta nueva andadura en solitario? Pues justo lo que echábamos en falta los fans de los VH clásicos, en la nueva formación con Hagar. Virtuosismo, diversión, y hard rock sin sintetizadores ni melodías AOR de hilo de ascensor. La cosa empezaba con la divertida "Yankee Rose", con una cachonda conversación entre Roth y la guitarra, muy heredera de los rollos cómicos de peli de dibujos que se marcaba Zappa, con la guitarra imitando carcajadas y demás, seguía con una brutal versión del "Shy Boy" que se trajo Sheenan de sus Talas, rock&roll cachondo y fiestero con aires de swing de la mano de "I'm Easy", un tema que podría haber encajado como un guante en cualquier disco de su antigua banda, como era "Ladies' Night In buffalo", con un ritmo marcadamente funk, el riff que incluso suena a unos Dire Straits puestos de farla, que da inicio a otro temazo como es "Going Crazy", un tema para animar cualquier fiesta veraniega que se precie (como todo el disco, claro), una versionaza del clásico "Tobacco Road", de John D. Leudermick, la acelerada "Elephant Gun" heredera de cañonazos habituales en VH como eran "Hot For Teacher" o "I'm The One", en la que el bajo de Sheenan se luce de lujo, junto con la guitarra de Vai, otro tema funkero y vacilón que era "Big Trouble", seguida de otra pieza 100% Van Halen, llamada "Bump And Grimp", y el disco acababa con otra versión, esta vez de Sinatra, que era "That's Life", en la que nos mostraba su gusto por Sinatra, el rollo Las Vegas y demás.

Lo dicho, un disco que hay que desempolvar ahora que cumple 30 años, y que además, es ideal para escuchar en la playa en  verano.

Por cierto, que gracias al éxito que cosechó, Roth decidió editar la versión cantada en español aprendido en una taquería, y es todavía más divertida si cabe, por lo bizarro de la traducción de las letras.

THIN LIZZY

"LIVE AND DANGEROUS"

Tal día como hoy, del año 78, se publicaba uno de los mejores live albums de los 70, probablemente, junto al "Strangers In The Night" de UFO. Mucha gente pudo introducirse en la música de Thin Lizzy, gracias a este colosal directo producido por el habitual de David Bowie, Tony Visconti, en el que la formación más clásica que tuviera la banda de Phil Lynott apabullaba el salón de tu casa con una magnífica colección de temazos como eran "Jailbreak", "Esmerald" "Dancing In The Moonlight", "Cowboy Song", "Rosalie", "The Boys Are Back In Town" o "Bad Reputation". En los tiempos de Youtube y las descargas, a las nuevas generaciones puede traérsela floja la publicación de un disco en directo, pero los que crecimos con los live albums, que contábamos los días para que saliera el directo de nuestra banda favorita, y nos imaginábamos, una vez adquirida la pieza y puesta en el tocadiscos, cómo sería la banda en directo, ya sabéis a qué me refiero si hablo de toda esa magia que había en ello.

Así que, una vez más, pinchemos el disco (preferiblemente en su edición en vinilo, con su carpeta doble y su collage de fotos de la banda en directo) y disfrutemos una vez más de todos esos temazos.

LITTLE CAESAR

LA BOITE

24/05/2016

Tal es la actitud y entrega de Ron Young, que ni siquiera estar recuperándose de una bronquitis que hizo que anulase algunas fechas de esta gira, y que en Bilbao tocasen menos tiempo, lastró la increíble actuación tanto de él, como del resto de sus compinches, que estuvieron tremendos. Presentándonos su flamante nuevo disco en directo, "Live From Holland", Little Caesar nos volvieron a dar una ración de buen rock&roll, actitud y feeling, al alcance de muy pocos, con un repertorio de vértigo, con temazos de su primer disco como "Down & Dirty", "Rock&Roll State Of Mind", o "Hard Times", su versión del clásico de los Temptations "I Wish It Would Rain",  temas de "Influence" su segundo trabajo, como "Rum And Coke", temas del disco que marcó su retorno, "Redemption", como "Supersonic", "Real Rock Drive" o esa Meddley que venía en el mismo disco, del "Every Picture Tells A Story" de Rod Stewart y el "Happy" de los Stones, y temas de su más reciente disco en estudio, como el que le da título, "American Dream", en cuya presentación aprovechó Ron para decirnos lo que piensa sobre el impresentable de Donald Trump, o la bluesy "Dirty Water" que sonó a gloria. Otra de las sorpresas de la noche, fue una asombrosa versión del "Nobody Said It Was Easy" de los añorados Four Horsemen. No en vano, su bajista Pharoah Barrett, perteneció a dicha banda. Lo dicho. Una gran noche de roc&roll, protagonizada por una banda que demuestra una gran pasión cuando nunca fueron unos estrellones, vendieron lo que vendieron, y rodaron lo que rodaron, lo cual les da más mérito todavía.  Espero que en próximas visitas, vaya haciendo efecto el boca a boca de los fans,  y llenen más las salas.

Por cierto, la foto es cortesía de mi amiga Maribel Ruiz.

ESTUDIOS SOCIOLÓGICOS CHORRAS. HOY: LOS FELIPES

"A enseñar la afoto a los compis de la oficina"

El fenómeno que hoy nos ocupa, ya lo traté en el 2006 de manera muy por encima, en un artículo que me quedó la mar de gracioso, que aquí pueden abrir, pero claro, en diez años, este tipo de personaje, debido a otros muchos factores como ha sido la apropiación de la estética rockera por la moda y sus pijos consumidores, el elitismo entre todos los cuñados aspirantes a pijazos, a los que les gusta aparentar, y nada mejor que gastarse un pastizal en conciertos multitudinarios cada vez más caros, Rock FM, que ha acercado esta música a este tipo de infraseres, han hecho que la especie del Felipe (palabra para definirles, que he sacado de un foro sobre rock, que me hizo mucha gracia, y por ello la copio), aumente exponencialmente, junto al número de MILFs, marujas y pijas con chupas de cuero rockeras (que para disimular llaman chaquetas Perfecto) en nuestras zonas céntricas de nuestras ciudades, y los calvos con barba.

Y bien, pues ya puestos en situación, hay que decir que la figura del tipo mediocre, pijo y paleto, que no tiene ni puta idea de rock&roll, pero que va a los conciertos caros para figurar y hacer vida social, no es, como ha quedado claro, de ahora. Esta especie se empezó a prodigar con la primera visita de los Stones a Madrid a comienzos de los 80, siguió prodigándose con las visitas de U2, y sobre todo con las de Bruce Springsteen y su E Street Band, en las que se mezcla con la secta de fans de Springsteen que sólo parezca que escuchen a Springsteen (Yo voy el mes que viene, les padeceré), y han invadido hasta un terreno que en los 80 hubiera sido prohibido para ellos, porque ni se hubieran acercado, y si lo hubieran hecho, los rockeros y heavies de la época, les hubieran dado de hostias por pijos y por subnormales, como son los shows de AC/DC, en los que dan un bonito colorido con sus cuernos fluorescentes, mientras miran al grupo en la pantalla de vídeo, desde su localidad en la zona de visibilidad reducida.

"Ay, Borja, no te has traído la cámara para un selfie"

Es muy común en estos personajes, ya que van a estos eventos sociales, para luego presumir de camiseta en la barbacoa, o de fotos en el mitin de Ciudadanos o del PP, que den el coñazo con tablets, móviles, cámaras, etc., pero no como el espectador medio, que puede hacer una o dos fotos y ya, no. Estos suelen dar el coñazo con el palito de selfie, hacerse eso, selfies, justo en el mejor momento del concierto (recuerdo a un imbécil en el último de los Stones, dando la brasa para hacerse selfies con él, justo en pleno "Midnight Rambler" en el que la presencia de Mick Taylor lo convirtió en una acojonante jam bluesera, y mis gritos de "¡Hijoputa, que es Mick Taylor!" y la cara de no saber por qué se lo decía, del interfecto), deseando muchas veces, en el público que ha ido a presenciar el concierto, porque le gusta ese ruido que suena de fondo para ellos, que es la música, que alguien les meta el palito de selfie entre nalga y nalga, hasta que asome por la garganta.

También es muy divertido, cuando estos gañanes no conocen nada del artista al que han ido a ver, que no hayan escuchado en Rock FM, creando situaciones muy divertidas, como cuando en los conciertos de Queen + Paul Rodgers, cada vez que se arrancaban con un tema del segundo, que no fuera el "Allright Now", pusieran cara de haba, o cuando Aerosmith tocaban en un Palacio de los Deportes salgo de los 70 como "Toys In The Attic", tres cuartos de lo mismo, para descojone y disfrute de los que coreábamos esas canciones.

En fin, este es el felipe, una especie que si uno se lo toma con humor, puede dar momentos muy graciosos, pero que da mucho miedo su aumento, aunque afortunadamente, no pisarán jamás una sala pequeña en la que tocan los grupos de verdadero rock&roll, de los que no saben ni huelen estos ejemplares.

OTRO DIA TRISTE PARA LA MÚSICA

Dos nuevas y lamentables pérdidas que se suman a la larga lista de estos últimos años, tuvieron lugar ayer Por un lado, el genio de Minneapolis, Prince, con 57 años, y por otro, la leyenda de blues Lonnie Mack, con 74. R.I.P.

AXL ROSE, AC/DC Y EL DÈJÁ VU

En primer lugar, como estoy algo vago, voy a empezar poniendo aquí lo que he puesto en mi Facebook cuando la noticia se ha confirmado de manera oficial hoy:

 Gente que se va a cortar las venas con una motosierra, porque ya es oficial lo que era previsible en AC/DC. La que se hubiera montado de haber internet al nivel actual, cuando Rob Halford cantó con Black Sabbath en Costa Mesa, oigan. A mí me da más asco que Gucci haya hecho un vestidito con el logo de la banda australiana, que el hecho de que para cubrir unos conciertos, la empresa (porque ACDC a día de hoy es una empresa), haya fichado para cubrir una baja de uno de sus curritos, a un tío que domina esto del rock de estadios, es un cantante de hard rock fanático de AC/DC, y que ya con su grupo les versioneaba en directo. Que parece que hayan fichado a Enrique Iglesias, coño. Que sí, que tendrían que devolver la pasta de las entradas al público que se la ha comprado por ver a AC/DC con Brian Johnson (al que muchos talibanes, tras tantos años ganándose los galones, le siguen llamando "el nuevo", por cierto). Pero lo que hay, es lo que hay. AC/DC es Angus Young, y seguido, una empresa de la que come mucha gente, con contratos y demás, que vaya usted a saber qué cláusulas habrá, por cancelaciones de giras y demás. Exageraos, que sois unos exageraos.

 Y, dicho esto, quería comentar con ustedes, la sensación de dèjá vu que me ha traído esto, porque este traumita que les da a los fanes del rock cuando su banda cambia a un cantante por otro, es más viejo que el cagar. Hasta lo padecieron los mismos AC/DC, cuando sustituyeron al finado Bon por el hombre de la boina. Obviamente, cuando entra un cantante nuevo, esto suele afectar al sonido de la banda, sea la que sea, y polémicas como la que nos ocupa, han sido muchas en esta música. Recordemos unas pocas:

DEEP PURPLE MARK IV

Aquí el cambio no es de cantante, sino de guitarrista, pero es bastante significativo.Cuando Ritchie Blackmore se piró de la mítica banda, porque no le molaba la inclinación cada vez mayor que estaban teniendo sus compis hacia terrenos más negroides, todavía muchos fans seguían defendiendo discazos como "Burn" y "Stormbringer", a pesar de que un sector importante rechazó a esos Purple, y se quedó con los de la formación anterior con Gillan y glover. Pero ya, el síncope definitivo, les entró a muchísimos fans cuando Blackmore fue sustituído por el gran Tommy Bolin, un enorme guitarrista, que había tocado con James Gang, y que tenía una gran reputación como músico de sesión, con unas tesituras más jazzísticas, mucho más versátil que el rollo clasicote del hombre de negro, que se amoldaba a lo que Purple buscaban como un guante. De siempre, entre los heavies más garrulos, corrió la estupidez de que este hombre, por ello, por su versatilidad, y porque no iba en plan corrededos, era peor que Blackmore, y "Come Taste The Band" se llevó todas las hostias habidas y por haber por esos prejuicios idiotas.  Con los años, se reuniría la formación de Gillan y Glover, con un estupendo "Perfect Strangers" bajo el brazo, que iría decayendo, hasta que Blackmore fichó a su antiguo compañero de Rainbow, Joe Lynn Turner, grabando un "Slaves And Masters", que, sin ser en absoluto un mal disco, suena más a Rainbow que a Purple, pero no fue tan defenestrado como el "Come Taste The Band".

RAINBOW

Siguiendo con la saga Purple, Blackmore se había hecho con un público gracias a la aportación entre otras cosas de Ronnie James Dio, pero llegó un momento que quería triunfar a lo grande en los States. Así que, decide que el heavy metal de historias de dragones y brujos debería dar paso a una orientación más comercial. Ficha a un desconocido Graham Bonnet, que a pesar de su look a lo James Dean, el público no le coge tanta manía como le cogió Blackmore. "Down To Earth", a pesar de ser un álbum más comercial, que su material anterior, no está exento de calidad, mantiene cosas del pasado, y encima Bonnet es un cantante fuera de serie. Pero, Blackmore ficha a un cantante neoyorkino de una banda aorera llamada Fandango, con el que grabaría "Difficult To Cure". Ahí ya, muchos de los fans de los Rainbow de Dio, sacan los cuchillos, por las pintas de moñón que tiene Joe Lynn Turner, y porque ya Blackmore ha decidido que va a gustar de una vez por todas a los fans de Journey, con una inclinación total al rollo más AOR. Si en la época hubiera existido internet, Facebook hubiera echado chispas cuando se presentó en sociedad el clip de "I Surrender". Aunque la cosa no es para tanto. Donde antes había un "Kill The King", ahora había un "Spotlight Kid", donde antes había un "Do You Close Your Eyes", ahora había un "Can't Happen Here", y seguía mostrando su querencia por lo clásico con su versión del Himno A La Alegría de Beethoven. Vamos, que cambiaba el envoltorio, pero en el fondo...

VAN HALEN

Bueno, en este caso, en los USA quizás el público sí sintió como si hubieran violado a sus madres, con la orientación musical que cogió Eddie Van Halen, en cuanto se deshizo de David Lee Roth, y fichó al Red Rocker, pero en países como Spain, curiosamente, los heavirulos en general, vieron con buenos ojos lo que empezaron a perpetrar éstos con Hagar, que les parecía como "más serio" , que con Roth eran divertidos, y eso era intolerable. Así, de ser una banda divertida con un poder guitarrero acojonante, con un guitarrista que había cambiado el lenguaje de la guitarra eléctrica y un showman brutal, se convirtieron en una banda de AOR para marujas e hijos musicales de ascensores y dentistas, en la que tenían más importancia los sintetizadores que las guitarras. Luego intentaron enmendar eso, pero para gente como yo, ya no tenía solución. Y menos cuando su excompañero grabó dos discazos como "Eat'em And Smile" y "Skyscraper". ¡Y mira que me gustan Montrose y Samy Hagar en solitario! Pero aquí la culpa era de Eddie.

BLACK SABBATH

Hoy, a mucha gente joven le parecerá increíble que ocurriera, pero ocurrió. Cuando Tony Iommi  decidió echar a Ozzy, y meter a Dio en su banda, muchos fans dieron la espalda a los de Birmingham, e incluso cada noche que salía el diminuto cantante al escenario, tenía que escuchar a muchos fans coreando el nombre de Ozzy.  Sí, vale. Black Sabbath crearon un sonido propio en el que la voz de desquiciado de Ozzy era parte fundamental, pero, ¿acaso con Dio, que era un cantante infinitamente mejor a nivel técnico, no situaron su sonido en los 80, pudiendo perfectamente competir con las bandas que surgirían con la NWOBHM, y encima grabaron dos obras maestras como "Heaven And Hell" y "Mob Rules"? Personalmente creo que ambas épocas son compatibles, y poner una sobre otra a día de hoy, es puro postureo.

BLACK SABBATH E IAN GILLAN

Esta unión fue muy sonada. Cuando Dio marchó de Black Sabbath, Toni Iommi, en un gesto de bizarrismo sin precedentes, un buen día sorprende a todo cristo metiendo como batería a Bev Bevan, batería de la ELO, ¡y al ex Deep Purple Ian Gillan! Lo de Bevan sonaba raro de cojones. No es que sea un mal batería, pero la ELO no es Black Sabbath, no sé si me entienden. Y lo de Gillan, bueno, no fue tan mal recibido como lo de Axl en AC/DC, e incluso el disco que perpetraron, "Born Again", pese a tener una producción horrenda, no suena del todo mal, tiene temazos como "Disturbing The Priest", y con el tiempo se ha convertido en un disco de culto que ha influenciado en bandas posteriores. Pero la cuestión del directo ya fue otra cosa. Con su anécdota a lo Spinal Tap con el decorado del escenario, y luego, un Gillan acabadísimo de voz, que no daba una, y encima, unos Sabbath tocándose todas las noches "Smoke On The Water"...la cosa tuvo las críticas que tuvo, y consecuentemente, duró lo que duró.

QUEEN Y PAUL RODGERS

Esto otro también trajo mucha cola. Seamos realistas. Pensarse que Brian May iba a quedarse sin exprimir el legado de Queen, es de ingénuos. Además de que tanto él como Roger Taylor tienen todo el derecho del mundo a ello, porque ellos también formaron parte de la banda. Así que, cuando May estaba aburrido, un buen día decidió juntarse con Taylor y con el ex cantante de Free y Bad Company para hacer una gira recordando el legado de su banda, de Freddie Mercury, y además el de su nuevo compañero, por añadidura. John Deacon decidió no formar parte de esto, lo cual es respetable, pero qué quieren que les diga. Por una parte, nunca había visto en directo a Queen, y por otra, tampoco a Paul Rodgers. Con lo cual, yo fui de los raros que disfrutaron las dos veces que les vi en directo, y con su disco "The Cosmos Rocks". Me pareció muy curioso ver a Queen moviéndose por una tesitura menos barroca y más blues y soul, así como la manera que tenía Rodgers de llevar los temas clásicos a su terreno, mas luego ver a Queen llevando al suyo temas míticos de Free o Bad Company en los directos. También me alegraba que Paul Rodgers, un tío que es una leyenda por ahí fuera, pero que en países como el nuestro gusta a una minoría, obtuviese la atención de públicos mayoritarios y se diera a conocer entre ellos. Para evitar los comentarios maliciosos, la cosa se presentaba como Queen + Paul Rodgers, pero no por ello no hubo comentarios maliciosos de gente que decía que qué morro, que eso no era Queen, ¡que tenía que haber estado ahí George Michael! ¡Venga coño! Así pasa, que los horteras que no tragaban a Rodgers, y que además no conocían ni una puta canción de Bad Company o Free salvo el "Allright Now" o el "Can't Get Enought" están más que encantados con la nueva reencarnación de Queen con un triunfito clon de Mercury como Adam Lambert.

¿LA VOZ DE LA MOVIDA? ¡QUE OS FOLLE UN PEZ!

Sí, así llamaban a Manolo Tena ayer en algunos periódicos, los juntaletras pijos que se criaron con la puta y sobrevalorada hasta el vómito Movida Madrileña.Ahora, la cosa debe consistir, al parecer, en meter en ese saco, a todo artista de los 80, aunque sea de una generación anterior, y prácticamente decir que la Movida inventó el rock español, o casi. Y no, Manolo Tena, como él mismo decía, era demasiado pop para los heavies, y demasiado heavy para los poperos, y, desde luego, tenía más talento en la uña del pie, que la mayoría de los pintamonas de la Movida (salvo sus honrosas excepciones, que alguna hubo, como serían La Frontera, Radio Futura, Parálisis Permanente o Los Secretos). De momento, Tena pertenecía a la generación de bandas que despuntaron a finales de los 70 en el rock que se hacía en Madrid, junto a Leño, Ñu, Asfalto y compañía, bandas tan despreciadas pocos años después por los nenes de papá de la Movida, como los mismos Cucharada. Su siguiente banda, Alarma, quizás gustase a alguien de esa panda, pero salvando a los Urquijo o a los Nacha Pop, al resto de la troupe, lo dudo mucho. Y no digo nada ya, de los palos que se llevó cuando quiso hacérselo de cantante más melódico. Así que, no. De voz de la Movida,nada. Cualquier día dicen lo mismo de Rosendo.

MANOLO TENA D.E.P.

El maldito cáncer se nos ha llevado a un grande del rock español. Uno de sus mejores compositores, con una voz muy personal, y un gran músico en definitiva. A sus sesenta y cuatro años, a pesar de que no se le veía con una salud boyante, en cierto programa de la Sexta, demostraba todavía tener un talento a prueba de bombas. Ahí queda todo lo que grabó con Cucharada y Alarma para el recuerdo. Auténticos himnos del rock nacional como "Preparado Para El Rock&Roll", "Peligrosidad Social" "Esta Noche" , o temas que quedan para la posteridad en la música popular hispana como "Sangre Española".

SAD WINGS OF DESTINY

Este mes se cumplen cuarenta años de uno de los discos seminales del heavy metal tal y como lo conocemos hoy. El segundo disco de Judas Priest con el sello Gull, puliría las influencias palpables de Black Sabbath que mostraban en "Rocka Rolla", e iría afianzando un sonido que sería marca de la casa e iría haciéndose más personal disco a disco, redefiniendo el heavy metal y marcando el camino a seguir a montones de grupos posteriores. Nadie en 1976 sacaba ese sonido a las guitarras, ni sonaba así de rápido, afilado y poderoso, como hacían los de Birmingham en temas como "Tyrant", "The Ripper", "Island Of Domination", "Deceiver", en la que todavía se nota la influencia de BS en ese riff tan similar al de un "Children Of The Grave", o  "Genocide", Y qué decir de la amplitud de registros mostrada por Halford a lo largo de todo el disco. Desde los más melódicos en la preciosa "Epitaph" que recuerda sobremanera a los Queen de esa misma época, con ese piano y los coros, y la no menos enorme "Dreamer Deceiver", hasta los agudos imposibles al final de "Tyrat", o esa subida de registros en uno de los temas que se covertiría en imprescindible en directo (al igual que "The Ripper") como es la épica "Victim Of Changes".

Uno de los discos imprescindibles de la historia del heavy metal.

FASCISMO, TITIRITEROS Y OTRAS COSAS

Ha sido el último suceso con el que la ultraderecha ha aprovechado para desprestigiar a un partido que les molesta, a un ayuntamiento que también les molesta, y de paso, amedrantar e imponer el fascismo una vez más. Sí, hablo de la que se ha montado con la función de títeres en los Carnavales. Una función que, paradójicamente, criticaba los montajes policiales para criminalizar las protestas, y que ha sido víctima de otro montaje, gracias a la denuncia de una flanders que, ejerciendo de mamá y ciudadana modelo, al más puro estilo McArthysta, y sin saber ni lo que estaba viendo, se apresuró a denunciar ante las autoridades, lo que interpretaba como un "enaltecimiento del terrorismo". Porque esa es la mentalidad que lleva años fraguando la derecha en gran parte de este país. Ya están creando una sociedad de delatores y chivatos, en la tradición del franquismo o el nazismo. Tiempo al tiempo. Luego está la incultura de este país, según la cual, una obra de teatro con guiñoles, o una serie de dibujos, automáticamente son "para niños", que hace que ocurran estas cosas. Claro que, hipócritamente, los que han ido a por el cuello de los que hacían la obra y del Ayuntamiento (que ha actuado de una manera muy cobarde, dicho sea de paso) te cuentan que claro, no había derecho a poner una obra así para niños, cuando desde la propia página de los carnavales, ya se avisó de que la obra era para adultos.

Incluso mucha gente, desinformada concienzudamente por los mass media, y por la caverna derechil, se sumaba a la indignación contra la obra, sin ni siquiera haberla visto. Te contaban que lo que se veía ahí, era casi un horror digno de los cuadros de El Bosco, con que si monjas violadas, y lo que es peor aún: ¡una pancarta en la que ponía "Gora AlkaETA"! Nadie con dos dedos de frente vería ahí una apología de nada, si la cosa no se sacase de contexto de esa manera. Resulta que la obra, inspirada en Lorca, por cierto (quizás esto también lo habrá tenido en cuenta el juez que metió en chirona sin fianza a los dos titiriteros. Total, es un antiguo policía franquista), situaba esa pancarta en el contexto de cómo el sistema criminaliza a cualquier manifestante, asociándole con Venezuela, Alqaeda, ETA, grupos supuestos terroristas gallegos, y lo que haga falta, algo que está muy a la orden del día. Pero vamos, criticar ahí esa pancarta, es como meter en la cárcel al director de "Ocho Apellidos Vascos", por la escena en la que Dani Rovira se hace pasar por un Kale Borroka y quema un contenedor, o a George Lucas por inspirarse en los nazis para los malos de Star Wars. Una soberana ridiculez. Lo de la monja violada, pues no lo sé, porque no he visto la obra. Imagino que de ser así, no será representado como algo positivo, pero vamos, me hace gracia que los niños no puedan ver esta obra, pero sí puedan ver manifestaciones de Semana Santa, en la que representan cómo a un tipo le hacen cargar con una cruz a cuestas, le clavan las manos a ella y lo crucifican, o cómo esos papis que quieren que sus hijos no vean violencia ni política en marionetas, pero bien que les llevan a ver pelis de acción en la que saldrá algún valiente yankee defendiendo el imperialismo y el libremercado matando alegremente comunistas, o el malo de turno del momento. A todos estos mongólicos, de pronto, les escandaliza la obra esta, y no han caído de que los carnavales, fueron prohibidos por Franco, entre otras cosas, porque siempre han sido usados para criticar al gobierno de turno. Cualquier día prohíben las chirigotas de Cádiz. Y que también se ha hecho desde hace tiempo sátira política y social con las marionetas. Pero vamos, que la escena de este fin de semana, recuerda mucho a esa Italia fascista de Mussolini, que tan bien (y tan premonitoriamente, visto lo visto) reflejó Bernardo Bertolucci en "Novecento". Es curioso, porque en televisión, no sólo existían los guiñoles de Lo + Plus satirizando la actualidad política, sino que además, en los 80, muchos crecimos viendo "La Bola De Cristal", un programa impensable a día de hoy, con este neofascismo disfrazado de corrección política y proteccionismo hipócrita de la infancia, porque la crítica política en los Electroduendes, hoy sería motivo de delito y persecución. Y no, no me hablen de adoctrinamiento. Es incitar a pensar, y eso es lo que no le gusta a la derecha. ¿No quieren adoctrinar a los niños? ¿Quieren despolitizar a la persona desde que tiene uso de razón, para que sean ciudadanos cretinos y manipulables a placer? ¿Acaso no es adoctrinar, hacer excursiones de colegios al Congreso de los Diputados, o cuando los papis llevan a los niños al desfile del Día de las FFAA, o cuando los derechosos llevan a sus críos a las manifestaciones del Foro de la Familia? Váyanse al carajo, putos hipócritas.

Noticia de última hora: parece ser que la hipotética monja violada (siempre según la versión de los mass mierda y la caverna), no existe en la obra. El escritor de teatro y actor Darío Fo, nos cuenta el argumento:


''Erase una vez una bruja, (ya se sabe, de mala fama pública), que se ve en la situación de enfrentarse a los cuatro poderes que rige la sociedad:
la Propiedad,
la Religión,
la Fuerza del Estado y
la Ley.
La bruja está en su casa, y de pronto, su vida es interrumpida por la aparición del “Propietario”, legítimo poseedor legal de la casa donde vive que decide aprovecharse de la situación para violar a la bruja. En el forjeceo, la bruja mata al propietario. Pero queda embarazada, y nace un niño.
Es entonces cuando aparece una monja, que encarna el Poder que hace uso de la Religión. La monja quiere llevarse al niño, pero la bruja lucha con todas sus fuerzas para retener a su hijo, y en el enfrentamiento, la monja muere.
Aquí aparece el Policía, que representa la Fuerza del Estado, y golpea a la bruja hasta dejarla inconsciente, y después, construye un montaje policial para acusarla como terrorista peligrosa ante la Ley, colocando una pancarta de “Gora Alka-ETA” sobre su cuerpo, y sacándole una foto, como prueba.
Así aparece el Juez, que acusa y condena a muerte a la protagonista, sacando una horca. La bruja se las arregla para engañar al juez, que mete la cabeza en su propia soga, y la aprovecha para ahorcarle, para salvar su propia vida.
Los titiriteros que cuentan esta historia han sido detenidos y puestos en prisión. A ellos, como a la bruja, también les colocaron la pancarta del montaje policial y la Ley Mordaza hizo el resto.
Se les olvidó incluir un quinto poder supremo: los mass media, que hablan de monjas violadas que no existían en su obra (Religión) y de abuso de libertad en lugares públicos (Propiedad).
"La sátira es el arma más eficaz contra el poder: el poder no soporta el humor, ni siquiera los gobernantes que se llaman democráticos, porque la risa libera al hombre de sus miedos."

HAPPY BIRTHDAY, BETH HART!!!

Ayer cumplía 44 años, esta gran mujer. Beth Hart, para quienes todavía no la conozcáis, es una de las mejores y más carismáticas voces femeninas del blues (aunque también se atreve con el jazz, el rock, y lo que le echen) de los últimos años. Su historia personal con un talento que demostraba ya en la infancia cuando tocaba de oído al piano piezas clásicas, su transtorno bipolar, su caída en las drogas, cómo su marido le sacó precisamente de ese pozo, supero su adición y su transtorno, alcanzando el éxito actual que tiene, con sus colaboraciones con Joe Bonamassa y sus últimos discos, daría para una película. Hace poco actuó por aquí, demostrándonos cómo se hace con el escenario esta fiera escénica, y cómo nos puede hacer tener un nudo en la garganta, y que se nos escape alguna lágrima, con versiones de Etta James o Billie Holiday. Prometió volver este año. Yo que ustedes, no me lo perdería.

RAINBOW

"RISING" 

Este año se cumplirán 40 de la publicación de esta obra capital del hard rock, y, aprovechando la triste noticia de ayer, del deceso de Jimmy Bain, valga este artículo como homenaje a este gran bajista que estuvo en varios momentos clave de la historia de este género, primero prestando sus servicios en Rainbow, con este disco y el directo "On Stage" del 77, y después en los Wild Horses junto a Brian Robertson, colaborando con Phil Lynott en su "Solo In Soho", y en los cuatro primeros discos, contando el directo "Intermission", de su antiguo compañero en Rainbow, Dio.

Bain entró para este segundo disco de la banda del arcoiris, al igual que entrarían Cozy Powell a la batería y Tony Carey a los teclados, sustituyendo a los miembros de la formación del primer disco, a excepción de Ronnie James Dio que conservaba el puesto como cantante, y con este disco, sentarían las bases del heavy metal de corte neoclásico que inspiraría a montones de bandas posteriores, de la mano de temas épicos con esas letras tan cargadas de fantasía, tan características de los Rainbow de esa época, entre los que destacaban "Tarot Woman" con esa bonita intro de órgano cortesía de Carey, la brillante "Stargazer", con el apoyo de la Orquesta Filarmónica de Múnich, o la rápida "A Light In The Black", con ese pedazo de solo de Blackmore, sin quedarse sólo ahí la cosa, porque "Run with The Wolf" era otra joya marca de la casa, y la rockandrollera "Do You close Your Eyes" daba algo de marcha y ligereza a la cosa, rebajando un poco lo épico para que no empalagase: De hecho, era el tema más corto, en medio de piezas como "Stargazer" o "A Light In The Black", que duraban ocho minutos y pico, o "Tarot Woman" con sus seis minutos y algo. Uno de los discos definitivos de Rainbow y del hard rock en general, sin lugar a dudas.

GLENN FREY R.I.P.

Otro grande se nos acaba de ir. Glenn Frey, el cofundador de los Eagles, junto a Don Henley. El mundo del country rock está de luto.

DALE GRIFFIN R.I.P.

Otro nombre que se suma a la triste lista de fallecidos del mundo del rock que ha arrancado desde la muerte de Scott Weiland, ha seguido con Lemmy y con David Bowie, y ahora se suma este hombre. Dale Griffin fue el batería y miembro fundador de Mott The Hoople, desde el año 69 hasta el 74, cuando Mick Ronson e Ian Hunter se marchan, formando Dale junto a Overend Watts, Morgan Fisher, Ray Major y Nigel Benjamin, Mott, cambiando el nombre posteriormente a British Lions, cuando el vocalista Nigel Benjamin abandonó la banda. En los 80 trabajó como productor, colaborando en dicha labor en álbumes de Hanoi rocks y The Cult. A los 58 años, fue diagnosticado con alzheimer, lo que no impidió para que en 2009 se sumase a los cinco shows de reunión de Mott The Hoople, para celebrar el 40 aniversario de la banda, aunque fue ayudado a la batería por el batería de Pretenders, Martin Chambers. Y el alzheimer ha sido al final la causa de su muerte ayer, a los 67 años. R.I.P.

ORGASMATRON

Corría el año 86, cuando, tras lucir su nueva formación de campanillas con cuatro temazos como eran "Killed By Death", "Locomotive", "Steal Your Face" y la que daba título a la mascota de las portadas , "Snagglethoot", en el recopilatorio "No Remorse" del 84, y celebrar en el 85 su décimo aniversario como banda, por todo lo alto en el Hammersmith Odeon londinense, con invitados de lujo como Wendy O' Williams o Phil Lynott, con grabación en vídeo para la posteridad, Motorhead publicaban uno de sus mejores trabajos, y uno de los más metálicos, con, como ya hemos señalado, su nueva formación, que esta vez era cuarteto, en lugar de trío. A las guitarras estaba Würzell, aportando suciedad y contundencia, y Phill Campbell, aportando melodía y técnica, y a la batería el exSaxon Pete Gill, que por supuesto, junto con Lemmy, nos brindaban una excelente colección de canciones que empezaba con el boogie a lo ZZ Top de "Deaf Forever" y seguía sin dejar respiro con cañonazos marca de la casa como eran "Nothing Up My Sleeve", con un riff que recordaba a unos Saxon, "Ain't My Crime", "Claw" o "Mean Machine", y temazos hardrockeros  como "Built For Speed", o "Doctor Rock" y el tema que daba título al disco, siniestro y pesado en el buen sentido, y todo un alegato contra los políticos, la religión y la guerra. Un disco que les hacía recuperar fans perdidos cuando publicaron el grandísimo pero incomprendido e infravalorado "Another Perfect Day", y que volvió a hacer que recuperasen gran parte de la popularidad perdida por aquel entonces.

PHIL LYNOTT

Hoy hace 30 años que el rock perdió a uno de los más grandes. Como todos los años, desde este blog, aquí va mi homenaje a su figura.

De paso, aprovecho para recordar la conexión que siempre hubo entre Motorhead y Thin Lizzy. Lemmy y Phil Lynott eran buenos amigos, y compartían ese espíritu callejero que hizo que ambas bandas fueran de las pocas de hard rock, respetadas por los punks en el Londres del 77. No sólo eso, sino que tanto Lynott como Lemmy eran unos grandes letristas. Cuando Motorhead ficharon como guitarrista a Brian Robertson, fue por insistencia de Philty Animal Taylor, que era fan a muerte de Thin Lizzy. Lemmy fue uno de los músicos que asistieron al funeral de Phil Lynott, y hace unos años, Motorhead incluían en su set el Cover de "Rosalie", tema de Bob Seger que versionearon Thin Lizzy, haciéndola suya totalmente.




Es bonito imaginar que estos tres, ahora están montándose una jam, estén donde estén.